Música y cine: El profesor de violín (Tudo que aprendemos juntos)

(Tudo Que Aprendemos Juntos), Excelente filme del brasileño Sergio Machado que retrata fielmente la actualidad de las sociedades devastadas  y cómo los programas de practica orquestal colaboran a generar un cambio.

El violinista Laertes (Lázaro Ramos), no logra superar la tensión en una audición para la Sinfónica y decide aceptar un trabajo de profesor de violín en Heliópolis, una favela de Sao Paulo. La cruda realidad vivida en ese ámbito que es cada vez más presente en las grandes ciudades no impide que el profesor ayude a sus estudiantes a comenzar a amar sus instrumentos y a la formación orquestal. Pero  los sucesos se desarrollarán de una manera desafortunada.

Tudo Que Aprendemos Juntos está basada en la verdadera historia del maestro brasileño Silvio Bacarelli, que en los años `90 consiguió estimular la inclusión social y cultural de los jóvenes de una de las favelas más grandes de São Paulo.

 

 

Anuncios

Juventud: Una simple canción

La decrepitud del cuerpo, la madurez de las emociones y quizás la valoración de lo verdadero…La vejez llega a la vida de Fred Ballinger y parece finalmente traerle una anhelada paz.

Compartimos el video Simple song con la soprano Sumi Jo, de la película Juventud (La Giovinezza, 2015) del director italiano Paolo Sorrentino, con la especial música de David Lang.

 

Sinopsis Juventud: Dos amigos de 80 años de edad están pasando unas vacaciones en un lujoso spa a los pies de los Alpes. Allí descansan y rememoran su vida y el tiempo que les queda. Fred Ballinger (Michael Caine) es un compositor y director de orquesta retirado. Mick Boyle (Harvey Keitel) es un cineasta que desea poner en marcha un nuevo proyecto y que lucha por terminar su película. Un retrato nostálgico de la madurez tanto vital como creativa.

Y un regalo

Just (After Song of Songs) David Lang. – Trio Medieval, Garth Knox, Agnes Vesterman, Sylvain Lemetre.

 

 

 

Dos genios jugando en las arenas; Joe Hisaishi meets Kitano films

Playing in the sands, de la película Sonatine.

Las dos grandes lumbreras del cine y la música japonesa se unieron para dar forma al álbum Joe Hisaishi meets Kitano films, disco del año 2001 editado por Polygram.

 

Mamoru Fujisawa (藤澤守 Fujisawa Mamoru?) mejor conocido como Joe Hisaishi (久石 譲 Hisaishi Jō?) Joe Hisaishi 2011.jpg(n. Nagano, Japón, 6 de diciembre de 1950), es un prolífico compositor japonés y director de orquesta, responsable de más de 100 bandas sonoras. Considerado uno de los compositores más importantes de todo oriente.

En su obra se mezclan el clasicismo europeo y la tradición japonesa, el minimalista y la música electrónica experimental, de manera armoniosa.

A lo largo de su carrera, se ha vuelto especialmente conocido por su trabajo con el director de películas de animación Hayao Miyazaki, incluyendo entre sus obras las bandas sonoras de La princesa Mononoke (1997), El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し, Sen to Chihiro no Kamikakushi) (2002), y El castillo ambulante (ハウルの動く城, Hauru no Ugoku Shiro)(2004), entre otras. También se le conoce por su trabajo junto a Takeshi Kitano (Kikujiro No Natsu 菊次郎の夏, El verano de Kikujiro) y realiza otras composiciones, arreglos musicales y ejerce de director de orquesta.

En 2008, Hisaishi compuso la banda sonora de Despedidas (おくりびと, Okuribito, en inglés Departures), película japonesa dirigida por Yōjirō Takita y ganadora de un Premio Óscar en 2009 como mejor película de habla no inglesa.

Su nombre artístico “Joe Hisaishi” hace referencia a su ídolo, el músico y compositor americano Quincy Jones: el kanji 久 se pronuncia hisa o bien kyū; así, el nombre 久石 譲, puede leerse tanto Hisaishi Jō como Kyūishi Jō, que a su vez suena parecido a Quincy Jones (en japonés Quincy Jones se escribe クインシー・ジョーンズ, kuinshī jōnzu).

Takeshi Kitano (北野 武 en kanji, Kitano Takeshi en rōmaji; nacido el 18 de enero de 1947 en Umeshima, Adachi, TakesiKitano.jpgTokio) es un actor, cineasta, comediante, escritor, poeta, pintor y diseñador de videojuegos japonés. Conocido en su país principalmente como personaje televisivo y miembro del dúo cómico Two Beat junto con Kiyoshi Kaneko (de ahí que figure como Beat Takeshi o ビートたけし en kana, Bīto Takeshi en rōmaji, cuando actúa en películas que él no dirige; cuando dirige un filme participando o no como actor en él, firma simplemente como Takeshi Kitano). Sin embargo es su faceta cinematográfica la que lo ha hecho conocido en el resto del mundo. Su peculiar trabajo cinematográfico ha recibido el apoyo de la crítica, tanto en Japón como a nivel internacional. Como actor, se dio a conocer internacionalmente al interpretar al Sargento Hara en Feliz Navidad, Mr. Lawrence, de Nagisa Oshima. Uno de sus trabajos más elogiados como cineasta ha sido Flores de fuego. También ha interpretado y dirigido Brother (2000) y Zatōichi (2003), además de otras muchas películas. Desde abril de 2005, dicta una cátedra en la Escuela de Postgrado de Artes Visuales de la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música.

 

 

 

 

En algún lugar del tiempo

 

Compartimos parte de la banda de sonido el filme Somewhere in Time (conocida en español como En algún lugar del tiempo, en España; Pide al tiempo que vuelva, en América Latina).

 

John-barry-2006.jpg

La música de la película fue compuesta por John Barry OBE (York, Yorkshire, 3 de noviembre de 1933 – Oyster Bay, Nueva York, 30 de enero de 2011).

El  inglés fue un prolífico  compositor británico de música de cine (ganador de cinco Óscars). Entre sus composiciones se encuentran obras tan bellas como la música de la película Africa mía, la saga de James Bond, Danza con lobos ó Chaplin entre numerosas obras más.

 

 

La película:

Somewhere in time es un filme de 1980, dirigido por el francés Jeannot Szwarc (1939–), basado en el libro de Richard Matheson Bid Time Return; y protagonizado por el recordado Christopher Reeve, Jane Seymour, Christopher Plummer y Teresa Wright.

En la película Christopher Reeve interpreta a Richard Collier un dramaturgo que la noche del estreno de su primera obra conoce a una anciana, quien se acerca a él y le entrega un viejo reloj.

 

 

 

Luego le pide que lo utilize para volver a ella. Collier intrigado por el extraño mensaje y en el medio de una crisis amorosa llega de visita el hotel donde se hospedaba la misteriosa señora y descubre su foto de años atrás. El escritor se empieza a obsesionar con ella y descubre que es una famosa actriz de principios de siglo 20.

Richard Collier (Reeve) investiga cómo hacer una regresión al pasado y decide viajar en el tiempo para encontrarse con  la mujer de la que estuvo enamorado en otra vida.

 

En la banda sonora Barry agregó la variación XVIII: “Andante cantabile”, de la Rapsodia sobre un tema de Paganini, op. 43, del compositor ruso Serguéi Rajmáninov: En la BSO el tema fue dirigido por el propio John Barry e interpretado al piano por Roger Williams.

 

 

Este filme llegó a convertirse en una película de culto, que mezcla drama, romance y fantasía (el viaje en el tiempo) y muy buena música.

 

 

En palabras de Richard Mathesson:

“Pide al tiempo que vuelva es una historia de amor que trasciende el tiempo, Más alla de los sueños (también adaptada en el cine con Robin Williams) es una historia de amor que trasciende la muerte.  Creo que son las mejores novelas que escribí en mi carrera”.

 

 

 

Excelente artículo con más información sobre el filme: http://crisei.blogalia.com/historias/59204

Eroica

 

Compartimos el excelente filme  “Eroica” (2003) de la BBC.

La Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor, op. 55, de Ludwig van Beethoven, conocida como Eroica (Heroica, en español), es una obra considerada por muchos como el amanecer del romanticismo musical, puesto que rompe varios esquemas de la tradicional sinfonía clásica.

 Beethoven, originalmente pensaba dedicarla a Napoleón Bonaparte (la denominó Bonaparte). La idea de componer una sinfonía en honor del «liberador» de Europa al parecer le fue sugerida por el mariscal Jean-Baptiste Bernadotte, embajador de Francia en Viena , o por Rodolphe Kreutzer, violinista al que Beethoven dedicó una sonata.

Bonaparte era, con la diferencia de tan sólo un año, un exacto contemporáneo del músico, que no solamente sentía una viva admiración por su héroe, sino que, más o menos conscientemente, había establecido una especie de paralelismo entre sus destinos respectivos.

La primera página autógrafa de la Sinfonía Heroica, con borrones.

Beethoven admiraba los ideales de la Revolución francesa encarnados en la figura de Napoleón Bonaparte, pero cuando este se autocoronó emperador en mayo de 1804, supuestamente Beethoven se disgustó tanto que borró el nombre de Bonaparte de la página del título con tal fuerza que rompió su lápiz y dejó un agujero rasgado en el papel. Se considera que dijo:

«¡Ahora solo… va a obedecer a su ambición, elevarse más alto que los demás, convertirse en un tirano!.»

Algún tiempo después, cuando la obra se publicó en 1806, Beethoven le dio el título de «Sinfonia eroica, composta per festeggiare il sovvenire d’un grand’uomo («Sinfonía heroica, compuesta para festejar el recuerdo de un gran hombre»). Este gran hombre era un ideal, un héroe no existente, pero más bien, fue el espíritu del heroísmo mismo lo que interesaba a Beethoven. También se ha dicho que Beethoven se refería a la memoria de la naturaleza de Napoleón, que una vez fue digna.

Retrato de Joseph Franz von Lobkowitz, a quien finalmente Beethoven dedicó su Sinfonía Heroica.

Beethoven empezó a componerla hacia 1802, durante su estancia en Heiligenstadt, y la finalizó entre la primavera de 1803 y mayo de 1804. La primera audición privada se produjo probablemente hacia el mes de agosto de ese mismo año, en casa del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz, a quien finalmente fue dedicada. La primera ejecución en público fue dada en el Theater an der Wien de Viena el 7 de abril de 1805 con el compositor a la batuta.

 

Texto que acompaña al video en yotube:

 

”  Por qué la Heroica?

Entre innumerables ejemplos de genio sinfónico a lo largo de la historia, la Heroica de Beethoven se sitúa en un lugar preeminente, pese al cuestionamiento de unos pocos en relación a la cuestión que se plantea: ¿Por qué la Heroica? ¿Qué es lo que la diferencia del resto?. Ni el tamaño, ni la complejidad o la profusión de melodías la distinguen hasta ese punto. Entonces, ¿cómo es que esta creación ha llegado a ser considerada como el NON PLUS ULTRA de la realización sinfónica?

Esta distinción se produce cuando se interrumpe la evolución del desarrollo sinfónico y aparece repentinamente, sin precedentes o prototipo. Forjada al fuego en un nuevo estilo, el impacto de esta Gran Sinfonía fue tal que su influencia sería escuchada por una generación aún por venir. Igualmente importante, la Heroica inició la idea de que una sinfonía podría ser utilizada como vehículo de transmisión de creencias; y las ideas asociadas a la Heroica son bien conocidas. Napoleón, el heroísmo, la muerte, la apoteosis, la revolución — la lista sigue. Imagínense a un público acostumbrado a las propiedades de Mozart y Haydn con esas ideas de empuje sobre ellos. No estaban preparados para un manifiesto en la sala de conciertos y ahí radica otra de las razones para su eminencia. Se produjo un cambio.

El cambio impulsado implica algo más que cuestiones de armonía, contrapunto o la adición de un corno francés. El reconocimiento posterior de la sinfonía Heroica implica no sólo la atención a la técnica de composición, sino que ahora incluye la nueva dimensión de significado e interpretación. Tanto más notable desde Beethoven, el sumo sacerdote de la música absoluta, afectada por este cambio.

La Heroica es, hasta ahora, una de las obras sobre las que más se ha escrito y analizado en la historia de la música. Los estudiosos exploran las dimensiones histórica y biográfica de la obra, mientras que los musicólogos la diseccionan pieza por pieza para ver lo que la hace funcionar. Estamos obligados a probar esta increíble obra de arte en tantos niveles como sea posible. Sin embargo, es la elocuencia de Heroica, en el auditorio, lo que gusta por encima de todo. Ya sea que discernir tal o cual relación es irrelevante. Una vez que resuenan los poderosos acordes en Mi bemol, somos transportados de una forma que sólo Beethoven puede lograr. Nunca sabremos lo que le llevó a escribir exactamente esas notas en el papel. Sólo podemos estar agradecidos de que lo hicera.
Read more: http://www.beethovenseroica.com/eroic… ”

Version de la Filarmónica de Viena , bajo la dirección de Christian Thielemann

 

My Fair Lady, uno de los mejores musicales filmados de todos los tiempos

Harry Stradling-Audrey Hepburn in My Fair Lady.jpg

My Fair Lady (en Argentina y Chile, Mi bella dama) es una película musical de 1964 dirigida por George Cukor e interpretada por Rex Harrison y Audrey Hepburn.

Es la adaptación del musical teatral del mismo título de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe que, a su vez, se había basado en la obra de teatro Pigmalión, de George Bernard Shaw.

También es una remake de la película británica de 1938 Pigmalión.

My Fair Lady recibió ocho Premios Óscar: entre ellos, a la mejor película, al mejor actor y al mejor director.

La película cuenta con la música de André Previn.

 

 

 

 

 

 

 

La acción comienza en Londres, en 1912. Una tarde lluviosa en Covent Garden, al salir de la ópera a Henry Higgins (Rex Harrison), un arrogante, irascible y misógino profesor de fonética que cree que el habla de una persona determina su futuro social. Presume de ello frente al Coronel Hugh Pickering (Wilfrid Hyde-White), también experto en fonética y admirador de sus métodos. Para ello le muestra como ejemplo a una joven florista callejera llamada Eliza Doolittle (Audrey Hepburn) quien lo escucha pero le teme: la mujer ha sufrido un percance con el público que salía de la ópera, se ha enfadado y no para de quejarse por ello.

Esto cambiará el destino de Eliza ya que Higgins asegura  que puede enseñar a cualquier mujer a hablar con propiedad hasta el punto de hacerla pasar por duquesa en el baile anual de la embajada. Eliza luego d escuchar esto  se presentará en la casa de Higgins para aprender el idioma y así cambiar su forma de vida.

Higgins y Pickering realizan la apuesta que determinará el drástico cambio de Eliza: luego de su instrucción deberá pasar por una dama de la realeza.

 

Otro personaje, el padre de Eliza, Alfred P. Doolittle (Stanley Holloway), basurero de profesión intentará sacar provecho de la situación. En sus encuentros con Higgins este se admira por la franqueza del basurero y su don natural para la retórica, y especialmente su falta de principios.

 

 

 

 

En el proceso de enseñanza Eliza sufre las penurias que le provoca el estricto y rígido método del profesor Higgins, quien es un tirano que la lleva hasta los limites de sus posibilidades para lograr su transformación. Eliza fantasea comicamente con la muerte de Higgins.

 

 

 

 

Luego de arduas sesiones de enseñanza , parece no haber resultados  y cuando Higgins y Pickering están a punto de tirar la toalla, Eliza es tocada por un emotivo discurso que le da Higgins.  Vuelve a intentarlo y lo logra; instantáneamente empieza a hablar con un acento británico .

 

 

 

Eliza flota en las nubes luego de su logro y de ver el nuevo modo en que  Higgins la trata. Un sutil amor parece florecer en su corazón.

 

Freddy Eynsford-Hill (Jeremy Brett), es un joven que Eliza  conoció en las carreras en Ascot y que se ha enamorado de ella. Freddy es feliz visitando la calle donde Eliza vive para poder admirar a la distancia su presencia.

Freddy interpreta la canción “On the street where you live” que ha pasado ala historia como uno de los temas de obras musicales más interpretados por grandes cantantes.

Higgins finalmente lleva a Eliza al baile anual de la embajada, donde consigue pasar exitosamente como una misteriosa dama de la nobleza e incluso baila con el príncipe de Transilvania.

Después de todo el esfuerzo que ha hecho, Eliza no recibe reconocimiento por parte de Higgins y Pickering; todas las alabanzas son para Higgins. Esto y el trato servicial que Higgins espera de ella, especialmente la indiferencia acerca de su futuro, provocan que Eliza abandone la casa, dejando al profesor intrigado por su ingratitud.

Luego de sufrir por la indiferencia de Higgins Eliza se marcha y acude a la casa de la Señora Higgins, la madre del profesor, que está muy enfadada por el comportamiento de su hijo.

Tras una discusión con su madre, donde decide que no necesita a Eliza ni a nadie más para ser feliz, Higgins se marcha a casa insistiendo en que Eliza volverá a él arrastrándose. Sin embargo, se da cuenta de que se ha acostumbrado a su rostro («grown accustomed to her face»), y lo único que le queda de ella son grabaciones de sus lecciones de dicción que puede poner en el fonógrafo. Entonces, Eliza aparece de repente en la casa.

Detalles de la filmación

Julie Andrews había sido la compañera de reparto de Harrison en el teatro, interpretando el papel de Eliza en Broadway  pero a pesar de la presión del libretista y guionista Alan Jay Lerner, Jack Warner,  la compañía Warner Brothers, insistió en dar el papel a Audrey Hepburn.

El Óscar a la mejor actriz que recibió Julie Andrews en 1964 por Mary Poppins y la falta de nominación de Audrey Hepburn, según se cree por haber sido doblada por Marni Nixon en las canciones, fue visto como muchos como la revancha de Julie Andrews, aunque ambas actrices han negado que existiera odio alguno entre ellas.

 

El orden de las canciones se siguió fielmente, excepto para “With a little bit of luck” (“Con un poco de suerte”). Es el tercer número musical en la obra de teatro, pero en la película es el cuarto. Además, la canción está dividida en dos partes en la obra, la primera cantada cuando Eliza da a Alfred parte de sus ganancias, antes de tomar la decisión de ir a recibir clases de Higgins; la segunda parte la canta Alfred Doolitle al enterarse de que Eliza está viviendo con Higgins. En la película, toda la canción la canta tras el número musical “I’m an ordinary man” (“Soy un hombre normal”).

El instrumental “Busker Sequence”, que abre la obra tras el “Preludio” (“Overture”), es el único número musical omitido en la película.

Tras escuchar las pistas grabadas por Audrey Hepburn, y sin hablarlo con ella, el equipo de producción buscó una voz que doblase a Audrey Hepburn en las canciones, resultando elegida la soprano californiana Marni Nixon, que grabó todas las canciones completas excepto “Just you wait”, donde se escucha la voz de Audrey Hepburn tal cual en la mayor parte de la canción, exceptuando una transición melódica cantada por Marni Nixon.

Marni Nixon firmó guardar secreto por su participación y no recibió reconocimiento alguno en los títulos de crédito. Sin embargo, la información de que Audrey Hepburn sería doblada en las canciones acabó por filtrarse a la prensa.

Algunas de las interpretaciones originales de Audrey Hepburn para la película fueron publicadas en los años 1990, permitiendo al público juzgar si el doblaje realmente era necesario. En especial, sus interpretaciones de las canciones “Wouldn’t it be loverly?” y “Show me” están disponibles en los contenidos extras del DVD publicado en 1998. Aunque menos publicitado, Jeremy Brett (Freddy Eynsford-Hill) también fue doblado en las canciones por Bill Shirley.

Rex Harrison rechazó grabar previamente sus números musicales, explicando que nunca había cantado las canciones igual y, no podría hacerlo de forma convincente haciendo playback en el rodaje, . Para permitir que Rex Harrison cantara sus canciones en directo durante el rodaje, el estudio colocó un micrófono inalámbrico en las corbatas, siendo el primer micrófono inalámbrico usado en la historia del cine.

André Previn dirigió la versión final de la música escuchando la grabación de voz de Harrison, haciendo que el departamento de sonido ganase un Óscar por sus esfuerzos.

  • Alan Jay Lerner, en particular, confesó su descontento con la versión cinematográfica del musical, pues consideraba que no estaba a la altura de la dirección llevada a cabo por Moss. También estaba descontento con la decisión de rodar toda la película en los platós de Warner Brothers en lugar de en Londres.
  • La película se iba a llamar Lady Liza, pero Rex Harrison se negó a estar en una película donde el título de esta se basara en el papel femenino principal.
  • Como Audrey Hepburn era muy mayor para interpretar a Eliza, se contrató al actor Jeremy Brett, de 30 años, para interpretar a Freddie, quien en la película tenía 20.
  • Aunque en las canciones para la película el profesor Higgins tenía que cantar todo, a Rex Harrison le fue imposible cantar alguna nota, por lo que el director decidió que él casi hablara todas sus canciones, algo que el actor había hecho en la obra musical de Brodway.
  • Cuando Harrison aceptó el Oscar al mejor actor por la película le dio las gracias a sus «dos hermosas damas» («two fair ladies») Audrey Hepburn y Julie Andrews.
  • Harrison se encontraba furioso con la elección de Hepburn para el papel de Eliza. En una entrevista dijo: «Se supone que Eliza Doolittle se siente incómoda en los bailes europeos, la maldita Audrey no ha pasado un día de su vida fuera de los bailes europeos». Más tarde, el actor se retractó de lo dicho y cuando le preguntaron quién fue la mejor actriz con la que había trabajado, respondió inmediatamente: «Sin duda Audrey Hepburn».
  • Tiempo después Audrey Hepburn confesó que nunca habría aceptado el papel de Eliza Doolittle si hubiese sabido que el productor Jack Warner quería que se doblara su voz en las canciones. Junto con esto volvió a afirmar que Julie Andrews debería haber sido escogida para el papel.
  • Audrey Hepburn iba rechazar el papel en un principio porque quería que se lo dieran a Julie Andrews, sin embargo al enterarse Hepburn de que Andrews nunca fue ni siquiera considerada para el papel y que la siguiente en la lista era Elizabeth Taylor, lo aceptó en seguida. Taylor quería demasiado el papel; lo iba a usar para quitarse la mala imagen que se había ganado.
  • Jeremy Brett (Freddie), quien celebró su 30º cumpleaños durante la filmación, se llevó una gran sorpresa al saber que su voz en las canciones fue doblada por un hombre de 42 años llamado Bill Shirley, especialmente cuando su voz era bastante buena para el papel.
  • Jack Warner en un principio no quería a Harrison para el papel de Higgins ya que, cuando vio Cleopatra (1963), pensó que al actor se lo veía muy viejo para interpretar al enamorado de Hepburn. Peter O’Toole fue considerado para el papel, pero sus demandas económicas eran muy grandes. Se barajaron los nombres de Stanley Holloway,Cary Grant, Noel Coward, Michael Redgrave y George Sanders. Después, Harrison mandó una carta a Warner explicando que se lo veía viejo en Cleopatra porque se suponía que tenía que interpretar a un epiléptico. Junto con la carta mandó fotos actuales, y de este modo fue contratado.17
  • Jack Warner pagó 5,5 millones de dólares por los derechos para hacer la película (1962). Esto marcó un hito, ya que fue la cantidad más alta que se había pagado hasta entonces por derechos de autor. Un récord que se rompió en 1978 cuando Columbia pago 9,5 millones de dólares por Annie.

Versión de la película completa traducida al español.

 

Fuentes Wikipedia.

El castillo ambulante

 

Compartimos algunos temas de la banda sonora de Howls moving castle. Una de las más bellas películas animadas de la historia y del mundo. Creación de Estudio Ghibli, del director Hayao Miyazaki y con bellisima música de Joe Hisahishi. Basada en la novela  El castillo ambulante (título original: Howl’s Moving Castle) de la autora británica Diana Wynne Jones.

El castillo ambulante es una novela fantástica publicada por primera vez en 1986. En 1990 se publicó una secuela, titulada Castle in the Air. Una segunda secuela, House of Many Ways apareció en junio de 2008.

 The boy who drank stars (cave of mind)

En 2004 se estrenó  la película de animación que adaptaba la novela,  que fue nominada a los Oscar.

Pelicula completa