Bach, Argerich, Gintoli, Isas, Estación Buenos Aires y más en el CCK

Compartimos el vídeo del canal Encuentro sobre el concierto realizado por Martha Argerich junto al violinista Rafael Gintoli, el ensamble Estación Buenos Aires la violinista Cecilia Isas y los pianistas Graciela Reca, Mauricio Vallina y Alan Kwiek.

El concierto fue dedicado integralmente a a la obra de Johann Sebastian Bach.

-Sonata para violín y piano en do menor,

Rafael Gíntoli, violín

Martha Argerich, piano

-Concierto para dos violines y orquesta en re menor

Rafael Gíntoli y Cecilia Isas violines

Ensamble Estación Buenos Aires:

Solista y director: Rafael Gíntoli.

 Primeros violines: Demir Lulja, Nicolás Favero, Brigitta Danko y Cecilia Isas. 

Segundos violines: Gabriela Olcese, Gustavo Mulé, Martín Fava, Javier Weintraub y Marcos Favero.

 Violas: Ricardo Bugallo, Elizabeth Ridolfi y Denis Golovin.

 Violoncellos: Siro Bellisomi y Pablo Bercellini.

 Contrabajo: Oscar Carnero.

Concierto para cuatro pianos de Bach-Vivaldi:

Graciela Reca, Mauricio Vallina, Alan Kwiek y Martha Argerich.

Martha Argerich

Martha Argerich nació en Buenos Aires en 1941 y a los tres años tuvo su primer contacto con el piano e inició su formación musical a través del método lúdico de Ernestina de Kusrow. Dos años después comenzó a tomar clases con Vincenzo Scaramuzza. A los ocho años se presentó en público en su ciudad natal en conciertos de Mozart y Beethoven con la Orquesta de Radio El Mundo dirigida por Scaramuzza. En 1952 debutó en el Teatro Colón interpretando el concierto de Schumann bajo la batuta de Washington Castro. En 1954, ya en Viena, comenzó sus estudios con Friedrich Gulda, a quien había conocido en Buenos Aires y quien se transformara en un referente principal en ese período de formación. Posteriormente también recibió clases de Arturo Benedetti Michelangeli, Nikita Magaloff y Stefen Askenase.

En 1957 obtuvo los primeros premios en dos concursos de enorme prestigio: el Busoni de Bolzano y el Internacional de Ginebra, que venía siendo declarado desierto desde 1949. Desde 1960, año en el que grabó para Deutsche Grammophon, realiza una intensa actividad discográfica para los sellos más importantes de todo el mundo, y su participación para trabajos discográficos es permanentemente requerida. En 1965 conquistó uno de los máximos galardones internacionales dedicados al piano: el primer premio del Concurso Chopin de Varsovia, y también el premio de la Radio Polaca por sus interpretaciones de valses y mazurkas. En 1974 realizó una gira por los Estados Unidos y conquistó el reconocimiento del gran público de ese país, al igual que el de Europa.

En 1980 el interés de Argerich por la música de cámara se volvió el eje central de su actividad musical, relegando sus actuaciones con orquesta y postergando para siempre su actuación como pianista de recital de piano solo. Son, desde entonces, rarísimas las ocasiones en que se ha podido escuchar a Argerich interpretando alguna obra sola frente al teclado. En cambio sus actuaciones en música de cámara la llevaron desde ese momento a presentarse regularmente con otros músicos como Nelson Freire, Gidon Kremer, Mischa Maisky, Nicolas Economou, Stephen Kovacevich o Daniel Barenboim.

En diferentes lugares del mundo se desarrollan festivales con su nombre, y el de Beppu, en Japón, ya lleva veinte ediciones. En la ciudad suiza de Lugano se llevaron a cabo más de diez ediciones del Progetto Martha Argerich, del que, gracias a EMI, se tiene numerosos registros discográficos. Entre 1999 y 2005 se realizaron cinco ediciones en Argentina, donde además se realizaron dos ediciones del Concurso Internacional de Piano Martha Argerich. La pianista recibió premios y distinciones oficiales a lo largo de toda su carrera, entre ellas el premio Kennedy Center que le fue entregado por el entonces presidente de los Estados Unidos, Barack Obama, en 2016, y la Orden del Sol Naciente, otorgada en Japón por el emperador Akihito. La figura de Argerich se ha convertido en un referente musical de la historia reciente a nivel mundial. Su interés por el desarrollo de las generaciones de jóvenes músicos la ha llevado a sumarse a proyectos relacionados, a brindar un espacio para que otros pianistas se presenten compartiendo el escenario y a propiciar estructuras con ese fin dentro de sus Festivales. La agenda de esta artista singular tiene compromisos hasta el año 2022.

Graciela Reca

Graciela Reca nació en Paraná; allí comenzó su formación musical, y la continuó en la Universidad Nacional del Litoral con Luis La Via, Mario Montrul y Aldo Antognazzi. En 1981 obtuvo el máximo título en su especialidad. Recibió primeros premios en certámenes nacionales, y en 1970 fue seleccionada por concurso para perfeccionarse con Bruno Saidlhofer (Academia de Música de Viena). Ha ofrecido recitales en radios e importantes salas de la Argentina. Como solista actuó con las Orquestas de Santa Fe y Entre Ríos, la Sinfónica Nacional y Filarmónica de Asunción (Paraguay). Desde su formación integró el Trío de Cámara de Paraná, con el cual ha actuado en Entre Ríos, Santa Fe, Rosario, Mar del Plata y Capital Federal. En 2011 coordinó el Homenaje a Franz Liszt, con presentaciones en Santa Fe, Festival Galas del Río de La Paz y Paraná, y del que participaron jóvenes pianistas del Litoral. Participa activamente del festival Galas del Río, en recitales junto a Stanimir Todorov y Elías Gurevich. Con Exequiel Spuches y Claudia Lapacó presentó El carnaval de los animales de Saint-Saëns, sobre textos de María Elena Walsh, y Mi madre la oca, entre otros. En 2012 actuó junto a Martha Argerich y Daniel Rivera en obras para dos pianos. Actúa junto a agrupaciones como el Cuarteto de Amigos y el Cuarteto de Córdoba en diferentes puntos del país.

Mauricio Vallina

Nacido en 1970 en La Habana (Cuba), Mauricio Vallina está radicado en Bruselas. Después de graduarse en su ciudad natal, completó su formación en el Conservatorio Chaikovski de Moscú, el Real Conservatorio de Música de Madrid y la Fundación International de Piano de Como. Recibió la guía e influencia de, entre otros, Alicia de Larrocha, Dimitri Bashkirov y Martha Argerich. Fue premiado en concursos nacionales e internacionales. Actuó como solista (con importantes orquestas y directores) y en recitales y conciertos de música de cámara (junto a Renaud y Gautier Capuçon, Polina Leschenko, Karin Lechner, Pia Sebastiani, Gabriela Montero y Nelson Goerner, entre otros) en las principales salas de Europa, América, Asia y Australia. Desde 2001 se presenta a dúo con Martha Argerich. En 2001 grabó su primera producción discográfica con EMI Classics International. Fue dedicatario de obras como el primer concierto y la sonata en mi bemol del colombiano Arturo Cuellar, y recientemente colaboró con el austríaco Roland Baumgartner. Es autor de transcripciones con un estilo marcadamente personal. En 2013 y 2014 fue el único artista clásico invitado al Voll-Damm Festival de Jazz de Barcelona, en cuyo marco Chucho Valdés presentó oficialmente la última creación de Vallina: su programa Cuba Clásica.

Acerca de Alan Kwiek

Alan Kwiek nació en 1981 en Buenos Aires. Se formó con Lidia Santos, María Fernanda Bruno, Adela Barroso, Pía Sebastiani y Elizabeth Westerkamp. Como solista y camarista actuó en Argentina (Buenos Aires, La Plata, Córdoba, La Pampa, Jujuy, Tucumán) y el exterior. Brindó clases en escuelas de educación pública e instituciones musicales en Buenos Aires y el interior. Colaboró con la Orquesta Sinfónica João Pessoa (Brasil). Desde 2000 forma parte del dúo Bernárdez-Kwiek, con el que se presenta regularmente en todo el país. En el Festival Internacional Pietrasanta in Concerto (Italia) actuó junto a Gabriele Baldocci, Akane Sakai y Martha Argerich. Como parte del dúo Isas-Kwiek recibió el primer premio del Concurso de Música de Cámara de Argentmúsica, y actuó en el Progetto Martha Argerich de Lugano (Suiza) en 2012, y también en Argentina, España, Bélgica, Suiza, Holanda e Italia. En noviembre de 2017 el dúo interpretó en una sola tarde las sonatas para violín y piano de Beethoven, en el CCK.

Rafael Gíntoli

Rafael Gíntoli se graduó en el Conservatorio Municipal de Música “Manuel de Falla” y se perfeccionó en Holanda. En 1968 ganó el Premio Municipal de Buenos Aires. Desde los dieciséis años actúa como solista con importantes orquestas de Argentina, Sudamérica y Europa. Realizó grabaciones para la RAI, Radio Berna, Radio Maastricht (Holanda), TV Globo (Brasil) y National Broadcasting System (Islandia). Fue primer violín concertino de los teatros Massimo de Palermo y La Fenice de Venecia, Orquesta Haydn de Bolzano y Sinfonietta Roma. Recibió premios de la Asociación de Críticos Musicales, la Academia Argentina de Música y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Invitado por Shlomo Mintz, dictó un curso de alto perfeccionamiento en Israel. Es director artístico e integró el jurado del Primer Concurso Internacional de Violín Buenos Aires 2010 y 2012, también del Concurso Internacional de Violín Luis Sigall de Chile, y el Concurso Internacional Lipizer en Italia. Actuó junto a Martha Argerich en el Teatro Colón y en el Auditorio di Santa Cecilia en Roma. Es concertino de la ONMA desde 1996.

Cecilia Isas

Oriunda de Tucumán, Cecilia Isas se formó con Emma Valdez (Conservatorio Provincial de Música), Julio Lazarte y en Buenos Aires con Luis Roggero. Obtuvo becas para su perfeccionamiento en la Academia Internacional Menuhin en Blonay (Suiza) y luego con Oleg Pishenin. Integra desde 2008 el Dúo Isas-Kwiek, ganador del concurso de música de cámara de Argentmúsica y del concurso Jóvenes Intérpretes del Bicentenario (Fondo Nacional de las Artes). El dúo realiza una permanente actividad de conciertos en Argentina, Brasil, y Europa, y en 2017 concretó en el CCK la proeza de interpretar las diez sonatas para violín y piano de Beethoven en la misma tarde. Isas interpretó como solista conciertos de Bach a Kachaturian y Alonso Crespo, junto a notables orquestas. Integró la Sinfónica de Salta, la Orquesta Estable de la Provincia de Tucumán (como concertino), la Filarmónica de Buenos Aires, la Orquesta Estable del Teatro Argentino de la Plata y actualmente la Orquesta Sinfónica Nacional. Actúa regularmente en el marco de Festivales y para las Asociaciones más prestigiosas del país.

Video propiedad del CANAL ENCUENTRO.

At sunset de Kjell Marcussen

At sunset para viola y guitarra, de Kjell Marcusen.

Guitarra: Anders Clemens Øien

Viola: Povilas Syrrist-Gelgota

El tema pertenece al álbum Dedications.

Con licencia cedida a YouTube por

The Orchard Music (en nombre de IndigoBoom)

The magic hour, Wynton Marsalis

Compartimos The magic hour, del genial trompetista de jazz Wynton Marsalis. la presentación fue grabada en vivo el 8/13/2005, En el Newport Jazz Festival. El tema pertenece al álbum del mismo nombre The magic hour que se lanzó en 2004 bajo el sello Blue Note Records. 

Feelling of jazz.

Wynton Learson Marsalis (Nueva Orleans, 18 de octubre de 1961) es un trompetista, compositor y arregladro estadounidense de jazz. Quizás sea el músico de jazz de mayor impacto mediático en los últimos veinticinco años y uno de los grandes trompetistas de la historia. Wynton Marsalis es el representante del neoclasicismo en el jazz, abarcando con un estilo clásico y técnicamente impecable al swing y las lecturas más modernas del bebop.

En los ochenta Marsalis apostó por un jazz acústico y apegado a la tradición, y a la vez ejerció una labor crítica combativa contra prácticamente todo el jazz de vanguardia realizado desde mediados de los sesenta, considerándolo música fuera de los límites de lo que se puede considerar jazz. Encabeza el llamado movimiento de los Young lions promocionando a nuevos intérpretes y llamando la atención sobre el jazz a compañías discográficas hasta el momento ajenas a él.

Marsalis tiene dos grandes influencias: la de Freddie Hubbard y, sobre todo, la de Miles Davis por la cual en ocasiones fue criticado. En 1990 con Tune in Tomorrow el trompetista consigue ubicarse para la crítica, como un intérprete plenamente independiente. Su estudio de los primeros estilos del jazz, como, por ejemplo, el de Louis Armstrong y el de Duke Ellington, han ayudado a que su sonido se haya afianzado como auténticamente personal.

The magic hour álbum completo.

Wynton Marsalis

Hijo del pianista Ellis Marsalis, hermano menor de Branford Marsalis y mayor de Delfeayo Marsalis y Jason Marsalis (todos músicos de jazz), Wynton recibió su primera trompeta a los seis años. Estudió música clásica y jazz y tocó en orquestas locales, grupos de funk y orquestas clásicas. Marsalis tocó como primera trompeta en la New Orleans Civic Orchestra durante su etapa en el instituto. Se marchó a la Juilliard School cuando tenía 18 años y en 1980 realizó su primera grabación con la Art Blakey Big Band y se unió a los Jazz Messengers.

Estatua de W. Marsalis en Vitoria-Gasteiz.

Hacia 1981, el joven trompetista estaba ya en boca de todo el mundo jazzístico. Realizó una gira con Herbie Hancock, continuó trabajando con Art Blakey, firmó con Columbia y grabó su primer disco como líder. En 1982, además de formar su propio quinteto (con su hermano Branford, Kenny Kirkland, Charnett Moffett y Jeff “Tain” Watts) grabó su primer disco de música clásica que le llevó a ser considerado uno de los mejores trompetistas clásicos de todos los tiempos. Su quinteto duró hasta finales de 1985.

Su siguiente grupo estaba compuesto por el pianista Marcus Roberts, el bajo Robert Hurst y el batería Watts, que con el tiempo se convertiría en un septeto con las incorporaciones de músicos como el trombonista Wycliffe Gordon, el saxo alto Wessell Anderson, Todd Williams en el tenor, el bajo Reginald Veal, el batería Herlin Riley y finalmente el pianista Eric Reed. Marsalis desarrolló su propia labor compositiva durante esta etapa (influenciado por Duke Ellington) y el septeto se convirtió en un banco de pruebas para sus arreglos. Aunque el grupo se disolvió en 1995, muchos de sus músicos han seguido colaborando con Wynton en sus proyectos o con la Lincoln Center Jazz Orchestra.

Desde 1991 es padrino del festival Jazz in Marciac, el más importante de Francia, en el que actúa cada año en dos sesiones. En 1997, el maratón musical organizado por Marsalis Blood on the Fields, recogido en un triple disco, se convirtió en la primera obra jazzística ganadora de un Premio Pulitzer.

Videos: Youtube

Imagen e información Wikipedia.

Tercer concierto, Integral Sonatas de Mozart en la Patagonia

Video de Marco Fattorello y Emilio Peroni.

Tercer concierto del ciclo integral de las sonatas para piano y violín de Wolfgang Amadeus Mozart. El ciclo, inédito en la Patagonia argentina, llega a su tercer entrega para compartir la genialidad del gran compositor que a 263 años de su nacimiento sigue maravillando.

El concierto será el domingo 26 de mayo a las 20 hs. en el auditorio de la Escuela Superior de Música de Neuquén en Diagonal Alvear 90. Las entradas se adquieren en Av Argentina 255 y en el kiosco de la ESMN y tienen un valor de $300 las generales y $200 para jubilados y socios de la cooperadora de la escuela.

Bach 2 mov. del concierto Nº5 en Fa m, Maria Joao Pires

Compartimos el segundo movimiento del concierto Nº5 de Johann Sebastian Bach , interpretado por la pianista Maria Joao Pires bajo la dirección de Ricardo Chaily con la orquesta de París.

Concierto para clave y cuerdas n.º 5 en fa menor, BWV 1056

Temas del Concierto n.º 5, BWV 1056

  • Movimientos:
  1. [Sin indicación de tempo], fa menor, 2/4.
  2. Largo, la bemol mayor, 4/4.
  3. Presto,
  • Instrumentación: clave solista, violín I/II, viola
  •  continuo (violonchelo, violone)
  • Duración: unos 10 minutos
  • Año de composición: 1742

Los Conciertos para clave, BWV 1052-1065 son una serie de obras escritas para clave, cuerda y bajo continuo por Johann Sebastian Bach. Hay siete conciertos completos para clave solo (BWV 1052 a 1058), tres conciertos para dos claves (BWV 1060 a 1062), dos conciertos para triple clave (BWV 1063 a 1064) y un concierto para cuatro claves (BWV 1065). Además, hay un único fragmento de nueve compases de un concierto para un clave (BWV 1059), que añade un oboe al conjunto de cuerdas y continuo.​ Dos obras de Bach incluyen partes solistas destacadas de clave: el concierto BWV 1044, que tiene partes solistas además del clave, para violín y para flauta; y el Concierto de Brandeburgo n.º 5, BWV 1050 con un planteamiento similar. Todos los conciertos para clave de Bach (con excepción del Quinto Concierto Brandeburgo), se cree que son arreglos realizados a partir de conciertos anteriores escritos para instrumentos melódicos, probablemente de la época de Köthen. En muchos casos solo se ha conservado la versión para clave.

Información Wikipedia

Videos Youtube

Omar Carrión, la excelencia desde el corazón

La imagen puede contener: 3 personas, personas en el escenario

Una gran presencia escénica con un bello y aterciopelado tono de barítono emana de Omar Carrión. Rebelde en su juventud no gustaba de la ópera sino de los Beatles, pasión que todavía lo acompaña; pero una vez en el Colón se deslumbró con El Rigoletto de Sherril Milnes y, gracias quizás, a ese deslumbramiento por el norteamericano -a quien conoció y junto a quien trabajó- hoy podemos disfrutar de su bella voz.

Omar Carrión se presentó con el Concierto-Clase: Una noche en la ópera que tuvo lugar el 27 de abril pasado en Neuquén, Argentina. El concierto fue dirigido por el maestro Andrés Tolcachir y contó con los comentarios del periodista Nelsón Castro.

Fue una noche única que dejó al público deseoso por más. TheEuterpemusesite accedió a un diálogo con los tres cantantes y en este post compartimos la entrevista a Omar Carrion. Un artista completo y experimentado que ha recorrido un vasto camino en la ópera y que como cualquier artista consciente, lamenta el estado actual de abandono de las manifestaciones artísticas en nuestro país .

Carrión nos relata sus inicios, las experiencias que lo marcaron y nos da su visión de los procesos de aprendizaje de una manifestación tan compleja y sutil como el canto lírico donde al apoyo docente es muy importante. También devela sus creencias sobre la forma de transmisión del canto: “debe pasar por el corazón”.

Sin duda una muy interesante entrevista que esperamos disfruten tanto como nosotros al realizarla.

¿Ud. aprendió a cantar con sus padres?

Mi papá era tenor y mi mamá era soprano y mis primeros maestros fueron ellos. Ellos habían dejado de cantar cuando yo nací y mi papá enseñaba canto en mi casa. En un principio a mi no me gustaba la ópera, era fan de Los Beatles, y de hecho aún sigo siéndolo.

Estaba con el rock y pero me fui metiendo de a poco en la ópera, y  mi papá me dio mis primeras clases. Después entré al Instituto del Colón, seguí con mi mamá y con una profesora del Colón, que fue Delia Rigal. Ella había venido del extranjero era una soprano argentina que había cantando en el Metropolitan. Y mi padres se llamaban Antonio Carrión e Hilda Angelici. Yo luego terminé con una especie de perfeccionamiento con el barítono americano Sherril Milnes, con quien fui a estudiar a Manhattan.

¿Cómo fue esa experiencia con Sherril Milnes?

Bueno el vino a cantar acá. Hizo una masterclass y también tuvimos clases individuales y después me tomé el trabajo de ir a estudiar allá. Bueno, eso fue esencial porque yo me dediqué a la ópera más por él que por mis papás. Yo estaba en el secundario y me llevaron al Colón a ver el Rigoletto de Milnes ¡Y me volví loco! Y me dije ¡Yo quiero cantar como ese tipo!……. Y no solamente canté las óperas que cantó él ….sino que grabé con él y canté con él, y todo eso no me lo hubiera imaginado nunca. Grabé “I pagliacci”, con Luis Lima, Sherril Milnes y yo hacía de Silvio y canté con él en Fedora y canté con él en Tosca… y tomé clases….. Así que, a veces… como que el universo te devuelve energéticamente las cosas que deseas mucho, ¿no?.

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Sherril Milnes.Fotografía Ópera sense


¿Y cúal fue técnicamente la enseñanza más importante que le dejó Millnes?

Gracias a Dios, él tenía un lenguaje muy parecido técnicamente al que me habían enseñado mis padres y las maestras del instituto en cuanto al apoyo. Porque a veces ocurre que vos estudias con una persona que te marca un camino por derecha y viene otra muy buena que te marca un camino por izquierda y vos quedas en el medio y decís ¿Ahora qué hago?. Gracias Dios en ese aspecto estaban todos por el mismo lado. Ël trabajó conmigo repertorio, estilo, me dió un par de consejos increíbles….. Y lo que voy a decir ahora parece mentira, pero la mayor ayuda que me dió Milnes en ese momento fue el creer en mí. Porque no siempre pasa. Uno se forma en países como Argentina y no te dan todas las manos que necesitas, no solamente en lo técnico sino una mano de apoyo de decir ¡Vos vales, adelante, vamos, vos podés! Al contrario a veces te ponen bastante palos en la rueda y sin querer lo hacen, ….me imagino….. espero (risas), hasta que viene un tipo que vos admiras mucho y lo tenés como un ídolo y  te dice ¡Vos valés, vos podés hacer esto! Entonces pensás bueno, si me lo dice este tipo todo lo que me digan los demás no me importa.

Es que quizás él tránsito la misma experiencia y la superó….

Si quizás superó los mismos escollos ¿no? Y yo logré muchas cosas gracias a pensar – Bueno si este tipo me lo dice no me cabe ninguna duda-.

Quizás, también estaban todas las condiciones dadas ¿No?

Sí, pero si vos estás rodeado de gente que no siempre es positiva…. esto nos pasa a todos ¿eh? Es inherente, por eso cuando uno enseña, o yo cuando le enseño a mis alumnos aparte de darles lo mejor que pueda, trato de ser muy positivo. O sea, les marco los defectos, pero señalando lo positivo. Porque si vos a un alumno le decís solamente lo que le falta y no le decís lo que tiene, empieza a acumular un montón de información negativa y sale muy mal de la clase y pensando -Yo no sirvo para nada-, y no es así porque el aprendizaje es un proceso. Yo les marco el error que hay que arreglar pero también les marco la virtud y les digo que tengan paciencia, así lo ven como un proceso. Es como un combo de cosas que hacen que el alumno tenga más ganas de estudiar y no se bajonee. Pero no todos los docentes tienen ese sistema.

Pero también pasa que no todo el mundo puede cantar ópera ¿No?

Primero… y no cualquiera puede enseñar tampoco ¿eh? porque son cosas muy distintas. Podés cantar muy bien pero no tener pedagogía. Cuando no le sale explicar y el profesor lo hace y te dice – Es así- pero al alumno no le sale y no hay argumentos valederos que le hagan entender falta algo y hay que hacerse entender, es muy importante porque son todas imágenes al final.

Y la determinación el carácter y la motivación son muy importantes y la perseverancia también ( agrega al diálogo la soprano Gisela Barok)

Si, también si tenés un alumno que no ha concluido su formación pero está parado en una posición de ´se las sabe todas´y que viene y te dice -En realidad vengo a ver que me puede aportar- y vos ves que necesita mucho más que un aporte……. Así como hay profesores que no enseñan hay alumnos que no funcionan, que sólo vienen a que les reafirmes que lo que están haciendo está bien y a veces no está bien y lo ves en sus caras cuando lo corregís…


OMAR CARRION(BARITONO) ARGENTINA.”CARDIFF SINGER OF THE WORLD 1989″
l 11 nov. 2008 IL GIURAMENTO.(MERCADANTE) “ALLA PACE DEGLI ELETTI”.

Ud. tuvo también otras experiencias internacionales que nos puede comentar sobre ellas

Son experiencias muy lindas fui, semifinalista en el concurso Pavarotti y gane el concurso Rossini. También representé a Argentina en el Cardiff singer of the world, en Gales. Fueron experiencias bárbaras pero es un mundo desconocido para nosotros…

¿Porqué lo dice…?

Yo siempre cuento que cuando fuí a cantar en Gales me llevaron a cantar en limousine era como si estuvieras en Hollywood, te secaban con un pañuelo. Hay un respeto por los cantantes y por el arte. Es otra cosa.

Es lo que debería suceder acá también…

Si pero me da la impresión de que cada vez pasa menos aquí, por eso los que estamos en esto tenemos que hacer fuerza para que esto se mantenga.


“ATTILA” (VERDI) Aria y Cavaletta de Ezio “Dagl inmortali vertici” “E gettata la mia sorte” Buenos Aires 2008.TEATRO AVENIDA

Pero es un privilegio también vivir del arte…

Si porque a veces pasa que tenes esa actitud pero no te dan lugar y no podés desarrollarla. Y si te toca un gobierno al que la cultura le parece que innecesaria y que es un gasto superfluo estamos mal. Así estamos en este momento para ellos la cultura no es importante y es lamentable.

Y si es lamentable….

Pero no por eso hay que abandonar.

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No por supuesto……Cambiando de tema Ud. cree que al cantar ¿Hay una conexión con algo que ayuda a transmitir? ¿Cúal es la sensación al cantar?

Si yo creo que todos los artistas tenemos algo distinto al resto de la gente y por eso nos dedicamos a esto. Había un maestro en el Instituto que decía que el artista es como una bombita de luz que tiene una usina eléctrica que le da energía a esa bombita de luz. Tiene demasiada energía para una sola bombita de luz. Por eso tenés que darle vida a muchas bombitas de luz que son muchos personajes. Tenés que vivir otras vidas, no nos basta con la propia, a mí no me basta con mi vida me aburro como Omar, entonces me gusta hacer Figaro, me gusta hacer Germont, me gusta hacer el Conde de Luna… yo juego. Los artistas tenemos una cosa lúdica, básicamente estamos jugando. Nosotros tenemos esa conexión y no se puede sentir otra cosa. Y quizás otras personas está contentas con su vida trabajando en un oficina escribiendo a máquina y la persona está contenta pero yo no podría.

Claro …Y volviendo a su registro ¿Cómo la pasan lo barítonos en la ópera?

A diferencia de los tenores que hacen roles románticos, galanes y que a la gente les cae muy bien a los barítonos siempre nos tocan papeles de malo, salvo aquí que yo hago de Fígaro que es simpático, o Belcore que es un tonto que se hace el ganador. Yo siempre hago papeles de malo y hay que encontrar el feeling en personajes como Rigoletto, el conde de Luna, Scarpia, Germont…

Mi hijo un día me dijo – Vos siempre en el escenario sos malo, no sé qué haces pero te veo y te odio… ¿Qué pasa?- Y yo le pregunté -Bueno pero yo soy así en casa..?-, – No- me dijo- bueno menos mal!!- (risas).

Y eso me pasaba con Sherril Milnes que hacía de Scarpia y lo veías y decías -¡Que terrible!- y salía del escenario y era un dulce de leche. En ese aspecto los barítonos tenemos que buscarle la vuelta a esto porque hay que buscar ese lugar en lo peor de uno y -¡lo encontrás!-.

Algo que quiera agregar para finalizar….

Si, cuando vos me preguntabas sobre la conexión yo le digo a mis alumnos que siempre hay que manejar una técnica consciente para poder expresar lo que uno quiere y estar seguros de que va a salir todo bien. Una vez que eso está listo y está concientizado y automatizado les digo que hay que dejar pasar la música por el corazón y recién ahí cuando pasa le llegas a gente. Cuando vos sentís la gente también siente. Cuando estás cerebralmente cantando la gente dice -¡Qué buen cantante!- pero a los diez minutos se preguntan -Estará abierta después la pizzeria?- (risas). Ahora si el cantante además de tener buena voz te transmite algo que te envolvió y te tocó no vas a preguntar a qué hora cierra la pizzería, te transmite algo y te llevo a otro lugar esa es para mi la meta del canto.

Muchas gracias Omar Carrión!!!!

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Fotografía Fundación BPN.

Omar Carrión Barítono :

Egresado del ISATC, se perfeccionó con Delia Rigal y Sherrill Milnes. 

Fue finalista del Concurso Pavarotti en Philadelphia (1988), representante Argentino en Cardiff Singer of the World (Gales), y Ganador del Concurso Rossini en 1992. 

Desde su presentación en 1990, el Teatro Colón lo convocó en numerosas oportunidades. También ha cantado en los principales teatros de Argentina y Sudamérica. Cantó Las ausencias de Dulcinea con la Orquesta Nacional de España, dirigida por Rafael Frühbeck De Burgos, en España, Grecia y Alemania, y ofreció conciertos en Liepaja (Letonia), donde realizó la grabación de I pagliacci con Luis Lima, Sherrill Milnes y Darío Volonté. 

Para Buenos Aires Lírica interpretó los principales papeles de su cuerda en Madama Butterfly, Lucia di Lammermoor, Il barbiere di Siviglia, Rigoletto, Ernani, Il trovatore, Attila, La traviata, I puritani Belisario

En 2006 cantó Il trovatore en el Teatro Argentino, Così fan tutte, Boris Godunov y Turandot para el Teatro Colón. Para el mismo teatro en 2007 cantó La traviata y Turandot en Mexico DF, La viuda alegre en Colombia e Il barbiere di Siviglia en el Argentino. 
En 2008 cantó La traviata en San Luis para el Teatro Colón. Participó de la Gala Reapertura y de La bohème en la reinauguración del Teatro Colón en 2010. 

Se presentó en el Teatro Municipal de Santiago de Chile con La favorita (2008), La traviata (2009), Rigoletto (2010) y en la actual temporada en el papel principal de Simon Boccanegra, título que acaba de protagonizar en el Teatro Colón. 
Interpretó á Don Carlos (versión original en francés) en el Teatro Argentino de la Plata.

Vitamin String Quartet tribute


The String Quartet Tribute es una serie de álbumes tributo interpretados por cuarteto de cuerdas con diferentes músicos para cada álbum, todos ellos producidos por Vitamin Records desde 1999, en Los Ángeles.

Compartimos algunos temas de distintos álbumes del tributo de cuerdas Vitamin.

Earned it- TheWeeknd

Venus as a boy – Bjork


Riders on the storm- The Doors


Billie Jean– Michael Jackson

I still Haven`t found what I´m looking for- U2

Never tears us apart- INXS

Y dos versiones original para comparar:



Earned it – The Weeknd


Bjork – Venus as a Boy!