Martín Gendelman: la fascinación por la energía de la música contemporánea.

 

El pasado lunes 29, y en ocasión de la gira que vienen realizando por Buenos Aires, la plata y Viedma los artistas Martín Gendelman (compositor) y Jovanni-Rey de Pedro (pianista), tuvimos ocasión de entrevistar al joven compositor oriundo de Neuquén.

 

La obra de Martín Gendelman (1976) se desarrolla tanto en el campo acústico como electrónico e incluye composiciones para solistas, grupos de cámara, y orquesta, como también varias piezas e instalaciones interdisciplinarias (principalmente con danza, video, y teatro).

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Luego de la charla que el compositor dictó en la Escuela de Música de Neuquén accedimos a una entrevista:

 

¿Cómo comenzaste tus estudios y como te fuiste acercando a la composición?

Empecé aquí en Neuquén a los cinco años, en un taller de música para chicos. Mi madre y abuelos están acá desde 1901.  Fui a los ocho años a la escuela de música, que no está en este edificio sino acá a la vuelta y estudié guitarra, audioperceptiva y coro por dos años.

Después un poco me aburrí y dejé de ir. Luego a los catorce  me interesé de vuelta por la música, escuchando Pink Floyd y otras cosas.

 

¿Tu instrumento era la guitarra?

Si, comencé a estudiar primero con Gabriel Henriquez un año, luego con Carlos Gimenez por un año y medio, y después me fui a estudiar a la Universidad de la Plata

 

¿Porqué te anotaste en composición?

Primero porque me interesó el programa de composición, por el tema de la armonía y lo que había en el, no tanto porque era composición. Pero de a poco fui entrando en el tema.

Pero ¿Tenías ideas musicales que querías plasmar?

No, no tanto. Estudié jazz y al comienzo lo mío era más ejecución. Lo que sí sucedió es que con los años de estudiar jazz  me sentí demasiado cómodo.  Y me parecía que había un techo en el sentido de que “está bueno pero estás tocando esto que ya está predefinido”  (pensaba). Y aún dentro del jazz, o  la verdad, dentro de todo lo musical, hay ciertas cosas no predefinidas, pero que tienen que ver con el estilo y que si no lo hacés se convierten en otra cosa.

Por eso sí creo que con el tema de la composición me sentía más libre.

 

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Y ¿como se inició tu carrera?

En  La plata  continué mis estudios de profesorado en composición y luego un poco de la licenciatura, pero no la terminé porque quería ir estudiar fuera del país. Así que después hice una maestría en Los Angeles y un doctorado en la universidad de Maryland en Washington DC,  siempre en composición. Di clases en varias universidades de esa zona  y hace cinco años que estoy en la  Georgia Southern University (Universidad del sur de Georgia) como profesor de composición y de teoría.

En relación a la música  contemporánea ¿Cómo se ha dado la evolución y que movimientos surgieron en las últimas décadas?

La música no escapa a la evolución histórica, ni a lo que tiene que ver con la modernidad y a lo que pasó en el siglo XX,  por eso hubo un quiebre muy importante en la segunda guerra. En la música ese quiebre se dio por el uso de la electrónica. Comenzaron a utilizarse medios electrónicos,  primero con cinta, con Pierre Schaeffer y la música concreta y luego con síntesis y Stockhausen: los compositores comenzaron a buscar y tenían otras herramientas para expresarse.  Siempre hay reacciones a un movimiento y aparece otro movimiento reaccionario y así.

¿En qué lugares se dio esta reacción y que la caracterizó?

Se dio en Europa, E.U y por acá también porque siempre tenemos una línea más directa a Europa. En los `60 se dio una búsqueda muy fuerte por la tímbrica, el timbre. La electrónica tiene que ver con eso. Tenés un mayor manejo del timbre porque por primera vez podes manejar  todo el sonido.  Con un cello podés realizar ciertas cosas, con un piano no podés hacer mucho, y quizás podes hacer más cosas con un instrumento de viento, pero siempre estás más limitado  por las características acústicas de ese instrumento. En cambio con música  electrónica y con síntesis vos creas el sonido de cero.

¿Seria a un nivel cuantitativo? Porque quizás lo cualitativo en los instrumentos los diferencia de un sintetizador…

Mmmh, no porque hoy en día un sintetizador es un instrumento más, aparte un instrumento podría ser cualquier cosa, como por ejemplo esta mesa (señala la mesa donde estamos).

No necesariamente. Y volviendo a la evolución a mediados de los años ´50 después de la segunda guerra, hay un quiebre y cuando lo vemos en historia y damos teoría ese quiebre se nota mucho.

 

Y donde estamos ahora?

Hoy en día lo que se ve es lo que se ha generado quizás desde los ´70. Porque ya, el serialismo ( serializar las alturas crear un sistema que tiene que ver con lo sonidos etc. ) no se usa tanto. Por ejemplo de los  `50 y los `60, la música serial no estaba tan presente. La verdad que no conozco muchos compositores que escriban sólo con la manera serial en que se escribía antes.

Boulez, Messiaen, también Stravinsky, Babbit muchos compositores hicieron  eso de un lado y del otro del Atlántico, pero creo que después de los `70 con el surgimiento de la música espectral, que buscaron crear un lenguaje armónico en base al espectro, (a los armónicos y al espectro armónico), se empezó a prestar mucha más atención a la cuestión acústica y como la acústica tiene una influencia grande sobre la estética. O crear una estética desde la acústica, si querés. Algunos lo ven como una teoría compositiva… otros  lo ven como una teoría más acústica, yo adhiero a esta posición. También en los `70 apareció el minimalismo en los Estados Unidos y hay algunos compositores que todavía siguen con eso, como Steve Reich o Philip Glass.

Después hay un búsqueda más del sonido por el lado de la distorsión y del ruido como  Helmut Lachenmann, un alemán que todavía compone. Su propuesta por ejemplo tiene sonidos,  con músicos soplando a través de un instrumento que en otro contexto serían ruidos. Pero crea así y muchos otros compositores también. Eso se escucha bastante ahora y también  una mezcla de todo  esto que fui explicando.

Y vos como compositor donde te posicionas?

En la mezcla de todo eso que dije (risas).

¿Es necesario estar formado en toda esa música para componer?

No, esta música es bastante compleja de escuchar y yo no conozco realmente  mucha gente que  diga que desde chico escucha música contemporánea, en general es lo contrario.  Cuando escuchás algo contemporáneo decís ¿Que es esto? y de a poco uno va escuchando lo que es más accesible y en general se deja escuchar más rápido.

Como por ejemplo: empezar con pop, rock, ciertos tipos de rock. Pero algo que sucede es que te cansan, más a la larga. En mi experiencia yo escuchaba rock, escuchaba pop. Pero después de años ya como que decís ¡Me gusta pero no lo puedo escuchar todo el tiempo! como lo escuchaba al principio. Entonces pasé al jazz, el jazz  que tiene una complejidad más alta.

Pero esta música  yo creo que es mucho más compleja que el jazz y es como un camino. Hay una  trayectoria que te va llevando a esto. Pero no es necesariamente para todo el mundo.

Ese es tu camino….

Si. La música clásica… siempre le explico a mis alumnos que es como una cebolla que tiene muchas capas. Es algo que al principio es difícil de ver o incluso  de que te guste, pero cuando empezás a ver las lógicas y que hay varias capas de lógica  y de conexiones es más y más interesante. Me pasa con Beethoven, cosa que  lo vengo escuchando hace un montón y lo uso para dar clase y todo  y todavía digo ¡Wow! mira hay algo que no había conectado todavía  ahora salió a la luz o sea ahora  lo escucho y antes no y lo había escuchado cien veces  y con la  música contemporánea creo que pasa eso ¿no? es bastante compleja.

Y¿cómo se hace para acercar al público a la música contemporánea ?

Y haciendo un programa interesante, al publico no le podés poner toda música rara. Es importante explicar, me parece, qué es lo que quiere el compositor. Cúal es contexto, de dónde viene. Mucha gente espera que el publico se siente y entienda y eso no funciona.

¿Te parece que en el futuro algún compositor contemporáneo puede volverse clásico, en el sentido de que perdure? ¿Hay algún exponente?

Y… no sé como escuchará una persona en el año 2.150 pero definitivamente creo que van ser más evolucionados que nosotros y quizás algo que hoy  parece ruido y desagradable – hablado de estética o sea algo que no parece bello- quizás les parezca bello.

Yo por ejemplo he escuchado música hecha con motores de lavarropas y no me parecio ¡Wow que bello! pero tampoco me pareció horrible.

Hace treinta años quizás hubieran dicho ¡Bagh! sobre eso y quizás en treinta o cuarenta años más digan ¡Qué lindo!

En cuanto a referente es la música electrónica. Hoy tiene toda su veta y hay cosas muy interesantes y diferentes de lo que  pasa con la música acústica. Hay cosas muy interesantes, como gente que trabaja con el silencio… no desde ahora , desde siempre. Por ejemplo yo estudié con un compositor que se llama Thomas Delio y la música de él a veces tiene quince segundos de silencio y después un sonido de tres segundos, súper trabajado, electrónico, muy complejo y después cinco segundos más de sonido y las estructuras son diferentes. Si yo lo pongo seguramente vas a pensar ¿Qué es esto?  pero bueno, es una estética y requiere una persona más evolucionada en cuanto a la escucha. Y eso dicho por quienes han pasado por todas estas otras cosas.

Pasa entre lo popular y lo académico también…

Si y también está el gusto, pero la música contemporánea es menos  accesible, por eso surge el problema que hablábamos en la charla hoy, el como atraer a una audiencia o llenar una sala. Esa dificultad va a ocurrir siempre con la música contemporánea, porque siempre esta treinta o cuarenta años adelante y las audiencias en la música están muy atrás. Vos fijate que a una persona no le molesta entrar a un museo de arte contemporáneo y que haya un pintura “rara” o sea una cosa bien contemporánea, no les molesta. Pero si  vos los sentás en un concierto de música contemporánea van a decir ¡¿Qué es es esto?! y se van… pasa todo el tiempo se levantan y se van. Hay algo que pasa con la gente, a la música la toman como algo más personal y es como si dijeran ¡No me podes hacer esto con la música!, viste?

¿Quizás sea que hay un percepción más directa de la música que nos afecta enseguida?

No sé quizás. Pero definitivamente pasa y también pasa que la gente esta mucho más atrasada en el campo auditivo que en el campo visual.

¿Existe la inspiración?

Si, existe. Lo que pasa es que me parece que para lograr la inspiración necesitas algo así como precalentar el cerebro. No soy muy religioso o muy espiritual creo que la inspiración viene más que nada de estar trabajando en algo trabajando, trabajando por horas y cuando esa  idea viene es porque vos conectaste todos los cables que tenías que conectar y eso lleva horas y años.

Por ejemplo dicen que Piazzolla se levantaba a la mañana y escribía una fuga. Era una cosa técnica, mecánica, pero eso hacia que el tipo precalentara y después se ponía a escribir lo él que componía. Todas las mañanas escribía algo así contrapunto etc. Yo no hago eso, pero cuando compongo me levanto y estoy un par de horas  poniendo cosas que van a ir a la basura y después,  en algún momento, digo ¡Ah, mirá esta idea y esta idea! y al otro día volvés y decís ¿Esta idea estaba buena? no y la tiras o por ahí encuentro una idea que está bueno y la sigo.

Si querés llamar a eso inspiración, si, yo creo que existe. Pero la idea romántica de la inspiración que te llega un día  y te levantas, no sé,  puede ser el tipo que está siempre trabajando. Por ahí paró y le vino una idea, pero es porque estaba trabajando.

Hay un montón de gente que son muy buenos y esperando la inspiración nunca escriben una nota. Entonces creo que la tenés que fomentar.

Como compositor ¿Tenés algún mensaje que querés dar?

No. Me divierte poner sonidos juntos crear estructuras de sonidos y crear formas musicales o procesos y no… no hay ningún mensaje atrás de eso. No puntualmente.

Al menos no consciente…

No consciente. Y de hecho me parece que hoy en día hay tantos mensajes… que es la pluralidad de voces ¿No? O sea el mensaje si querés puede ser la estética que uno va desarrollando, porque no es que yo hoy hago estos sonidos y mañana otros. Hay toda una consecuencia, pero hay tantos mensajes y tanta bajada de línea de acá y de allá  que me parece que está bueno que la composición esté libre de ese sentido, de esa carga. Puede ser lo que quieras, porque a mi me interesa la parte abstracta, mi arte es bastante abstracto.

Más que mensaje a mi me interesa crear una energía que yo siento y  plasmo en el papel y el músico la toma y la interpreta de cierta manera y que el público pueda entender esa energía, que puede estar expresada con diferentes elementos. En  definitiva es un manejo de la energía, una percepción del tiempo y esa cosas. Eso sería la composición y lo que me agrada transmitir.

¿Que recomendaciones  das a jóvenes estudiantes interesados en composición?

Que escuchen mucha música, que estén abiertos a todo, al rap, a lo que sea  y a lo contemporáneo. Que toquen  y que hagan grupos de gente, que creen comunidades ya sea con grupos de rock u otra música. Pero me parece que eso es interesante. También  tratar de escuchar buenos músicos, eso hace la diferencia. No escuchar mediocridades. Hay que hacer de todo escuchar a Hermeto Pascoal, a la Sinfónica Nacional o cuando  viene alguien de afuera escucharlo y cuando toca alguien de acá a la vuelta que hace su trabajo también.

Recuerdo que un pensador decía que un escritor tiene que leer mucho mucho y después olvidar lo que leyó para poder escribir pero en realidad no te lo olvidas sino que esta atrás en el inconsciente.

 

Muchas Gracias a Martin Gendelman!!!

Se puede acceder a su música a través de su pagina:

http://www.martingendelman.com/

 

Martin Gendelman

Un nativo de Neuquén, Argentina, Martín Gendelman se involucró con lTa música desde el principio. Su estudio de la guitarra lo llevó a explorar estilos populares y clásicos por igual.Sus principales instructores incluyen Carlos Giménez y virtuoso del jazz Pino Marrone. A los dieciocho años, ingresó en la Plata Universidad Nacional de La, donde estudió composición y pedagogía musical bajo la dirección del compositor Mariano Etkin, entre otros. En 2002, con el apoyo parcial de una beca otorgada por la Provincia de Neuquén, se trasladó a Los Ángeles, donde estudió con los compositores Liviu Marinescu y Daniel Kessner en la Universidad Estatal de California, Northridge. En 2007, obtuvo un doctorado en composición de la Universidad de Maryland, College Park, donde estudió con Lawrence Moss (principalmente) y Thomas Delio.

Además de ampliar su producción de obras de concierto, mientras que en Maryland, comenzó a perseguir su interés en las implicaciones de los aspectos teatrales y espaciales de una actuación musical. En consecuencia, desde entonces ha llevado a varias colaboraciones interdisciplinares junto con coreógrafos y bailarines, artistas visuales, actores, establecidas y diseñadores de iluminación y otros. Su música ha sido interpretada en los conciertos, festivales y conferencias en todo el continente americano, Europa y Oriente Medio. Gendelman es un miembro de la Sociedad de Compositores (SCI), el College Music Society (CMS) y la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores (ASCAP).

Simultáneamente a su actividad como compositor, Gendelman ha estado profundamente involucrada en la educación superior. Ha sido profesor en la Universidad de Maryland (College Park y el condado de Baltimore), la Universidad Católica de América, la Universidad de Towson, y la Escuela de Música Levine. En 2011, comenzó un nombramiento como Profesor Adjunto y Jefe de Composición Musical y Teoría en la Universidad del Sur de Georgia, donde coordina los programas de grado y posgrado en la composición de música, así como el área de la teoría musical. Además de esto, fundó y dirige On The Verge y Nueva Música en el sur, dos series de conciertos que introducen al público local a la música del arte del siglo 20 y 21.

 

 

Las cuatro estaciones: Piazzolla y Vivaldi; por el Ensamble Estación Buenos Aires dirigido por Rafael Gintoli

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El próximo viernes 19 de mayo se presentará a las 21 en el Cine Teatro Español el “Ensamble Estación Buenos Aires” dirigido por el maestro Rafael Gintoli.
En la primera parte del programa ejecutarán las “Cuatro Estaciones para violín, cuerdas y continuo de “Il cimento dell’armonia e dell’invenzione, Op 8” de Antonio Vivaldi. Mientras que en la segunda parte se escuchará “Las Cuatro Estaciones Porteñas” de Astor Piazzolla, transcripción de Fabián Bertero para violín y cuerdas.
El ensamble está integrado por Rafael Gintoli (violín solista y dirección), Nicolás Favero, Gabriela Olcese (violines 1), Pablo Sangiorgio, Gustavo Mule  (violines 2), Ricardo Bugallo, Elizabeth Ridolfi (violas), Siro Bellisomi (violonchelo), Oscar Carnero (contrabajo) y Manuel De Olaso (clavecin).
Las entradas están en venta en Todomúsica (Av. Argentina 261).

Solidaridad en Villa la Angostura

Compartimos la nota del Diario Andino
SOLIDARIDAD

Concierto solidario a beneficio de la comunidad de Comodoro Rivadavia

Será el próximo jueves 27 de abril a las 20:00hs en el Centro de Capacitación (frente al Concejo Deliberante). Actuarán el Coro de Cámara y la Camerata de Villa La Angostura.
Concierto solidario a beneficio de la comunidad de Comodoro Rivadavia
26/04/2017

Este jueves 27 de Abril a las 20:00hs en el Centro de Cultura de Villa la Angostura (Centro de Capacitación, frente al Concejo Deliberante), se brindará un Concierto Solidario  a beneficio de la comunidad de Comodoro Rivadavia, que está sufriendo terribles incontingencias sociales y humanitarias post inundación.

Organizado en conjunto por el “Rotary Club 7 Lagos”, “BPW Villa la Angostura”, Coro de Cámara y Camerata VLA, el concierto será no solo la excusa para recaudar alimentos no perecederos y/o lavandina (en que consiste la entrada) “sino un espacio para sensibilizarnos a la belleza y la solidaridad con nuestros pares”, aseguran los organizadores.

El Coro de Cámara de Villa la Angostura interpretará obras del Romanticismo inglés y francés, junto con algunas sorpresas…
La Camerata Villa la Angostura, nos deleitará con obras de Sibelius, Dvorak, Tartini y por que no… Guns And Roses…

“´Aprender a escuchar´, es un factor común entre los músicos, y quien decide ayudar al prójimo. Hoy la ciudad de Comodoro Rivadavia es quien nos necesita”, concluyen.

Entrada: un alimento no perecedero o una lavandina.

Diana Damrau y Nicolás Testé con la Filarmónica de Buenos Aires

Jueves 27 de abril, 20:00 horas.

 

La soprano Diana Damrau y el bajo-barítono Nicolas Testé cantarán junto a la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires

 

El maestro Mario Perusso estará a cargo de la dirección musical.

 

El jueves 27 de abril a las 20:00 horas, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires realizará en el Teatro Colón el cuarto concierto de su ciclo de abono. Con la dirección del maestro Mario Perusso se presentarán la soprano alemana Diana Damrau y el bajo-barítono francés Nicolas Testé. El programa estará integrado por oberturas y arias de Gioacchino Rossini, Giacomo Meyerbeer, Charles Gounod, Ambroise Thomas, Camille Saint-Saëns, Antônio Carlos Gomes, Vincenzo Bellini, Amilcare Ponchielli y George Gershwin, de óperas como El barbero de Sevilla, Loshugonotes, Fausto, Hamlet y Romeo y Julieta, entre otras.

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires obtuvo dos Premios Konex de Platino como la mejor orquesta argentina de las dos últimas décadas, en 1999 y en 2009. En 2015 la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina la distinguió con el Premio “Mejor Orquesta Sinfónica Argentina” de 2014, galardón que también obtuvo en 2012.

Mario Perusso debutó en 1968 en el Teatro Argentino de La Plata y en 1973 en el Teatro Colón, donde asumió la dirección de casi todas las óperas de Puccini y varios títulos verdianos, entre otros numerosos espectáculos líricos, coreográficos y conciertos. Dirigió en teatros y orquestas de Sudamérica, en ciudades italianas, y en la Ópera de Praga y de Atenas. Fue director artístico del Teatro Argentino de La Plata (1989-1998) y del Teatro Colón (1998-2000). Como compositor destacan sus óperas Guayaquil, Escorial, La voz del silencio, Fedra y Bebe Dom o LaCiudad Planeta, estrenadas en el Teatro Colón.

Diana Damrau se presentó en los principales escenarios de ópera y concierto durante dos décadas. Su vasto repertorio abarca los papeles principales de Lucia di Lammermoor (La Scala, Ópera del Estado de Baviera, Metropolitan, Royal Opera House), Manon (Ópera Estatal de Viena, Metropolitan) y La traviata (La Scala, Metropolitan, Royal Opera House, Ópera Nacional de París, Ópera Estatal de Baviera), así como La reina de la noche en La flauta mágica (Metropolitan, Festival de Salzburgo, Ópera Estatal de Viena, Royal Opera House). Desde su debut en 2005, el Metropolitan fue el teatro donde realizó los roles que la distinguen.

Segundo Premio en el concurso “Voix Nouvelles” 1998, Nicolas Testé realiza actuaciones en salas líricas como el Metropolitan de Nueva York, Ópera Estatal de Múnich, Ópera de Los Ángeles, Ópera de San Francisco, Ópera Alemana de Berlín, Ópera Nacional de París, Teatro de San Carlos (Nápoles), Gran Teatro de Ginebra, Teatro La Fenice, así como en los festivales de Glyndebourne y Chorégies d’Orange. Su repertorio incluye los roles principales de Ifigenia en Áulide (Agamenón), Manon (Des Grieux), Hamlet (Claudius), La flauta mágica (Sarastro), Fausto(Méphistophélès) y Los cuentos de Hoffmann (los cuatro villanos), entre otros.

 

Las localidades se ya se encuentran a la venta en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171 (4378-7109), de lunes a sábado de 10.00 a 20.00 horas y los domingos de 10.00 a 17.00 horas. También se pueden adquirir vía telefónica al 5254-9100; o por Internet ingresando enwww.teatrocolon.org.ar. Localidades desde: $ 100.

 

 

Mario Perusso

Director de orquesta

 

Nació en Buenos Aires en 1936, donde cursó sus estudios musicales en el Conservatorio de Música “Alberto Williams”. Cayetano Marcolli fue su maestro de composición y Mariano Drago de dirección orquestal en la Escuela de Bellas Artes de La Plata. Durante el bienio 1966/67 fue becario del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales del Instituto Torcuato Di Tella, bajo la dirección de Alberto Ginastera, donde asistió a los cursos de composición de los maestros Luigi Dallapiccola, Olivier Messiaen, Cristóbal Halffter y Luigi Nono.

Debutó como director de orquesta en el Teatro Argentino de La Plata en 1968, donde dirigió espectáculos líricos, coreográficos y conciertos sinfónicos.

En 1973 hizo su debut en el Teatro Colón dirigiendo La Bohème de Puccini. En dicho teatro asumió la dirección de numerosas producciones: la casi totalidad de las óperas de Puccini; los títulos verdianos Aida, Rigoletto, La traviata, Il trovatore, Simon Boccanegra y Otello; Andrea Chénier de Giordano; Jenufa de Janácek; La valkiria de Wagner; Boris Godunov de Mussorgsky; Francesca da Rimini de Zandonai, entre muchas otras.

Fue maestro sustituto del Teatro Colón desde 1969; Director artístico del Teatro Argentino de La Plata desde 1989 hasta 1998; y entre 1998-2000 asumió la dirección artística de este coliseo.

Dirigió todos los organismos sinfónicos más importantes del país. En el exterior, en la sala del Conservatorio Giuseppe Verdi de Milán, Festival Puccini de Torre del Lago (Lucca), Teatro Pergolesi de Jesi, Teatro de la Ópera de Fabriano, Ópera Estatal de Praga, Ópera de Atenas, entre otros. En Sudamérica, fue director titular de las orquestas Sinfónica Nacional de Bolivia, Sinfónica de Bahía Blanca y Estable del Teatro Colón.

Como compositor se destacan sus óperas Azrael, el ángel de la muerte, Teatro Argentino de La Plata, 2009; Guayaquil, 1993; Escorial, 1989 y La voz del silencio, 1969, éstas tres estrenadas en el Teatro Colón. En 2010 fue nombrado compositor residente de dicho teatro, donde tuvo lugar el estreno de Una sinfonía lírica, Drama sin palabras y sus óperas Fedra y Bebe Dom o La Ciudad Planeta.

 

 

Diana Damrau

Soprano

Durante dos décadas se ha presentado en los principales escenarios de ópera y concierto. Su vasto repertorio abarca los papeles principales de Lucia di Lammermoor (La Scala, Ópera del Estado de Baviera, Metropolitan, Royal Opera House), Manon (Ópera Estatal de Viena, Metropolitan) y La traviata (La Scala, Metropolitan, Royal Opera House, Ópera Nacional de París, Ópera Estatal de Baviera), así como La reina de la noche en La flauta mágica (Metropolitan, Festival de Salzburgo, Ópera Estatal de Viena, Royal Opera House).

Nacida en Alemania, recibió el título de Bayerische Kammersängerin (2007) y la Orden Bávara de Maximiliano para las Ciencias y Artes (2010). Forjó estrechos vínculos con la Ópera Estatal de Baviera, donde cantó Lucia di Lammermoor, Los cuentos de Hoffmann (las cuatro heroínas), Ariadna en Naxos (Zerbinetta), La mujer silenciosa (Aminta), La flauta mágica (La reina de la noche), Rigoletto (Gilda), La traviata (Violetta) y El rapto en el serrallo (Constanza).

Desde su debut en 2005 el Metropolitan fue el teatro donde realizó los roles que la distinguen, proyectados mundialmente en cines. Cabe destacar las nuevas puestas de Rigoletto (Gilda), El barbero de Sevilla (Rosina), El conde Ory (Adèle), Los pescadores de perlas (Leïla) y los protagónicos de Lucia di Lammermoor, La traviata, Manon, La sonámbula y La hija del regimiento.

También interpretó óperas contemporáneas: A Harlot’s Progress de Iain Bell, basada en los grabados de Hogarth, escrita para ella (Ópera de Viena 2013) y 1984 de Lorin Maazel (Royal Opera House 2005).

Destacada intérprete de lied, realiza recitales en prestigiosas salas con los pianistas Helmut Deutsch y Craig Rutenberg, y el arpista Xavier de Maistre.

Su discografía incluye arias de ópera; canciones de Strauss y Liszt; temas de opereta, cine y musicales (premio ECHO Klassik 2014) y varias óperas completas.

Luego de este debut en el Teatro Colón (en gira sudamericana junto a Nicolas Testé) realizará una gira europea con arias de Meyerbeer.

 

 

Nicolas Testé

Bajo-barítono

 

Nació en París donde estudió piano, fagot e historia de la música. Luego ingresó en el Centro de Formación Lírica de la Ópera Nacional de París, dando comienzo a su carrera de cantante. En 1998 obtuvo el Segundo Premio en el concurso “Voix Nouvelles”.

Realiza actuaciones en las principales salas líricas como el Metropolitan de Nueva York, Ópera Estatal de Múnich, Ópera de Los Ángeles, Ópera de San Francisco, Ópera Alemana de Berlín, Ópera Nacional de París, Teatro de San Carlos (Nápoles), Gran Teatro de Ginebra, Teatro La Fenice, así como en los festivales de Glyndebourne y Chorégies d’Orange.

Su extenso repertorio incluye los papeles principales de Ifigenia en Áulide (Agamenón), Romeo y Julieta (Frère Laurent), Manon (Des Grieux), Hamlet (Claudius), Il trovatore (Ferrando), La flauta mágica (Sarastro), Cástor y Polux (Júpiter), Fausto (Méphistophélès), Los cuentos de Hoffmann (los cuatro villanos) y El barbero de Sevilla (Basilio).

En la temporada 2015/2016 debutó en la Ópera Estatal de Baviera en La bohème (Colline) y en la Ópera de San Francisco en Lucia di Lammermoor (Raimondo). Actuó en la primera producción en la historia del Metropolitan de Los pescadores de perlas (Nourabad) de Bizet. Además cantó Lucia di Lammermoor (Raimondo) en la Ópera Alemana de Berlín, I puritani (Sir Giorgio) en el Teatro Real de Madrid y La traviata (Doctor Grenvil) en Orange.

Durante el transcurso de la temporada 2016/2017 retornó a la Ópera Estatal de Múnich en La bohème (Colline), al Metropolitan en Carmen (Zúñiga), a la Ópera Nacional de París en Sansón y Dalila (Abimélech) y a la Ópera de Los Ángeles en el papel de los cuatro villanos de Los cuentos de Hoffmann.

Esta noche debuta en el Teatro Colón junto a la soprano Diana Damrau, como parte de una gira por Sudamérica que incluye San Pablo, Ciudad de México, Tijuana y Frutillar. En mayo y junio realizará otra gira, “Belcanto Drammatico”, con la Prague Philarmonia y Damrau, actuando en importantes salas de concierto de Europa.

 

Ravel y su Tzigane

Bajo comisión de la violinista húngara Jelly d´Aranyi, sobrina nieta del gran violinista virtuoso Joseph Joachim, Maurice Ravel compuso el Tzigane (Gitano), obra rapsódica escrita en 1924 donde  intenta reflejar el espíritu de la improvisación gitana.

La instrumentación original era para violín con acompañamiento en luthéal, un instrumento de teclado que, aunque era novedoso en su tiempo por poseer controles especiales para alterar el color de las notas, nunca alcanzó gran popularidad debido a las dificultades en su mantenimiento. Las improvisaciones de Aranyi fueron añadidas más tarde por el propio compositor para completar el trabajo y la obra publicada incluía una dedicatoria a Aranyi, quien dio la primera presentación en Londres el 26 de abril de 1924, con acompañamiento por Henri Gil-Marchez en el luthéal.

Versiones posteriores de la pieza reemplazaban el luthéal con piano u orquesta (en un arreglo creado por el mismo Ravel). La primera presentación de la versión orquestal se llevó a cabo en París el 30 de noviembre de 1924 con los Concerts Colonne, bajo la dirección de Gabriel Pierné. La primera presentación con piano ocurrió en 1925, con Robert Soetens en el piano.

A finales del siglo XX la primera edición con acompañamiento en luthéal seguía en disponibilidad en las editoras. Sin embargo, para ese entonces la versión de ensamble de cámara dependía del piano como instrumento de acompañamiento.

En este sentido, Tzigane puede compararse con la Sonata Arpeggione de Schubert: aquella pieza también fue escrita para promover la popularidad de un instrumento poco común (el arpeggione), pero cuando con el paso de los años la composición resultó ser más popular que el instrumento en sí, las presentaciones de la pieza pasaron a valerse de un instrumento más común (violoncello en el caso de la composición de Schubert).

La pieza se compone de un solo movimiento con una duración aproximada de diez minutos. La versión que compartimos es interpretada  Patricia Kopatchinskaja (violín) con Jean Jacques Kantorow dirigiendo la orquesta Sinfonia Varsovia.

 

 

 

 

 

Fuente Wikipedia.com y youtube.com

 

 

La vida de Gustav Mahler

Compartimos dos documentales del hombre que con sus composiciones atraviesa la muerte y nos hace vibrar en su mundo: Gustav Mahler  (Kaliste, actual Austria, 1860 – Viena, 1911).

Mahler fue un compositor y director de orquesta austriaco. En una ocasión, manifestó que su música no sería apreciada hasta cincuenta años después de su muerte. No le faltaba razón: valorado en su tiempo más como director de orquesta que como compositor, hoy es considerado uno de los más grandes y originales sinfonistas que ha dado la historia del postromanticismo.

Y su influjo como un inevitable rayo marca para siempre a su público. Hay un antes y un después de escuchar su música. Pero no un retorno.

El primer documental de la BBC en su idioma original está subtitulado al español y el segundo traducido al español.

 

Videos extraídos de youtube.com

Desde Nueva York la 6º de Mahler en Neuquén

No hay texto alternativo automático disponible.

Se encuentran agotadas las entradas para “Nueva York & Neuquén en Concierto”, presentación de la Orquesta Sinfónica de  Neuquén junto a la Orquesta Sinfónica de Cornell (Cornell Symphony Orchestra) en el Cine Teatro Español.

La función se realizará el viernes 07 de abril  con la participación de más de 100 músicos en escena, que bajo la conducción de los directores de las respectivas orquestas, Mto. Chris Younghoom Kim y Mto. Andrés Tolcachir, interpretarán la Sinfonía N° 6 de Gustav Mahler, una obra épica y de gran desafío musical.


PARA TODO PÚBLICO: ENSAYO GENERAL CON ENTRADA GRATUITA
Asimismo, el viernes 07, a las 9:00 de la mañana, se realizará el Ensayo General con entrada libre y gratuita. El ingreso del público se organizará por orden de llegada. La capacidad de la Sala es de 600 butacas.

“Nueva York & Neuquén en Concierto” fue declarado de Interés por la Honorable Legislatura de la Provincia del Neuquén, y su realización es el resultado del intercambio cultural que comenzó en septiembre 2014, cuando Fundación BPN presentó al Mto. Chris Younghoom Kim como director invitado de la Orquesta Sinfónica de Neuquén, en el Ciclo de Conciertos en Cine Teatro Español, donde se interpretó “Sinfonía N°31” de W. A. Mozart, “La Tumba de Couperin”, de M. Ravel y “Variaciones Concertantes Op.23”, de A. Ginastera. Luego, en el marco de este programa de colaboración, en octubre del mismo año, el Mto. Andrés Tolcachir, con apoyo de Ibermúsicas y la College Orchestra Director’s Association, viajó a Nueva York para dirigir a la Orquesta Sinfónica de Cornell, en una velada que incluyó “Danzón no. 2”, de Arturo Marquéz y “Estancia Suite”, de Alberto Ginastera.

ITINERARIO Y ACTIVIDADES
La Orquesta Sinfónica de Cornell llegó a la ciudad el lunes 03 de abril, para comenzar los ensayos junto a la Orquesta neuquina hoy martes 04. El cronograma de actividades de ambas Sinfónicas incluye una charla sobre intercambios culturales y la obra de Mahler, abierta a toda la comunidad, sobre la gestión de los intercambios con otras provincias y países. La disertación estará a cargo de Pablo Bongiovani y Marcelo Colonna, actual Subsecretario de Cultura de la Provincia.

Luego, los directores de ambas Sinfónicas, Chris Younghoom Kim y Andrés Tolcachir, desarrollarán conceptos principales sobre la obra de Mahler y la 6° Sinfonía. La charla será el miércoles 05 de abril, a las 18:30 horas, en la Casa de las Culturas “Artistas Neuquinos”-Hipólito Yrigoyen 656, de la ciudad de Neuquén. Entrada libre y gratuita.