Luciano Pavarotti, el amor hecho voz

 

A vucchella – Francesco Paolo Tosti// Gabriele D’Annunzio.

Sì, comm’a nu sciorillo
tu tiene na vucchella
nu poco pocorillo appassuliatella.

Meh, dammillo, dammillo,
– è comm’a na rusella –
dammillo nu vasillo,
dammillo, Cannetella!

Dammillo e pigliatillo,
nu vaso piccerillo
comm’a chesta vucchella,
che pare na rusella
nu poco pocorillo appassuliatella.

Si tu tiene na vucchella
nu poco pocorillo appassuliatella

 

Luciano Pavarotti Venturi hubiera cumplido años ayer (Nació en Módena, el 12 de octubre de 1935) pero por desgracia para nosotros y alegria para el universo  Luciano partió en Modena el 6 de septiembre de 2007.

Pavarotti fue el tenor lírico italiano más reconocido de las últimas decadas y uno de los cantantes contemporáneos más famosos de los últimos siglos, tanto en el mundo de la ópera como en otros  géneros musicales, uno de los mejores de todos los tiempos.

 

Fue muy conocido por sus conciertos televisados y como uno de Los Tres Tenores, junto con Plácido Domingo y José Carreras. Reconocido por su filantropía, reunió dinero para refugiados y para la Cruz Roja, y fue premiado en varias ocasiones por ello.

 

Sus inicios

Nacido el 12 de octubre de 1935 en las afueras de Módena, Luciano era hijo de Fernando Pavarotti (1912-2002), panadero y tenor aficionado, y de Adele Venturi (1915-1999), quien era trabajadora en una fábrica cigarrera. Su padre estimuló a Luciano para que empezara los estudios en el mundo del canto lírico. Aunque Luciano hablaba con cariño de su infancia vivió ciertas penurias ya que su familia tenía escasos recursos económicos.

Según Luciano,su padre tenía una fina voz de tenor, pero rechazó la posibilidad de dedicarse a la carrera de cantante debido a sus nervios. La Segunda Guerra Mundial forzó a la familia a salir de la ciudad en 1943 y al año siguiente tuvieron que alquilar una habitación a un granjero en la campiña cercana, donde el joven Luciano desarrolló interés por la agricultura.

 

Sus primeras influencias musicales provinieron de las grabaciones que poseía su padre, la mayoría de tenores populares de la época como Beniamino Gigli, Giovanni Martinelli, Tito Schipa y Enrico Caruso. Sin embargo, el ídolo de Luciano era el tenor Giuseppe Di Stefano. Cerca de los nueve años comenzó a cantar con su padre en el coro de una pequeña iglesia local. También en su juventud tomó algunas clases de canto con el profesor Dond y su esposa.

Primeras apariciones

Después de una niñez normal con un típico interés por los deportes (en su caso, el fútbol sobre todo), Luciano se graduó en la Scuola Magistrale. Tras ello tuvo dudas en seguir el magisterio, porque también soñaba con ser arquero de fútbol profesional. Su madre lo convenció para que siguiera de maestro. Ejerció entonces en una escuela primaria durante dos años, pero finalmente lo arrastró su interés por la música. No sin reservas, su padre consintió en que desarrollara su nueva vocación: acordaron que recibiría manutención hasta los 30 años y que, si no triunfaba a esa edad, se ganaría el sustento por sus propios medios.

Sus mentores en el arte del bel canto fueron Arrigo Pola y Ettore Campogalliani. Sus primeras apariciones públicas como cantante fueron en el coro del Teatro de la Comuna, en Módena, y más tarde en La Coral de Gioacchino Rossini, donde demostró su talento. Debutó el 29 de abril de 1961 como Rodolfo en La Bohème, de Puccini, en el teatro de ópera de Reggio Emilia.

 

 

Consagración

Pavarotti con Joan Sutherland en 1976.

El papel de Rodolfo le dió grandes satisfacciones; fué su carta de presentación y lo grabó junto a su coterránea Mirella Freni, dirigido por Herbert von Karajan, lo cantó en La Scala, dirigido por el célebre Carlos Kleiber en 1979, y en la primera retransmisión televisiva nacional en 1977 desde ese teatro, acompañado por la soprano italiana Renata Scotto.

La consagración absoluta llegó con Tonio, de la ópera La hija del regimiento, de Gaetano Donizetti, junto a la soprano australiana Joan Sutherland, con su difícil aria de nueve notas do de pecho que le hizo merecedor de la portada del The New York Times. En la celebración del centenario del teatro en 1983 cantó el dúo de Un ballo in maschera con la soprano estadounidense Leontyne Price.

 

 

 

Entre 1968 y el 13 de marzo de 2004, su última aparición en la sala, totalizó 382 funciones metropolitanas.

Con el equipo que formó con Joan Sutherland y la mezzosoprano Marilyn Horne se realizaron las grabaciones que lo muestran en su mejor momento vocal, en especial Lucia di Lammermoor, La fille du régiment, La Traviata, Il Trovatore, Rigoletto, L’elisir d’amore, I Puritani, La sonnambula, Maria Stuarda, Beatrice di Tenda y Turandot (dirigido por Zubin Mehta) donde se le oye por primera vez cantar Nessun dorma, aria que popularizaría inmensamente.

El célebre director austríaco Herbert von Karajan solicitó sus servicios para las grabaciones integrales de La Boheme, Madame Butterfly y un legendario Réquiem de Verdi desde La Scala junto a Fiorenza Cossotto, Leontyne Price y Nicolai Ghiaurov. También trabajó y grabó con el húngaro Georg Solti en el mismo Requiem de Verdi, Un ballo in maschera, el pequeño papel de el tenor italiano en El caballero de la rosa de Strauss y en versión de concierto el rol más temido para un tenor dramático, Otello. Pavarotti, esencialmente un tenor lírico, muy esporádicamente cantó papeles de la cuerda dramática para preservar la flexibilidad y frescura de su voz dotada de gran facilidad para los agudos.

Tampoco fue proclive a añadir nuevos papeles ni a aprender otros del repertorio francés o alemán que se avenían a su magnífico timbre de tenor. No obstante, en 1982 tuvo un gran triunfo en el Metropolitan Opera como Idomeneo de Mozart, papel que había cantado en el famoso Festival de Glyndebourne en 1964.

El 2 de junio de 1988 le nombran Cavaliere di Gran Croce Ordine al Merito della Repubblica Italiana.​

Las actuaciones más comentadas a nivel internacional del gran tenor italiano fueron las que realizó con los españoles Plácido Domingo y José Carreras, con quienes formó el trío Los Tres Tenores (The Three Tenors).

En su acercamiento a la música popular, Pavarotti grabó duetos con Eros Ramazzotti, Sting, Andrea Bocelli, Celine Dion, Liza Minnelli, Elton John, Tracy Chapman, Frank Sinatra (“My Way”), Michael Jackson, Barry White, e inéditamente con el brasileño Caetano Veloso, la argentina Mercedes Sosa y el grupo de rock irlandés U2. Un dueto con Sarah Brightman nunca se pudo concretar, aunque siempre fue deseado por los dos artistas.

 

Durante varios años seguidos a partir de 1991 Pavarotti respondió al llamado de la organización War Child, para recaudar fondos para la construcción de un centro de musicoterapia en Mostar. De esta forma, se organizaron anualmente conciertos en Módena bajo el título Luciano Pavarotti & friends, donde además participaban otras personalidades de la música internacional, como Anastacia, Mónica Naranjo, Bryan Adams, Bon Jovi, Queen, U2, Dolores O’Riordan, Simon Le Bon, Deep Purple, Stevie Wonder, Céline Dion, Natalie Cole o Vanessa Williams entre otros artistas de pop y rock .

En 2001 Universal editó un compilado de grandes éxitos titulado “Amore: The Essential Romantic Collection”.

Pavarotti fue muy solicitado en teatros de todo el mundo hasta su retiro en la Ópera Metropolitana de Nueva York el 13 de marzo de 2004 donde interpretó el papel del pintor Mario Cavaradossi en la ópera Tosca, de Giacomo Puccini, al lado de Carol Vaness.

En mayo de 2004 en vísperas de su cumpleaños número 70 el tenor anunció La gira del adiós compuesto por cuarenta conciertos en todo el mundo, para despedirse de los fieles seguidores de su canto. Pese a este retiro, en febrero de 2006 cantó el aria Nessun dorma de Turandot, de Giacomo Puccini, como cierre a la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2006 en el estadio Olímpico de Turín.

En su vida personal Luciano Pavarotti fue un gran aficionado al fútbol, la pintura y los caballos. Unió su destino, durante treinta y cuatro años, con Adua Verona, con quien tuvo tres niñas: Lorenza, Cristina y Giuliana, pero el 13 de diciembre de 2003 se casó en segundas nupcias con su asistente Nicoletta Mantovani, treinta años menor que él, y con ella tuvo a sus dos hijos menores: Alice y Ricardo, este último fallecido al poco de nacer.

Últimos días

La gira del adiós fue suspendida debido a una intervención en la espalda a principios de 2006, y cuando se preparaba para partir de Nueva York a reanudar su gira mundial de despedida, se le descubrió un tumor maligno en el páncreas. Fue operado en un hospital de Nueva York el 7 de julio de 2006 y todos sus conciertos fueron cancelados debido a su muy delicado estado de salud, causado por una neumonía en el postoperatorio. El 8 de agosto de 2007 fue hospitalizado víctima de un estado febril y de complicaciones respiratorias. Abandonó la clínica el 25 de agosto para continuar la convalecencia en su hogar.

El 6 de septiembre de 2007, falleció en su hogar a causa de cáncer de páncreas.

La ceremonia fúnebre se celebró en su ciudad natal, estando presentes el primer ministro italiano Romano Prodi, el ministro de Cultura Francesco Rutelli, el director de cine italiano Franco Zeffirelli y el ex secretario general de las Naciones Unidas Kofi Annan.

La entrada de la misa estuvo acompañada por la soprano búlgara Raina Kabaivanska, que cantó el Ave María del Otello de Verdi. Durante el ofertorio, el flautista Andrea Griminelli tocó el tema del Orfeo y Eurídice, de Gluck.

El tenor fue sepultado en el cementerio Montale Rangone cerca de su villa, en las afueras de la ciudad, donde están enterrados sus padres y su hijo Ricardo, quien murió poco después de nacer en 2003.

El Gran Aplauso

El 24 de febrero de 1968, en el Palacio de la Ópera de Berlín, Pavarotti logró el que fue, durante mucho tiempo, el aplauso más largo de la historia. Interpretando la obra El elixir de amor, escrita por el compositor Gaetano Donizetti en 1832, el tenor consiguió enamorar al público, que recompensó su talento con un aplauso de 67 minutos, más de una hora a lo largo de la cual el cantante salió 165 veces a escena, acarreando con sus respectivas 165 subidas de telón, para agradecer al público su gran apoyo.

Este aplauso tan solo ha sido superado por Plácido Domingo en una de sus actuaciones en 1991.

 

Fuente: Wikipedia

 

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Albéniz, Tango en re Mayor

 

 

Isaac Albéniz, nacido en 1860,( Camprodon, Catalunia) y fallecido en 1909, (Cambo-les-Bains) fue un compositor y pianista franco-español, reconocido por sus trabajos para piano basados en la música folclórica. Muchas de sus  piezas como Asturias (Leyenda), Granada, Sevilla, Cádiz, Córdoba, Cataluña,  y el  Tango en re Mayor están entre  las mas importantes piezas del repertorio clásico para guitarra.

El tango en re Mayor fue originalmente escrito para piano como un parte de la Suite España, Op. 165 (1890).

 

 

Esta semana en el Teatro Colón

Esta semana en el Teatro Colón

11 al 17 de septiembre

 

 

Martes 12 de septiembre a las 20:00 horas.

La célebre producción de Franco Zeffirelli de La Traviata llega al Teatro Colón

Con música de Giuseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave basado en La dama de las camelias, deAlexandre Dumas (H), esta producción contará con la dirección musical del maestro Evelino Pidò, la reposición escénica del maestro y colaborador Stefano Trespidi.

Esta semana repite el jueves 14, viernes 15 y sábado 16 a las 20:00 horas y domingo 17 de septiembre a las 17:00 horas.

Localidades desde: $ 140.

 

La función del domingo 17 a las 17:00 horas se verá en vivo en la pantalla gigante al aire libre de Plaza Vaticano (Cerrito y Viamonte) con entrada libre y gratuita y a través de www.teatrocolon.org.ar.

 

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Jueves 14 de septiembre, 20:00 horas.

El trío Musica Elettronica Viva se presenta en el Centro de Experimentación del Teatro Colón

El grupo formado por tres compositores estadounidenses Alvin Curran, Frederic Rzewski y Richard Teitelbaum intepretarácomposiciones musicales de cada uno de los integrantes, mientras que en la última fecha presentarán Symphony, una composición realizada por el trío.

Esta semana repite el viernes 15 y sábado 16 a las 20:00 horas y domingo 17 de septiembre a las 17:00 horas.

Entrada general: $180.

Estudiantes y Jubilados: $90.

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Sábado 16 de septiembre, 11:00 y 15:00 horas.

La Cenicientauna adaptación de la ópera de Gioacchino Rossini, en el ciclo Colón en familia

Basado en el clásico cuento La Cenicienta de Charles Perrault, en una nueva producción del Teatro Colón que tendrá la dirección musical del maestro César Bustamante, la dirección de escena de Carlos Trunsky junto a la participación del Coro de Niños del Teatro Colón.

 

Localidades:

  • Adultos: desde $ 115.
  • Menores entre 3 y 12 años: desde $60.
  • Menores de entre 13 y 18 años: desde $ 90.
  • Menores de 3 años no abonan entrada siempre y cuando no ocupen una butaca.

Las localidades ya se encuentran a la venta en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171 (4378-7109), de lunes a sábado de 10.00 a 20.00 horas y los domingos de 10.00 a 17.00 horas. También se pueden adquirir vía telefónica al 5254-9100, o por Internet ingresando en www.teatrocolon.org.ar.

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Domingo 17 de septiembre, 11:00 horas.

Entrada gratuita con previo retiro de localidades.

La Camerata Bariloche en el ciclo de Intérpretes Argentinos

Con un programa compuesto por obras de Felix Mendelssohn-Bartholdy, Johann Sebastian Bach y Piotr Ilich Tchaikovski.

Las entradas se podrán retirar a partir del viernes 15 de septiembre, de 10:00 a 20:00 horas en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171 (4378-7109).

Se entregarán 2 localidades por persona hasta completar la capacidad de la sala.

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Actividades del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón

 

Miércoles 13 de Septiembre a las 17:00 horas.

Salón Dorado del Teatro Colón (Libertad 621).

Entrada libre y gratuita.

Ensamble de cuerdas del conservatorio ”Bruno Maderna” de Cesena Italia.

Director: Fabrizio Danei

Obras de Ottorino Respighi, Carlos Gustavino, Saverio Mercadante y Astor Piazzolla

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Biblioteca del Teatro Colón

Se pueden consultar los programas de mano de manera digital.

La biblioteca está ubicada contigua al Foyer principal y abierta al público de de lunes a viernes de 10:00 a 17:00 horas.

Para más información comunicarse al 4-378-7137 o escribir a biblioteca@teatrocolon.org.ar.

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Visitas guiadas

Todos los días, desde las 09:00 hasta las 17:00 (horario en el que sale el último grupo). Hay visitas cada 15 minutos.

Entrada general: $300

Tarifas Promocionales

Residentes en Argentina (acreditados con DNI): $110

Jubilados residentes: $55 (de lunes a domingo)

Menores de 7 años: No abonan (deben solicitar su ticket de ingreso en Boletería).

Estudiantes universitarios residentes (con libreta estudiantil): $45 (solo los días lunes)

Contingente de escuela privada (previa reserva): $55 por alumno

Contingente de escuela pública (previa reserva): No abonan.

Personas con discapacidad con (1) acompañante: No abonan ingreso (Presentar certificado).

Para más información llamar al  4378-7127/8 o escribir a visitasguiadas@teatrocolon.org.ar.

 

Celibidache y la filosofía de la música: intentando comprender la totalidad

Compartimos una muy interesante entrevista al director rumano Sergiu Celibidache donde explica los fundamentos de su concepción musical.

Los subtítulos están en inglés y se pueden traducir automáticamente al español (pero no es recomendable).

 

 

 

Martín Gendelman: la fascinación por la energía de la música contemporánea.

 

El pasado lunes 29, y en ocasión de la gira que vienen realizando por Buenos Aires, la plata y Viedma los artistas Martín Gendelman (compositor) y Jovanni-Rey de Pedro (pianista), tuvimos ocasión de entrevistar al joven compositor oriundo de Neuquén.

 

La obra de Martín Gendelman (1976) se desarrolla tanto en el campo acústico como electrónico e incluye composiciones para solistas, grupos de cámara, y orquesta, como también varias piezas e instalaciones interdisciplinarias (principalmente con danza, video, y teatro).

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Luego de la charla que el compositor dictó en la Escuela de Música de Neuquén accedimos a una entrevista:

 

¿Cómo comenzaste tus estudios y como te fuiste acercando a la composición?

Empecé aquí en Neuquén a los cinco años, en un taller de música para chicos. Mi madre y abuelos están acá desde 1901.  Fui a los ocho años a la escuela de música, que no está en este edificio sino acá a la vuelta y estudié guitarra, audioperceptiva y coro por dos años.

Después un poco me aburrí y dejé de ir. Luego a los catorce  me interesé de vuelta por la música, escuchando Pink Floyd y otras cosas.

 

¿Tu instrumento era la guitarra?

Si, comencé a estudiar primero con Gabriel Henriquez un año, luego con Carlos Gimenez por un año y medio, y después me fui a estudiar a la Universidad de la Plata

 

¿Porqué te anotaste en composición?

Primero porque me interesó el programa de composición, por el tema de la armonía y lo que había en el, no tanto porque era composición. Pero de a poco fui entrando en el tema.

Pero ¿Tenías ideas musicales que querías plasmar?

No, no tanto. Estudié jazz y al comienzo lo mío era más ejecución. Lo que sí sucedió es que con los años de estudiar jazz  me sentí demasiado cómodo.  Y me parecía que había un techo en el sentido de que “está bueno pero estás tocando esto que ya está predefinido”  (pensaba). Y aún dentro del jazz, o  la verdad, dentro de todo lo musical, hay ciertas cosas no predefinidas, pero que tienen que ver con el estilo y que si no lo hacés se convierten en otra cosa.

Por eso sí creo que con el tema de la composición me sentía más libre.

 

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Y ¿como se inició tu carrera?

En  La plata  continué mis estudios de profesorado en composición y luego un poco de la licenciatura, pero no la terminé porque quería ir estudiar fuera del país. Así que después hice una maestría en Los Angeles y un doctorado en la universidad de Maryland en Washington DC,  siempre en composición. Di clases en varias universidades de esa zona  y hace cinco años que estoy en la  Georgia Southern University (Universidad del sur de Georgia) como profesor de composición y de teoría.

En relación a la música  contemporánea ¿Cómo se ha dado la evolución y que movimientos surgieron en las últimas décadas?

La música no escapa a la evolución histórica, ni a lo que tiene que ver con la modernidad y a lo que pasó en el siglo XX,  por eso hubo un quiebre muy importante en la segunda guerra. En la música ese quiebre se dio por el uso de la electrónica. Comenzaron a utilizarse medios electrónicos,  primero con cinta, con Pierre Schaeffer y la música concreta y luego con síntesis y Stockhausen: los compositores comenzaron a buscar y tenían otras herramientas para expresarse.  Siempre hay reacciones a un movimiento y aparece otro movimiento reaccionario y así.

¿En qué lugares se dio esta reacción y que la caracterizó?

Se dio en Europa, E.U y por acá también porque siempre tenemos una línea más directa a Europa. En los `60 se dio una búsqueda muy fuerte por la tímbrica, el timbre. La electrónica tiene que ver con eso. Tenés un mayor manejo del timbre porque por primera vez podes manejar  todo el sonido.  Con un cello podés realizar ciertas cosas, con un piano no podés hacer mucho, y quizás podes hacer más cosas con un instrumento de viento, pero siempre estás más limitado  por las características acústicas de ese instrumento. En cambio con música  electrónica y con síntesis vos creas el sonido de cero.

¿Seria a un nivel cuantitativo? Porque quizás lo cualitativo en los instrumentos los diferencia de un sintetizador…

Mmmh, no porque hoy en día un sintetizador es un instrumento más, aparte un instrumento podría ser cualquier cosa, como por ejemplo esta mesa (señala la mesa donde estamos).

No necesariamente. Y volviendo a la evolución a mediados de los años ´50 después de la segunda guerra, hay un quiebre y cuando lo vemos en historia y damos teoría ese quiebre se nota mucho.

 

Y donde estamos ahora?

Hoy en día lo que se ve es lo que se ha generado quizás desde los ´70. Porque ya, el serialismo ( serializar las alturas crear un sistema que tiene que ver con lo sonidos etc. ) no se usa tanto. Por ejemplo de los  `50 y los `60, la música serial no estaba tan presente. La verdad que no conozco muchos compositores que escriban sólo con la manera serial en que se escribía antes.

Boulez, Messiaen, también Stravinsky, Babbit muchos compositores hicieron  eso de un lado y del otro del Atlántico, pero creo que después de los `70 con el surgimiento de la música espectral, que buscaron crear un lenguaje armónico en base al espectro, (a los armónicos y al espectro armónico), se empezó a prestar mucha más atención a la cuestión acústica y como la acústica tiene una influencia grande sobre la estética. O crear una estética desde la acústica, si querés. Algunos lo ven como una teoría compositiva… otros  lo ven como una teoría más acústica, yo adhiero a esta posición. También en los `70 apareció el minimalismo en los Estados Unidos y hay algunos compositores que todavía siguen con eso, como Steve Reich o Philip Glass.

Después hay un búsqueda más del sonido por el lado de la distorsión y del ruido como  Helmut Lachenmann, un alemán que todavía compone. Su propuesta por ejemplo tiene sonidos,  con músicos soplando a través de un instrumento que en otro contexto serían ruidos. Pero crea así y muchos otros compositores también. Eso se escucha bastante ahora y también  una mezcla de todo  esto que fui explicando.

Y vos como compositor donde te posicionas?

En la mezcla de todo eso que dije (risas).

¿Es necesario estar formado en toda esa música para componer?

No, esta música es bastante compleja de escuchar y yo no conozco realmente  mucha gente que  diga que desde chico escucha música contemporánea, en general es lo contrario.  Cuando escuchás algo contemporáneo decís ¿Que es esto? y de a poco uno va escuchando lo que es más accesible y en general se deja escuchar más rápido.

Como por ejemplo: empezar con pop, rock, ciertos tipos de rock. Pero algo que sucede es que te cansan, más a la larga. En mi experiencia yo escuchaba rock, escuchaba pop. Pero después de años ya como que decís ¡Me gusta pero no lo puedo escuchar todo el tiempo! como lo escuchaba al principio. Entonces pasé al jazz, el jazz  que tiene una complejidad más alta.

Pero esta música  yo creo que es mucho más compleja que el jazz y es como un camino. Hay una  trayectoria que te va llevando a esto. Pero no es necesariamente para todo el mundo.

Ese es tu camino….

Si. La música clásica… siempre le explico a mis alumnos que es como una cebolla que tiene muchas capas. Es algo que al principio es difícil de ver o incluso  de que te guste, pero cuando empezás a ver las lógicas y que hay varias capas de lógica  y de conexiones es más y más interesante. Me pasa con Beethoven, cosa que  lo vengo escuchando hace un montón y lo uso para dar clase y todo  y todavía digo ¡Wow! mira hay algo que no había conectado todavía  ahora salió a la luz o sea ahora  lo escucho y antes no y lo había escuchado cien veces  y con la  música contemporánea creo que pasa eso ¿no? es bastante compleja.

Y¿cómo se hace para acercar al público a la música contemporánea ?

Y haciendo un programa interesante, al publico no le podés poner toda música rara. Es importante explicar, me parece, qué es lo que quiere el compositor. Cúal es contexto, de dónde viene. Mucha gente espera que el publico se siente y entienda y eso no funciona.

¿Te parece que en el futuro algún compositor contemporáneo puede volverse clásico, en el sentido de que perdure? ¿Hay algún exponente?

Y… no sé como escuchará una persona en el año 2.150 pero definitivamente creo que van ser más evolucionados que nosotros y quizás algo que hoy  parece ruido y desagradable – hablado de estética o sea algo que no parece bello- quizás les parezca bello.

Yo por ejemplo he escuchado música hecha con motores de lavarropas y no me parecio ¡Wow que bello! pero tampoco me pareció horrible.

Hace treinta años quizás hubieran dicho ¡Bagh! sobre eso y quizás en treinta o cuarenta años más digan ¡Qué lindo!

En cuanto a referente es la música electrónica. Hoy tiene toda su veta y hay cosas muy interesantes y diferentes de lo que  pasa con la música acústica. Hay cosas muy interesantes, como gente que trabaja con el silencio… no desde ahora , desde siempre. Por ejemplo yo estudié con un compositor que se llama Thomas Delio y la música de él a veces tiene quince segundos de silencio y después un sonido de tres segundos, súper trabajado, electrónico, muy complejo y después cinco segundos más de sonido y las estructuras son diferentes. Si yo lo pongo seguramente vas a pensar ¿Qué es esto?  pero bueno, es una estética y requiere una persona más evolucionada en cuanto a la escucha. Y eso dicho por quienes han pasado por todas estas otras cosas.

Pasa entre lo popular y lo académico también…

Si y también está el gusto, pero la música contemporánea es menos  accesible, por eso surge el problema que hablábamos en la charla hoy, el como atraer a una audiencia o llenar una sala. Esa dificultad va a ocurrir siempre con la música contemporánea, porque siempre esta treinta o cuarenta años adelante y las audiencias en la música están muy atrás. Vos fijate que a una persona no le molesta entrar a un museo de arte contemporáneo y que haya un pintura “rara” o sea una cosa bien contemporánea, no les molesta. Pero si  vos los sentás en un concierto de música contemporánea van a decir ¡¿Qué es es esto?! y se van… pasa todo el tiempo se levantan y se van. Hay algo que pasa con la gente, a la música la toman como algo más personal y es como si dijeran ¡No me podes hacer esto con la música!, viste?

¿Quizás sea que hay un percepción más directa de la música que nos afecta enseguida?

No sé quizás. Pero definitivamente pasa y también pasa que la gente esta mucho más atrasada en el campo auditivo que en el campo visual.

¿Existe la inspiración?

Si, existe. Lo que pasa es que me parece que para lograr la inspiración necesitas algo así como precalentar el cerebro. No soy muy religioso o muy espiritual creo que la inspiración viene más que nada de estar trabajando en algo trabajando, trabajando por horas y cuando esa  idea viene es porque vos conectaste todos los cables que tenías que conectar y eso lleva horas y años.

Por ejemplo dicen que Piazzolla se levantaba a la mañana y escribía una fuga. Era una cosa técnica, mecánica, pero eso hacia que el tipo precalentara y después se ponía a escribir lo él que componía. Todas las mañanas escribía algo así contrapunto etc. Yo no hago eso, pero cuando compongo me levanto y estoy un par de horas  poniendo cosas que van a ir a la basura y después,  en algún momento, digo ¡Ah, mirá esta idea y esta idea! y al otro día volvés y decís ¿Esta idea estaba buena? no y la tiras o por ahí encuentro una idea que está bueno y la sigo.

Si querés llamar a eso inspiración, si, yo creo que existe. Pero la idea romántica de la inspiración que te llega un día  y te levantas, no sé,  puede ser el tipo que está siempre trabajando. Por ahí paró y le vino una idea, pero es porque estaba trabajando.

Hay un montón de gente que son muy buenos y esperando la inspiración nunca escriben una nota. Entonces creo que la tenés que fomentar.

Como compositor ¿Tenés algún mensaje que querés dar?

No. Me divierte poner sonidos juntos crear estructuras de sonidos y crear formas musicales o procesos y no… no hay ningún mensaje atrás de eso. No puntualmente.

Al menos no consciente…

No consciente. Y de hecho me parece que hoy en día hay tantos mensajes… que es la pluralidad de voces ¿No? O sea el mensaje si querés puede ser la estética que uno va desarrollando, porque no es que yo hoy hago estos sonidos y mañana otros. Hay toda una consecuencia, pero hay tantos mensajes y tanta bajada de línea de acá y de allá  que me parece que está bueno que la composición esté libre de ese sentido, de esa carga. Puede ser lo que quieras, porque a mi me interesa la parte abstracta, mi arte es bastante abstracto.

Más que mensaje a mi me interesa crear una energía que yo siento y  plasmo en el papel y el músico la toma y la interpreta de cierta manera y que el público pueda entender esa energía, que puede estar expresada con diferentes elementos. En  definitiva es un manejo de la energía, una percepción del tiempo y esa cosas. Eso sería la composición y lo que me agrada transmitir.

¿Que recomendaciones  das a jóvenes estudiantes interesados en composición?

Que escuchen mucha música, que estén abiertos a todo, al rap, a lo que sea  y a lo contemporáneo. Que toquen  y que hagan grupos de gente, que creen comunidades ya sea con grupos de rock u otra música. Pero me parece que eso es interesante. También  tratar de escuchar buenos músicos, eso hace la diferencia. No escuchar mediocridades. Hay que hacer de todo escuchar a Hermeto Pascoal, a la Sinfónica Nacional o cuando  viene alguien de afuera escucharlo y cuando toca alguien de acá a la vuelta que hace su trabajo también.

Recuerdo que un pensador decía que un escritor tiene que leer mucho mucho y después olvidar lo que leyó para poder escribir pero en realidad no te lo olvidas sino que esta atrás en el inconsciente.

 

Muchas Gracias a Martin Gendelman!!!

Se puede acceder a su música a través de su pagina:

http://www.martingendelman.com/

 

Martin Gendelman

Un nativo de Neuquén, Argentina, Martín Gendelman se involucró con lTa música desde el principio. Su estudio de la guitarra lo llevó a explorar estilos populares y clásicos por igual.Sus principales instructores incluyen Carlos Giménez y virtuoso del jazz Pino Marrone. A los dieciocho años, ingresó en la Plata Universidad Nacional de La, donde estudió composición y pedagogía musical bajo la dirección del compositor Mariano Etkin, entre otros. En 2002, con el apoyo parcial de una beca otorgada por la Provincia de Neuquén, se trasladó a Los Ángeles, donde estudió con los compositores Liviu Marinescu y Daniel Kessner en la Universidad Estatal de California, Northridge. En 2007, obtuvo un doctorado en composición de la Universidad de Maryland, College Park, donde estudió con Lawrence Moss (principalmente) y Thomas Delio.

Además de ampliar su producción de obras de concierto, mientras que en Maryland, comenzó a perseguir su interés en las implicaciones de los aspectos teatrales y espaciales de una actuación musical. En consecuencia, desde entonces ha llevado a varias colaboraciones interdisciplinares junto con coreógrafos y bailarines, artistas visuales, actores, establecidas y diseñadores de iluminación y otros. Su música ha sido interpretada en los conciertos, festivales y conferencias en todo el continente americano, Europa y Oriente Medio. Gendelman es un miembro de la Sociedad de Compositores (SCI), el College Music Society (CMS) y la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores (ASCAP).

Simultáneamente a su actividad como compositor, Gendelman ha estado profundamente involucrada en la educación superior. Ha sido profesor en la Universidad de Maryland (College Park y el condado de Baltimore), la Universidad Católica de América, la Universidad de Towson, y la Escuela de Música Levine. En 2011, comenzó un nombramiento como Profesor Adjunto y Jefe de Composición Musical y Teoría en la Universidad del Sur de Georgia, donde coordina los programas de grado y posgrado en la composición de música, así como el área de la teoría musical. Además de esto, fundó y dirige On The Verge y Nueva Música en el sur, dos series de conciertos que introducen al público local a la música del arte del siglo 20 y 21.

 

 

Las cuatro estaciones: Piazzolla y Vivaldi; por el Ensamble Estación Buenos Aires dirigido por Rafael Gintoli

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El próximo viernes 19 de mayo se presentará a las 21 en el Cine Teatro Español el “Ensamble Estación Buenos Aires” dirigido por el maestro Rafael Gintoli.
En la primera parte del programa ejecutarán las “Cuatro Estaciones para violín, cuerdas y continuo de “Il cimento dell’armonia e dell’invenzione, Op 8” de Antonio Vivaldi. Mientras que en la segunda parte se escuchará “Las Cuatro Estaciones Porteñas” de Astor Piazzolla, transcripción de Fabián Bertero para violín y cuerdas.
El ensamble está integrado por Rafael Gintoli (violín solista y dirección), Nicolás Favero, Gabriela Olcese (violines 1), Pablo Sangiorgio, Gustavo Mule  (violines 2), Ricardo Bugallo, Elizabeth Ridolfi (violas), Siro Bellisomi (violonchelo), Oscar Carnero (contrabajo) y Manuel De Olaso (clavecin).
Las entradas están en venta en Todomúsica (Av. Argentina 261).

Solidaridad en Villa la Angostura

Compartimos la nota del Diario Andino
SOLIDARIDAD

Concierto solidario a beneficio de la comunidad de Comodoro Rivadavia

Será el próximo jueves 27 de abril a las 20:00hs en el Centro de Capacitación (frente al Concejo Deliberante). Actuarán el Coro de Cámara y la Camerata de Villa La Angostura.
Concierto solidario a beneficio de la comunidad de Comodoro Rivadavia
26/04/2017

Este jueves 27 de Abril a las 20:00hs en el Centro de Cultura de Villa la Angostura (Centro de Capacitación, frente al Concejo Deliberante), se brindará un Concierto Solidario  a beneficio de la comunidad de Comodoro Rivadavia, que está sufriendo terribles incontingencias sociales y humanitarias post inundación.

Organizado en conjunto por el “Rotary Club 7 Lagos”, “BPW Villa la Angostura”, Coro de Cámara y Camerata VLA, el concierto será no solo la excusa para recaudar alimentos no perecederos y/o lavandina (en que consiste la entrada) “sino un espacio para sensibilizarnos a la belleza y la solidaridad con nuestros pares”, aseguran los organizadores.

El Coro de Cámara de Villa la Angostura interpretará obras del Romanticismo inglés y francés, junto con algunas sorpresas…
La Camerata Villa la Angostura, nos deleitará con obras de Sibelius, Dvorak, Tartini y por que no… Guns And Roses…

“´Aprender a escuchar´, es un factor común entre los músicos, y quien decide ayudar al prójimo. Hoy la ciudad de Comodoro Rivadavia es quien nos necesita”, concluyen.

Entrada: un alimento no perecedero o una lavandina.