Encuentro con el absoluto, Gustavo Santaolalla

En 1967, con 16 años, el músico argentino Gustavo Santaolalla comienza su carrera profesional y funda Arco Iris, una banda de rock y música tradicional. El grupo era parte de una comunidad de yoga guiada por Dana Winnycka y su compañero Ara Tokatlian. Su primer éxito, Blues de Dana, canción ganadora del Festival Beat de la Canción Internacional de Mar del Plata de 1970, estaba dedicado a ella de quien Gustavo estaba enamorado.

Dana, era trece años mayor que él e inspiró varias de sus canciones como ¿Quién es la chica? (1970). Sin embargo, los requisitos estrictos que ella imponía a la comunidad (prohibición de carne, alcohol, drogas, y especialmente el sexo), llevaron a la ruptura de la comunidad y de la banda en 1975.

 

 

Desde 1969, es amigo de León Gieco a quien le produjo el álbum De Ushuaia a La Quiaca y Pensar en nada. También mantiene una relación de amistad con Charly García.

En 1976 formó Soluna, donde tocó con Alejandro Lerner y su novia (por ese entonces) Mónica Campins. Juntos grabaron sólo un álbum (Energía Natural, con Charly García, Mauricio Veber y Rody Ziliani como invitados 1977).

Como consecuencia de la censura y las limitaciones artísticas en Argentina durante la dictadura militar, emigró en 1978 a Los Ángeles, California, ciudad que sería clave en su carrera (y donde reside hasta el día de hoy). Durante sus primeros tiempos en Estados Unidos, adopta un sonido más acorde a la música under de esos años, como el punk y el new wave y formó la banda Wet Picnic con quien sería en adelante su gran compañero de trabajo: el también argentino Aníbal Kerpel (ex Crucis). 

 

Ya en los noventa, Santaolalla se volvió un apellido clave durante la explosión del rock latino de aquel momento, siendo productor musical de importantes bandas y artistas del continente como Caifanes, Maldita Vecindad, Los Prisioneros, Café Tacuba, Divididos, Fobia, Molotov, Bersuit Vergarabat, Julieta Venegas, Juanes, Jorge Drexler, La Vela Puerca, Árbol, Puya, entre otros, cuyos discos producidos por él se han ganado un lugar dentro de los mejores del rock en español. Según cuenta el mismo Gustavo, todos los álbumes que ha producido han sido de músicos que han plasmado su identidad en las canciones y que han empujado los límites de lo convencional, y eso se relaciona con la búsqueda que él mismo ha hecho en la música.

 

 

En esa misma década publicó nuevas producciones en solitario: GAS (1995) y Ronroco (1998). Este último fue un disco instrumental, tocado principalmente con el instrumento andino que le da el título. Curiosamente, no se editó en Argentina. No obstante, Ronroco acabó  siendo  una producción elogiada por la crítica y un material de culto en la actualidad. Este material acercaría profesionalmente a Gustavo al mundo del cine, ya que el director Michael Mann decide incluir un tema de susodicho álbum para la banda sonora del filme The Insider.

A partir de ese momento, Santaoallla se dedicaría de lleno a la producción de bandas sonoras de películas como Amores Perros21 gramos o Diarios de motocicletaBrokeback Mountain por la cual ganó el Óscar en 2006.

 

En 2008, participó en el MTV Unplugged de Julieta Venegas, donde tocó el banjo en la canción «Algún día». Ya antes, en 1995, había participado en el Unplugged de Café Tacuba, como músico invitado en dos canciones.

Creó la banda sonora del videojuego The Last of Us, desarrollado por Naughty Dog de manera exclusiva para PlayStation 3.

El 8 de julio de 2014, dio a conocer su nueva producción: Camino, compuesto de 13 temas instrumentales -entre ellos The journey que ya venía presentando con anterioridad- y que, según palabras de su propio autor, es la continuación del álbum Ronroco. Desde el 2001 integra y es cofundador de Bajofondo.

 

 

 

Programa completo Encuentro en la cúpula con Gustavo Santaollalla:

 

 

 

Información obtenida de Wikipedia.

Videos extraídos de Youtube

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Xavier Inchausti: la grandeza de lo real

Xavier Inchausti: la grandeza de lo real

 

Si alguien viera a éste gran hombre, notable artista, caminando por la calle sin conocer su profesión  (como ocurrió con el experimento realizado por el Washington Post con Joshua Bell) quizás no lo asociaría con uno de los instrumentos más difíciles de ejecutar: el violín. Es que Xavier Inchausti con su serena y apacible personalidad  dista mucho de esa arquetípica  imagen de “celebridad” del violín, que existía en épocas pasadas.

Y como pasa con todo lo real en el universo, que siempre nos sorprende, este joven hombre que consagró su vida al violín; con sus 27 años, logró destacarse entre los mejores violinistas de nuestro país, por su excelente nivel técnico y por las magistrales ejecuciones en sus conciertos como solista.

En ocasión del 70º aniversario de la Sinfónica Nacional, de la cual Inchausti es concertino hace tres años y de la visita de esa agrupación a la ciudad de Neuquén (donde los músicos dictaron másterclass), pudimos acceder a una extensa entrevista con el reconocido violinista en la que abordamos diversas cuestiones desde sus inicios, su formación y sus concepciones sobre la técnica y el `talento´; su presente en la Sinfónica Nacional, hasta el significado que tiene la música para el artista.

 

Xavier Inchausti siempre amó el violín y al preguntarle cómo se debe encarar una carrera musical tan compleja sugirió que todo lo que nos toque hacer sea hecho con amor. Tal vez gracias a este precepto tan humano el violinista logró un nivel de excelencia en su carrera que hoy tiene trascendencia internacional, pero seguramente y en mayor medida fueron su gran disciplina y perseverancia las pautas que le dieron el impulso para llegar a su  magnifico nivel  interpretativo.

Desde nuestro sitio le agradecemos profundamente el tiempo que nos prestó para compartir sus experiencias y trasmitirle a quienes lo lean su sabiduría.

 

¿Por qué y a qué edad elegiste tocar el violín? ¿Provenís de una familia de músicos?

El violín me gustaba desde chico, pero empecé con el piano a los 8, estudié un año. Mi papá es jubilado y tocó muchos años como solista de corno de la orquesta de Bahía Blanca y yo iba a ver todos los conciertos con mi mamá. Creo que tenía bastante afinidad con el violín.

Había algunos muchachos jóvenes que yo seguía como Franco Cipriani (Tedy) y su padre, que son amigos míos, los aprecio mucho. Franco creo que éra el más joven de la orquesta y yo  lo tomaba como un referente porque tocaba el violín y jugaba conmigo…. eso era cuando tenia 3, 4 años. Me gustaba el violín pero no tenía instrumento.

A los 9 años ya estaba decidido, escuchaba muchas grabaciones de violín y había visto un documental de Menuhin  que me gustó mucho. Ahí me compraron un violín de ¾ y comencé a estudiar con Sergio Lazaret que era el concertino en Bahía Blanca.

 

¿Cómo continuó tu formación?

Lazaret  estuvo casi cuatro años en Bahía Blanca y esos años estudié con él en forma particular. Luego él se fue a España, siempre estuvimos en contacto pero nos reencontramos diez años después cuando yo fui a estudiar a la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Ana Chumachenko, otra gran profesora que me ha dado muchísimo con quien estudié cuatro años. Luego de Lazaret estudie dos años con Fernando Hassaj quien era el concertino de la Camerata Bariloche y fue un violinista y músico que tuvo una influencia muy grande para todos los violinistas argentinos y latinoamericanos.

Luego estuve un año en Vienna en 2004,  tendría 14 años más o menos. Estudié con un profesor que se llamaba Mihail Fijeslado, él era presidente del concurso Kreisler profesor de la universidad de Vienna. Luego volví y comencé a estudiar con Rafael Gintoli que fue mi maestro durante cinco años muy productivos y también pude conocer a otros violinistas que eran referentes muy importantes.

 

 

Luego de tus viajes y formación en Europa ¿Notaste diferencia en la enseñanza del violín con nuestro país?

En Europa el entorno en general y ciertas concepciones musicales son muy distintas. Pero mi primer profesor me los había transmitido porque vivió más tiempo en  Europa que en Argentina. El vino en la época del uno a uno de Georgia, un país que tiene una gran tradición violinística y muchos grandes instrumentistas. También vivió  mucho tiempo en Italia y en Alemania  por lo que él tenía otra mentalidad. No sé cuanto pude haber asimilado en ese tiempo pero puede ser que por eso no noté tanta diferencia. Hassaj era también una persona muy formada , era un violinista de trayectoria internacional, había tenido una gran formación con Ljerko Spiller, un maestro que también había transitado muchos lugares del mundo y había estado en contacto con grandes músicos, compositores, violinistas, pianistas. En ese sentido creo que me dieron conocimientos y un régimen de estudio con el que no noté grandes diferencias cuando fui a Vienna por ejemplo. Si había algunos conceptos distintos pero creo que me habían dado los elementos como para poder adaptarme. Tal vez donde si note más el cambio fue con Ana Chumachenko. A ella yo la elegí especialmente como profesora y estoy agradecido que me haya aceptado en su cátedra el tiempo que estuve en Madrid. Ella es un profesora de primer nivel y tiene grandes alumnos que hacen carreras muy importantes y bueno creo que con ella sentí realmente un cambio. Me exprimió, si bien los profesores que tuve fueron excelentes y mi formación era buena fui con ella a perfeccionarme y realmente sentí una exigencia muy grande a la que no fue fácil adaptarme, no tanto porque me pidiera una cantidad de horas determinada, yo ya estaba formado en eso pero ella realmente creo que va más allá.

 

¿En qué sentido va más allá?

Todos mi profesores van a coincidir…. ella es una de las más grandes maestras de violín, eso va un poco más allá del lugar donde estés. Yo he tenido la posibilidad de trabajar con grandes maestros con distintas formas de trabajo. Hay algunos que son más concretos en determinadas cosas, pero ella creo que logra hacer un trabajo más profundo y extraer cosas más personales. Su forma apunta a trabajar con los conceptos en las obras, con una gran profundidad y una gran entrega sobre todo. A veces era muy demandante y no me permitía tocar …(sin entrega). Ella notaba si yo realmente estaba, no sé cómo expresarlo ¡Hmm! si yo ponía el 100 por ciento de mi ser en eso ¿No? Por más que esté todo preparado y uno hiciera una versión correcta o buena aún así le molestaba si el compromiso no era del cien por ciento. Pero bueno. Esa era la forma en que ella vivía. Siempre la vi dando clases, estudiando, enseñando. Yo he visto gente con esa entrega tocando pero ella la tenia tocando y enseñando. La verdad es que fue una experiencia muy buena.

 

¿Tuviste otros maestros allá?

Si. También en España tuve la oportunidad de trabajar con otros grandes como Miriam Fried, Eschkenazy, Mauricio Fuks, Shlomo Mintz, Zukerman que son todos grandes maestros y violinistas creo que eso enriquece pero me parece que el trabajo fundamental es el trabajo con un profesor que uno elija y trabajar en profundidad. Yo creo que las masterclass son una cosa muy buena y a uno le abren la cabeza pero son un complemento, una cosa puntual y completan lo que es el  trabajo con el maestro que es el trabajo fundamental. Sí se puede trabajar con un maestro y ver resultados pero no se puede sólo tener masterclass y avanzar.

 

 ¿Dejaste muchas cosas en tu vida por el violín?

Si. Son decisiones personales. Yo sentí que necesitaba el cien por cien de mi tiempo para esto. Era mi sensación y  la seguí pero también depende mucho del carácter de la persona. Hay gente que por ahí si esta el cien por ciento del tiempo dedicada a una cosa no logra su mejor rendimiento y necesita hacer otras actividades. Creo que cada persona logra su mejor rendimiento de distintas formas, hoy en día eso está más abierto. Quizás en épocas pasadas se hacían las cosas de una sola manera  para algunos funcionaba. Hace muchos años, te estoy hablando por ejemplo a principios de 1.900 era distinto ¿No? Me refiero por ejemplo a gente que me ha venido a hablar después de conciertos y  me han dicho que por determinados maestros habían dañado su relación con la música. Y hoy en día se tiene se tiene más en cuenta la pedagogía.

 

 

¿Alguna vez sufriste maltrato con algún maestro?

No, la verdad que no, pero quizás porque como te decía estaba siempre al cien por cien pensando en el violín. Y para mí era importante siempre que lo que me digan me enriqueciera y para mi estaba bien. Y  creo también que si bien hoy en día está la ventaja de saber que cada persona trabaja de distinta manera, hay que darle crédito a los profesores y seguirlos por los menos un tiempo. En esta época se da esto de probar y si no te gusta algo, cambiar enseguida. Las cosas son muy inmediatas y a veces no se llega a hacer un verdadero trabajo con un profesor. Creo que por lo menos, hay que darle un plazo, no quiero poner números en tiempo, pero hay plazos que se tienen que cumplir por lo menos hasta que uno incorpora ciertas cosas y digamos que en un punto hay que seguir  con un profesor por un tiempo.

 

 ¿Cuál es la edad ideal para comenzar a estudiar violín?

Sinceramente no me siento calificado para responder eso. Es sabido que los niños son una esponja y captan las cosas muy fácil, pero creo que una persona grande también puede. Obviamente mediante un trabajo mucho más racional ¿No? Hay que tener en cuenta las desventajas de comenzar siendo más grande, quizás el cuerpo no es tan flexible, pero se puede flexibilizar totalmente.

Por otra parte yo creo que los chicos tienen menos pudor y  menos miedo tal vez a la hora de probar cosas y no se juzgan tanto. La gente grande a la hora de probar cosas gasta mas tiempo pensando ‘que es grande’ y si ‘va a poder tocar’ y en vez de pensar y poner la energía directamente en el trabajo y no cuestionar mucho. Yo creo que los cuestionamientos de si uno es grande o si tiene el talento no ayudan.

 

Y para vos ¿Qué es el talento?

Yo creo que el talento es algo muy amplio. Existen determinadas cosas que le cuestan más a cada persona. Hay gente a la que le cuesta más el tema de ser más fluido corporalmente o hay gente a quien le suena la música en la cabeza pero no lo logra transmitir. Hay otros casos que tienen mucha fluidez pero hay conceptos que los tienen que profundizar más. También hay casos de problemas de atención, o que tienen facilidad pero no pueden mantener la concentración más de determinada cantidad de compases o para estudiar. Digamos que más allá de lo musical hay varias cuestiones. A veces quizás ayuda ser organizado o quizás no serlo tanto. Hay muchas cosas en la música que se incorporan por imitación o de una forma más inconsciente y hay otras cosas que necesitan razonarse un poco más.

De lo que yo he visto en muchos violinistas tanto compañeros como gente que he escuchado incluso más grande yo creo que cada persona tiene cualidades distintas. El temas es la cuestión práctica, el entender qué te funciona y de qué forma. No saturarse estudiando demasiadas horas o tampoco estudiar muy poco.

Las horas de estudio varían, es algo relativo a la persona. En relación a la concentración hay gente que se puede concentrar media hora pero esa media hora les viene muy bien y hay gente que por ahí necesita más tiempo para trabajar de una forma más lenta. Por eso, en cuanto al talento no tengo una respuesta y creo que se suple con trabajo… y trabajo de la forma correcta.

No solamente ponerse a tocar y repetir…. bueno quizás normalmente hay que repetir pero no es cuestión de estar pasando el arco diez horas por día sin dirección.

 

¿Y la técnica como influye ?

Sobre el tema de la técnica yo tengo el concepto que me impartieron mis profesores y que he adoptado y es que es la producción de sonido. Vos tenes un concepto musical y en base a ese concepto musical vas a necesitar lograr determinado sonido determinado fraseo cuestiones concretas del sonido que parten del concepto musical que uno tiene.

 

O sea ¿Sería trasladar el concepto musical de la partitura al sonido?

Claro,  si,  eso varia en lo que son los colores del sonido. También  entra un poco el punto de contacto en el violín el sonido, el vibrato, el fraseo, la articulación, todas esas cosas puestas juntas forman un concepto. Aunque este varía de músico a músico para producirlo uno necesita plasmarlo con las manos en el instrumento. Y bueno yo creo que ahí entra la técnica o sea… los medios que uno utiliza y necesita para expresarse…. pero claro, no se puede dividir la técnica de la música. El concepto también está ligado a lo emocional, a algo que uno  tenga para decir, para comunicar.

 

En la clase hablabas de trabajar la ansiedad que produce el estudio como un proceso ¿Qué papel tiene lo emocional ahí?

No, pero eso es algo distinto. La ansiedad sería una cuestión emocional que yo la dividido de lo que es  la cuestión emocional a la hora de tocar. Porque una cosa es la entrega emocional a la hora de interpretar y otra cosa es la cuestión emocional que te puede frenar en lo que son los procesos a la hora de trabajar. Eso ya es una cuestión emocional pero que no está ligada a la expresión musical, sino que está ligado a saber uno entenderse y no hacer cosas que te jueguen en contra como lo hace la ansiedad. Son cosas que  sirve tenerlas en cuenta para el trabajo pero hay que separar un poco lo que es el trabajo de lo que es la interpretación. Separarlo es parte del artista ¿No? Hay que hacer ese trabajo. Y es necesario controlarse para lograr un resultado pero bueno también está la otra parte emocional que es la parte del artista que necesita expresarse.

 

Si podés elegir ¿Preferís tocar en orquesta o ser solista ?

Depende….. el repertorio orquestal es fantástico y los conciertos solistas también. Tocar violín solo me gusta mucho  y en un momento me dedicaba mucho a eso: existen obras que son muy violinisticas y para el violinista tiene un placer distinto tocar esas obras.

 

 

¿Cómo es tu actividad  musical? ¿En que otras agrupaciones estas? 

Estoy en  la Sinfónica Nacional, y no soy profesor en ningún lado. Tampoco doy clases particulares. Si  doy masterclass o escucho gente que me pide. Tengo un trió que se llama Ginastera con José Araujo en cello y Marcelo Balat en piano, estamos haciendo un trabajo muy intenso viajamos  y siempre estamos trabajando nuevo repertorio-

También tengo conciertos programados como solista que me llevan mucho estudio y preparación. Así que trato de no abarcar más de eso para poder concentrarme. Pero estoy más que nada dedicado a la orquesta

 

¿Te gustaría estar en alguna otra orquesta por ejemplo  en Europa?

No. Por ahora estoy muy comprometido con la Sinfónica Nacional. Para mi ser concertino es una gran responsabilidad y un gran honor y la verdad que la orquesta desde que llegó a la  sede en la sala sinfónica del CCK está muy bien. Creo que es una oportunidad fantástica, es como si a un violinista le dieran un Stradivarius. Y creo que para una orquesta es fundamental tener un lugar donde pueda trabajar de esa forma. Ahora se viene un recambio generacional en la orquesta, se está jubilando mucha gente y se están haciendo concursos que son fundamentales para que otra gente tome la posta. Yo por suerte entré antes de este recambio y pude compartir con colegas que en el pasado han estado cuarenta años en la orquesta y me ha transmitido muchas anécdotas y experiencias y un poco el espíritu de la orquesta que es algo muy importante. Yo estoy hace casi tres años pero igual tenía mucha relación con la orquesta porque hacía diez años que empecé a tocar como solista con la sinfónica y a muchos músicos los conocía de hace tiempo. La verdad que algunos de ellos han hecho muchísimo por la orquesta y para mi es una gran responsabilidad tomar esa posta y lo hago con mucha alegría.

 

 

¿Que implica ser concertino de semejante orquesta?

Es una orquesta que tiene una gran personalidad y toda gente pensante. Obviamente recae cierta responsabilidad artística sobre el concertino y es muy importante tener un diálogo fluido con los directores para hablar de ciertas cuestiones generales o también determinadas opiniones que me transmiten alguno colegas y se pueden charlar con el director. Todos son excelentes músicos, pero sí es importante la comunicación; para mi también es una gran referencia Luis Roggero que es un concertino que está hace mucho años en la orquesta y creo que para todos es una gran referencia. Y creo que es un rol importante,  pero más allá de eso la verdad que para mi estar en la sinfónica es un placer tanto por la calidad humana como por la calidad artística, estoy muy contento.

 

¿El estar en la Sinfónica Nacional es la cima? ¿Ya no es necesario seguir formándose?

El músico ya entra formado pero la mayoría siempre sigue tomando clases o haciendo cursos de perfeccionamiento. O tienen una gran actividad en cuanto a la preparación para lo orquesta porque se hace un repertorio de gran jerarquía que exige mucho tiempo de preparación individual para que los conciertos sean de excelencia.

 

¿Y la dirección de la orquesta?

En este momento no hay director titular. Hasta hace poco el director fue Pedro Ignacio Calderón. Y ahora nos estamos manejando con directores invitados, todavía no se tomó la decisión de elegir un director titular. Pero se está trabajando muy bien con directores principales invitados que vienen algunas veces en el año y hoy vamos a tocar con Günter Neuhold, que es un director que ha hecho bastantes conciertos en el último tiempo con resultados fantásticos. Es un  conductor de una gran trayectoria que hace un trabajo profundo con la orquesta, muy puntilloso.

 

 

Sobre las obras de hoy que me podés decir

Hoy tocamos  la obertura de `La forza del destino´, de Verdi, `Preludios´ de Lizt y la quinta sinfonía de Tchaikovsky. En el caso de la quinta es un obra fantástica yo creo que en el repertorio sinfónico hay que trascender lo que es el violín y tener una concepción más global de lo que es el sonido y de la combinación tímbrica y de los instrumentos; creo que eso hace al sonido orquestal y es muy  importante,  con este director creo que se hace un muy buen trabajo en ese sentido.

 

¿Cómo ves el estudio del violín y de la música clásica  en nuestro país?

Yo creo que ahora es un momento muy lindo porque hay muchos jóvenes que se están interesando hay muchas orquesta juveniles que hacen un trabajo maravilloso con los chicos y creo que habría que darles mucho más apoyo porque el talento está, la voluntad está, lo que faltaría es un apoyo que venga de más arriba para que las cosas funcionen mejor ¿No? Con instrumentos en condiciones, con buenos salarios para los profesores etc. Yo creo que eso es lo mas importante, creo que en un punto es lo más fácil. Porque el talento de los chicos, las ganas y la predisposición en general es lo que más escasea y eso lo tenemos, entonces habría que aprovechar todas esas virtudes humanas que hay. Creo que los chicos que participan de orquestas tienen un gran futuro por delante y creo que es un buen momento.

 

Algún consejo para los profesores de violín del país como para ayudar pedagógicamente a sus alumnos?

Mira la verdad que he visto excelentes profesores. Los alentaría  a que continúen con ese trabajo porque es muy importante realmente hay muy buenos profesores que quizás no tengan tanta fama como otros pero he visto gente  que hace un trabajo fantástico. Así que me guardaría del tema de dar consejos porque realmente hay excelentes pedagogos. Yo tengo también muchos amigos o colegas que se han ido para el interior y que tienen una gran entrega con la enseñanza.

 

El violín es todo para vos en tu vida .. y …¿Qué es la música?

La música es una parte central después obviamente tengo mi familia mis amigos todo pero la música es lo principal.  Todo el tiempo o escucho o toco, para mi es indispensable.

Para mi la música es algo que nos termina trascendiendo y participar de ella es una experiencia espiritual muy importante.

 

Trascendiendo… ¿En qué sentido … Para vos existe algo superior que la inspira?

Si…, si …..yo no me animaría a definirla porque creo que es algo … no se si decir complejo.. …Pero para mi es una experiencia espiritual…. Sobre todo el  hecho de tocar en conciertos.

Y sobre todo es una experiencia social … la música se comparte y es transformadora, creo que tiene un efecto muy profundo sobre la gente…. Sobre las personas. Y es algo con lo que uno puede entrar en contacto en determinados momentos porque a veces no es tan fácil conectar con la música y cuando se logra conectar con ella la verdad que es una experiencia que va más allá de lo que son las palabras… es muy difícil definirla con palabras y creo que eso es lo importante ¿No? Que entra por la parte emocional. Si bien se ha pensado y estudiado mucho al respecto; hay una parte que va más al lado emocional y que trasciende lo que es la psiquis humana y lo que es  el entendimiento de las personas. Porque hay ciertas cosas como por ejemplo la inspiración de ciertos compositores que están un poco fuera de lo que es lo cotidiano.

 

..Un poco fuera del plano humano?

Puede ser… (risas)…. pero tampoco me animo a definirlo… no soy filósofo y tampoco he pensado tanto sobre el tema pero es lo que yo siento. Es una experiencia espiritual que nos enriquece mucho y la puedo compartir.

 

 

Y a los jóvenes y adultos que estudian qué les recomendarías…. Disciplina?

Si esas cosas son importantes…. pero creo que lo más importante es que uno le ponga amor a lo que hace, si realmente les gusta la música que lo disfruten! Después bueno si hay un montón de cosas que son no sólo para la música sino para cualquier cosas que uno haga, como tener disciplina etc. Si uno hace deportes o estudia una carrera digamos que son cosas que se requieren para cualquier oficio y profesión pero me parece que no hay que perder de vista lo que es disfrutar y lo que es escuchar la intuición de uno y la creatividad… creo que no se tiene que perder.

 

 

 

 

La música en la narrativa mapuche

 

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El Departamento de Extensión de la Escuela Superior de Música de Neuquén invita a participar del curso denominado ” La narrativa en la música mapuche”, que dictará el profesor Claudio Santo Puel.
El mismo está dirigido a docentes y alumnos de profesorados de música, músicos en general, narradores, actores y público en general, y se dictará durante los días SÁBADOS 8, 15 Y 22 DE OCTUBRE DE 15 A 18 hs en la Esc. Sup. de Música, con una presentación final evaluativa el último día de 18 a 19 hs.
El objetivo del curso es brindar una herramienta más para el abordaje de la temática referida a la cultura mapuche, tanto sea para propio conocimiento como para su uso en el aula de cualquier nivel académico.
Esta capacitación otorga puntaje oficial del C.P.E.
El arancel del curso es de $ 400 general y de $ 300 pra socios de la Cooperadora de la ESMN.
 
Para mayores informes e inscripción dirigirse al Depto. de Extensión de lunes a viernes de 8 a 15 hs o escribiendo al mail: esmn_extension@yahoo.com.ar

 

 

II Festival Internacional de Música de Cámara en Neuquén


El Departamento de Extensión de la Escuela Superior de Música de Neuquén (Argentina) invitar al público a participar del SEGUNDO FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA DE CÁMARA.El mismo se llevara a cabo durante los días Viernes 5, Sábado 6 y Domingo 7 de agosto en el auditorio de la Escuela , sito en Diag. Alvear 90.

VIERNES 5 de agosto:
El festival comenzará a las 15 hs con el Concierto/Concurso de Música de Cámara, del cual participarán alumnos de todas las Escuelas de Música de la provincia.
Luego continúa con el primer concierto del Festival ese mismo viernes a las 20:30 hs. Allí se presentará el St. John String Quartet junto al pianista, compositor y arreglador Martín Kutnowski, todos de la Universidad de St. Thomas de Fredericton, Canadá.
Repertorio St. John String Quartet y Martín Kutnowski
 
W. A. Mozart (1756 – 1791)
Cuarteto No. 1 en Sol Mayor, K. 80
1.       Adagio
2.       Allegro
3.       Menuetto
4.       Rondeau
 
Martín Kutnowski (n. 1968)
Five Argentinean Folk Pieces (2002)
1.       Zamba de Vargas
2.       Ojos azules
3.       Milonga
4.       Baguala
5.       Valsecito criollo
 
Carlos Gardel (1890 – 1935)
El día que me quieras
 
Astor Piazzolla (1921 – 1992)
Avemaría
 
Carlos Gardel
Volver
 
Martín Kutnowski
Saudade (2016, obra encargada por el Saint John String Quartet)
1.       Fantasia
2.       Bossa Nova
SÁBADO 6 de agosto:
Continua el festival con las clases particulares que dictarán los músicos del St. John String Quartet el sábado de 10 a 13 hs.
A partir de las 16 y hasta las 19:30 hs se llevarán a cabo las clases abiertas y ensayo con los alumnos y profesores de cuerdas de las obras que se vienen trabajando para el evento, junto a los músicos del St. John String Quartet.
Y luego a las 20:30 hs será el segundo concierto del Festival, del cual participarán el Trío de Cámara de la Fundación Cultural Patagonia y el grupo ganador del II Concurso de Música de Cámara.
Repertorio Trío de Cámara
 
Louis de Caix d’Hervelois(1670-1759)
Suite(dúo de flauta y fagot)
Carl Philipp Emanuel Bach(1714-1788)
Sonata Hamburger en Sol Mayor
Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791)
Die Zauberflote (La Flauta Mágica)
Georges Bizet(1838-1875)
Menuett aus L’Arlesienne
 
Erik Satie(1866-1925)
Gnossienne num1
Carlos W. Barraquero(1926-2002)
Alusiones Pentafónicas
Astor Piazzolla(1921-1992)
Oblivion y Años de Soledad
Presentación del Grupo Ganador del II Concurso de Música de Cámara
DOMINGO 7 de agosto:
A partir de las 16 y hasta las 19:30 hs continúan y culminan las clases abiertas y ensayo con los alumnos y profesores de cuerdas de las obras que se vienen trabajando para el evento, junto a los músicos del St. John String Quartet.
Y el gran cierre del Festival será con la participación del Dúo Tupak y el St. John String Quartet junto a los alumnos y profesores de la escuela.
Repertorio Dúo Tupak
Larsen
Marimba: “Like blind men tapping in the dark”
 
Gene Koshinski
Marimba y multiple percussion: “ As one”
 
Lisandro Parada
Tambor rudimental y pista: “Tupak”
Repertorio St. John String Quartet junto a alumnos y profesores de la escuela
Antonin Dvorak (1841 – 1904)
Cipreses, B. 152, versió para cuarteto de cuerdas
 
Franz Schubert
Cuarteto No. 14 en Re menor, “La muerte y la doncella”, D. 810
 
Richard Kidd (n. 1954)
Pastorale (2014)
 
Clifford Crawley (1929 – 2016)
Blue Peter, Ocho canciones del mar (1979)
 
Antonio Vivaldi (1678 – 1641)
La Primavera, de las Cuatro Estaciones
 
Las entradas anticipadas a los tres conciertos se podrán adquirir a partir del 25 de julio en el kiosco de la Escuela Superior de Música y en el local de Todomúsica y tienen un costo de $ 100 la entrada general y $ 50 para socios de la Cooperadora de la escuela y los jubilados.
Para quienes quieran asistir a los tres conciertos el valor de las entradas a las tres fechas es de $ 200 general y $ 100 para socios de la Cooperadora y jubilados.

Manos a la obra: Haydée Schvartz: piano – Elías Gurevich: violín

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MANOS A LAS OBRAS EN LA UNCo

Haydée Schvartz: piano – Elías Gurevich: violín

 

Domingo 24 de abril de 2016
18,00 hs PRECONCIERTO
18,30 hs CONCIERTO
Aula Magna “Salvador Allende”
Universidad Nacional del Comahue Buenos Aires 1400.

 

PROGRAMA:
-Piotr IlichTchaikovsky
Souvenir d’un lieu cher Op.42 . Meditación
-John Cage
Six Melodies
-Charly García. Arr. de Popi Spatocco
Veinte Trajes Verdes
Desarma y Sangra
-Sergei Prokofiev
Sonata op. 1 en Fa menor Op.80

Invitaciones Especiales: Programa de Adultos Mayores de la Secretaría de Extensión Universitaria.
Para el resto del público, entrada LIBRE Y GRATUITA hasta agotar la capacidad de la sala.

Desde el año 2009 Haydée Schvartz y Elías Gurevich llevan adelante Proyecto Manos a las Obras, un ciclo de conciertos en el que presentan obras fundamentales del repertorio de música clásica y contemporánea de violín y piano, con un formato tan inusual como necesario.
El ciclo se desarrolla en distintos espacios culturales, en el Centro Cultural Nestor Kirchner, en la Radio Nacional Clásica Argentina, Universidades, Teatros de toda la Argentina y se ha extendido, en los últimos años, a diversos países de América Latina.
En un clima amable y distendido, Schvartz y Gurevich realizan en cada encuentro lo que se conoce como preconcierto, un momento dedicado a explicar las peculiaridades de las obras y su interpretación. De este modo, Proyecto Manos a las Obras invita a la participación y se propone como un espacio que favorece la escucha y el disfrute de la música académica, tanto para especialistas como para nuevos públicos.
Manos a las Obras, consiste también en la realización de clases magistrales abiertas y públicas para estudiantes de música de cada ciudad. En estas clases magistrales los estudiantes tienen la oportunidad de profundizar sus conocimientos y su experiencia en el campo de la interpretación.
Todos los conciertos y clases magistrales realizados en el marco de Proyecto Manos a las Obras cuentan en este caso con el auspicio y apoyo del Ministerio de Cultura de la Nación.

Haydée Schvartz , piano

Tiene una intensa actividad como solista y pianista de cámara tanto en el repertorio clásico como en el contemporáneo. Se presentó en importantes salas y festivales de América y Europa: Edinburgh International Festival, North American New Music Festival, World Music Days (Canadá), Festival de de Popayan (Colombia), Foro Internacional de Nueva Música (México), Festival de Porto Alegre (Brasil), Jornadas Pianísticas (Boston), Festival de Música Contemporánea (Chile), Nominada para el “Premio Clarín” como mejor figura de la Música Clásica en los años 2004, 2005, 2006 y 2009. Grabó para el sello Mode (Nueva York) tres CDs que han sido reconocidos por la prensa internacional. Ha trabajado y estrenado infinidad de obras, en muchos casos escritas especialmente para ella. Es directora del Ensamble Tropi, especializado en música contemporánea.

Elías Gurevich

Ha sido distinguido en el 2009 con el Premio Konex como violinista del Nuevo Trío Argentino y con el Premio Konex de Platino como Concertino Adjunto de la Camerata Bariloche . En 1983 ganó por prueba de oposición el cargo de 1er. violín de la Orquesta Filarmónica del Teatro Colón. Desde 1985 es integrante de la Camerata Bariloche en la que se desempeña como Concertino Adjunto. En 1999 participó en el Concierto de gala de Fin de Milenio de las Naciones que se realizó en el Lincoln Center de New York, invitado por la Symphonicum Europae Foundation, evento en el cual participaron cien solistas de cincuenta naciones. En 1996 fue miembro fundador del Trío Argentino, agrupación que recibió el Premios Gardel y los Premios Grammy (EE.UU) 2004. Actualmente desarrolla el proyecto “Manos a las Obras” junto a la pianista Haydée Schvartz, a través de Conciertos y Clases Magistrales en Radio Nacional y en Conservatorios y Universidades de Argentina y Latinoamérica.

 

Tango para Músicos 2016

           TANGO PARA MUSICOS

 tang

Haciendo click en la fotografía de la página podes acceder a todos los datos del encuentro de tango 2016.

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Tango, jazz, folklore y clásico en el 2º Festival de FCP! (Gral. Roca)

Grandes invitados en el 2º Festival de Música

Caratula

El 2º Festival de Música, organizado por Fundación Cultural Patagonia, se desarrollará entre el lunes 28 de septiembre y el sábado 3 de octubre de 2015 en el Auditorio “Ciudad de las Artes” y el Centro Musical de FCP (Rivadavia 2263) de General Roca, Río Negro.

El evento sumará conciertos y clases maestras en una propuesta que contará con la participación de grandes artistas invitados como Haydée Schvartz (piano), Elías Gurevich (violín), el pianista, compositor y arreglador Andrés Pilar, Ramiro Gallo (violín) y el pianista, compositor, arreglador y productor Adrián Iaies. Junto a ellos, actuarán los elencos de Fundación Cultural Patagonia y del Instituto Universitario Patagónico de las Artes (IUPA).

Cada día del Festival estará dedicado a un género musical: así se sucederán la música contemporánea, el folclore, el tango, el jazz y la música clásica.

Los conciertos serán en el Auditorio “Ciudad de las Artes” y las clases maestras en el Centro Musical de Fundación Cultural Patagonia.

El cronograma de funciones es el siguiente:

Lunes 28-9: de 9,30 a 12,30 y de 16 a 19 h: Seminario de Tango de Ramiro Gallo

Martes 29-9: 9 a 12,30 h: Taller “Manos a la obra”, Haydée Schvartz y Elías Gurevich. 15 a 18 h: Seminario de Tango de Ramiro Gallo. 18 h: Concierto: Orquesta Académica de FCP e IUPA, entrada libre y gratuita. 19 h: Masterclass de folclore argentino, Andrés Pilar. 21 h: Concierto: “Manos a la obra”, Haydée Schvartz y Elías Gurevich; Marianela García Pérez y Luisina Lattanzi, pianos; Fabián Poblete y Javier Navarrete, percusión.

Miércoles 30-9: 15 a 18 h: Seminario de Tango de Ramiro Gallo. 18 h: Concierto: Ensamble del Taller-Escuela de Jazz del IUPA, entrada libre y gratuita. 21 h: Concierto: Andrés Pilar y Ensamble Orquestal de FCP

Jueves 1-10: 18 h: Concierto: Estudio Orquestal de IUPA, entrada libre y gratuita. 19 h: Masterclass: Adrián Iaies. 21 h: Concierto: Ramiro Gallo y Grupo de Tango de FCP.

Viernes 2-10: 9,30 a 12,30 h: Seminario de Tango de Ramiro Gallo. 18 h: Concierto: Orquesta Típica del Seminario de Tango, entrada libre y gratuita. 21 h: Concierto: Adrián Iaies y Grupo de Jazz de FCP

Sábado 3-10: 21 h: Concierto: Camerata de Cuerdas de FCP.

El Festival de Música cuenta con la Dirección Artística de Ángel Frette.

Las localidades anticipadas estarán en venta, de lunes a viernes de 8,30 a 12,30 y de 14 a 20 y el sábado de 9 a 12,30, en la Secretaría de Fundación Cultural Patagonia, Rivadavia 2263, Roca. Para mayor información, comunicarse al (0298)-4432590.