Luciano Pavarotti, el amor hecho voz

 

A vucchella – Francesco Paolo Tosti// Gabriele D’Annunzio.

Sì, comm’a nu sciorillo
tu tiene na vucchella
nu poco pocorillo appassuliatella.

Meh, dammillo, dammillo,
– è comm’a na rusella –
dammillo nu vasillo,
dammillo, Cannetella!

Dammillo e pigliatillo,
nu vaso piccerillo
comm’a chesta vucchella,
che pare na rusella
nu poco pocorillo appassuliatella.

Si tu tiene na vucchella
nu poco pocorillo appassuliatella

 

Luciano Pavarotti Venturi hubiera cumplido años ayer (Nació en Módena, el 12 de octubre de 1935) pero por desgracia para nosotros y alegria para el universo  Luciano partió en Modena el 6 de septiembre de 2007.

Pavarotti fue el tenor lírico italiano más reconocido de las últimas decadas y uno de los cantantes contemporáneos más famosos de los últimos siglos, tanto en el mundo de la ópera como en otros  géneros musicales, uno de los mejores de todos los tiempos.

 

Fue muy conocido por sus conciertos televisados y como uno de Los Tres Tenores, junto con Plácido Domingo y José Carreras. Reconocido por su filantropía, reunió dinero para refugiados y para la Cruz Roja, y fue premiado en varias ocasiones por ello.

 

Sus inicios

Nacido el 12 de octubre de 1935 en las afueras de Módena, Luciano era hijo de Fernando Pavarotti (1912-2002), panadero y tenor aficionado, y de Adele Venturi (1915-1999), quien era trabajadora en una fábrica cigarrera. Su padre estimuló a Luciano para que empezara los estudios en el mundo del canto lírico. Aunque Luciano hablaba con cariño de su infancia vivió ciertas penurias ya que su familia tenía escasos recursos económicos.

Según Luciano,su padre tenía una fina voz de tenor, pero rechazó la posibilidad de dedicarse a la carrera de cantante debido a sus nervios. La Segunda Guerra Mundial forzó a la familia a salir de la ciudad en 1943 y al año siguiente tuvieron que alquilar una habitación a un granjero en la campiña cercana, donde el joven Luciano desarrolló interés por la agricultura.

 

Sus primeras influencias musicales provinieron de las grabaciones que poseía su padre, la mayoría de tenores populares de la época como Beniamino Gigli, Giovanni Martinelli, Tito Schipa y Enrico Caruso. Sin embargo, el ídolo de Luciano era el tenor Giuseppe Di Stefano. Cerca de los nueve años comenzó a cantar con su padre en el coro de una pequeña iglesia local. También en su juventud tomó algunas clases de canto con el profesor Dond y su esposa.

Primeras apariciones

Después de una niñez normal con un típico interés por los deportes (en su caso, el fútbol sobre todo), Luciano se graduó en la Scuola Magistrale. Tras ello tuvo dudas en seguir el magisterio, porque también soñaba con ser arquero de fútbol profesional. Su madre lo convenció para que siguiera de maestro. Ejerció entonces en una escuela primaria durante dos años, pero finalmente lo arrastró su interés por la música. No sin reservas, su padre consintió en que desarrollara su nueva vocación: acordaron que recibiría manutención hasta los 30 años y que, si no triunfaba a esa edad, se ganaría el sustento por sus propios medios.

Sus mentores en el arte del bel canto fueron Arrigo Pola y Ettore Campogalliani. Sus primeras apariciones públicas como cantante fueron en el coro del Teatro de la Comuna, en Módena, y más tarde en La Coral de Gioacchino Rossini, donde demostró su talento. Debutó el 29 de abril de 1961 como Rodolfo en La Bohème, de Puccini, en el teatro de ópera de Reggio Emilia.

 

 

Consagración

Pavarotti con Joan Sutherland en 1976.

El papel de Rodolfo le dió grandes satisfacciones; fué su carta de presentación y lo grabó junto a su coterránea Mirella Freni, dirigido por Herbert von Karajan, lo cantó en La Scala, dirigido por el célebre Carlos Kleiber en 1979, y en la primera retransmisión televisiva nacional en 1977 desde ese teatro, acompañado por la soprano italiana Renata Scotto.

La consagración absoluta llegó con Tonio, de la ópera La hija del regimiento, de Gaetano Donizetti, junto a la soprano australiana Joan Sutherland, con su difícil aria de nueve notas do de pecho que le hizo merecedor de la portada del The New York Times. En la celebración del centenario del teatro en 1983 cantó el dúo de Un ballo in maschera con la soprano estadounidense Leontyne Price.

 

 

 

Entre 1968 y el 13 de marzo de 2004, su última aparición en la sala, totalizó 382 funciones metropolitanas.

Con el equipo que formó con Joan Sutherland y la mezzosoprano Marilyn Horne se realizaron las grabaciones que lo muestran en su mejor momento vocal, en especial Lucia di Lammermoor, La fille du régiment, La Traviata, Il Trovatore, Rigoletto, L’elisir d’amore, I Puritani, La sonnambula, Maria Stuarda, Beatrice di Tenda y Turandot (dirigido por Zubin Mehta) donde se le oye por primera vez cantar Nessun dorma, aria que popularizaría inmensamente.

El célebre director austríaco Herbert von Karajan solicitó sus servicios para las grabaciones integrales de La Boheme, Madame Butterfly y un legendario Réquiem de Verdi desde La Scala junto a Fiorenza Cossotto, Leontyne Price y Nicolai Ghiaurov. También trabajó y grabó con el húngaro Georg Solti en el mismo Requiem de Verdi, Un ballo in maschera, el pequeño papel de el tenor italiano en El caballero de la rosa de Strauss y en versión de concierto el rol más temido para un tenor dramático, Otello. Pavarotti, esencialmente un tenor lírico, muy esporádicamente cantó papeles de la cuerda dramática para preservar la flexibilidad y frescura de su voz dotada de gran facilidad para los agudos.

Tampoco fue proclive a añadir nuevos papeles ni a aprender otros del repertorio francés o alemán que se avenían a su magnífico timbre de tenor. No obstante, en 1982 tuvo un gran triunfo en el Metropolitan Opera como Idomeneo de Mozart, papel que había cantado en el famoso Festival de Glyndebourne en 1964.

El 2 de junio de 1988 le nombran Cavaliere di Gran Croce Ordine al Merito della Repubblica Italiana.​

Las actuaciones más comentadas a nivel internacional del gran tenor italiano fueron las que realizó con los españoles Plácido Domingo y José Carreras, con quienes formó el trío Los Tres Tenores (The Three Tenors).

En su acercamiento a la música popular, Pavarotti grabó duetos con Eros Ramazzotti, Sting, Andrea Bocelli, Celine Dion, Liza Minnelli, Elton John, Tracy Chapman, Frank Sinatra (“My Way”), Michael Jackson, Barry White, e inéditamente con el brasileño Caetano Veloso, la argentina Mercedes Sosa y el grupo de rock irlandés U2. Un dueto con Sarah Brightman nunca se pudo concretar, aunque siempre fue deseado por los dos artistas.

 

Durante varios años seguidos a partir de 1991 Pavarotti respondió al llamado de la organización War Child, para recaudar fondos para la construcción de un centro de musicoterapia en Mostar. De esta forma, se organizaron anualmente conciertos en Módena bajo el título Luciano Pavarotti & friends, donde además participaban otras personalidades de la música internacional, como Anastacia, Mónica Naranjo, Bryan Adams, Bon Jovi, Queen, U2, Dolores O’Riordan, Simon Le Bon, Deep Purple, Stevie Wonder, Céline Dion, Natalie Cole o Vanessa Williams entre otros artistas de pop y rock .

En 2001 Universal editó un compilado de grandes éxitos titulado “Amore: The Essential Romantic Collection”.

Pavarotti fue muy solicitado en teatros de todo el mundo hasta su retiro en la Ópera Metropolitana de Nueva York el 13 de marzo de 2004 donde interpretó el papel del pintor Mario Cavaradossi en la ópera Tosca, de Giacomo Puccini, al lado de Carol Vaness.

En mayo de 2004 en vísperas de su cumpleaños número 70 el tenor anunció La gira del adiós compuesto por cuarenta conciertos en todo el mundo, para despedirse de los fieles seguidores de su canto. Pese a este retiro, en febrero de 2006 cantó el aria Nessun dorma de Turandot, de Giacomo Puccini, como cierre a la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2006 en el estadio Olímpico de Turín.

En su vida personal Luciano Pavarotti fue un gran aficionado al fútbol, la pintura y los caballos. Unió su destino, durante treinta y cuatro años, con Adua Verona, con quien tuvo tres niñas: Lorenza, Cristina y Giuliana, pero el 13 de diciembre de 2003 se casó en segundas nupcias con su asistente Nicoletta Mantovani, treinta años menor que él, y con ella tuvo a sus dos hijos menores: Alice y Ricardo, este último fallecido al poco de nacer.

Últimos días

La gira del adiós fue suspendida debido a una intervención en la espalda a principios de 2006, y cuando se preparaba para partir de Nueva York a reanudar su gira mundial de despedida, se le descubrió un tumor maligno en el páncreas. Fue operado en un hospital de Nueva York el 7 de julio de 2006 y todos sus conciertos fueron cancelados debido a su muy delicado estado de salud, causado por una neumonía en el postoperatorio. El 8 de agosto de 2007 fue hospitalizado víctima de un estado febril y de complicaciones respiratorias. Abandonó la clínica el 25 de agosto para continuar la convalecencia en su hogar.

El 6 de septiembre de 2007, falleció en su hogar a causa de cáncer de páncreas.

La ceremonia fúnebre se celebró en su ciudad natal, estando presentes el primer ministro italiano Romano Prodi, el ministro de Cultura Francesco Rutelli, el director de cine italiano Franco Zeffirelli y el ex secretario general de las Naciones Unidas Kofi Annan.

La entrada de la misa estuvo acompañada por la soprano búlgara Raina Kabaivanska, que cantó el Ave María del Otello de Verdi. Durante el ofertorio, el flautista Andrea Griminelli tocó el tema del Orfeo y Eurídice, de Gluck.

El tenor fue sepultado en el cementerio Montale Rangone cerca de su villa, en las afueras de la ciudad, donde están enterrados sus padres y su hijo Ricardo, quien murió poco después de nacer en 2003.

El Gran Aplauso

El 24 de febrero de 1968, en el Palacio de la Ópera de Berlín, Pavarotti logró el que fue, durante mucho tiempo, el aplauso más largo de la historia. Interpretando la obra El elixir de amor, escrita por el compositor Gaetano Donizetti en 1832, el tenor consiguió enamorar al público, que recompensó su talento con un aplauso de 67 minutos, más de una hora a lo largo de la cual el cantante salió 165 veces a escena, acarreando con sus respectivas 165 subidas de telón, para agradecer al público su gran apoyo.

Este aplauso tan solo ha sido superado por Plácido Domingo en una de sus actuaciones en 1991.

 

Fuente: Wikipedia

 

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En algún lugar del tiempo

 

Compartimos parte de la banda de sonido el filme Somewhere in Time (conocida en español como En algún lugar del tiempo, en España; Pide al tiempo que vuelva, en América Latina).

 

John-barry-2006.jpg

La música de la película fue compuesta por John Barry OBE (York, Yorkshire, 3 de noviembre de 1933 – Oyster Bay, Nueva York, 30 de enero de 2011).

El  inglés fue un prolífico  compositor británico de música de cine (ganador de cinco Óscars). Entre sus composiciones se encuentran obras tan bellas como la música de la película Africa mía, la saga de James Bond, Danza con lobos ó Chaplin entre numerosas obras más.

 

 

La película:

Somewhere in time es un filme de 1980, dirigido por el francés Jeannot Szwarc (1939–), basado en el libro de Richard Matheson Bid Time Return; y protagonizado por el recordado Christopher Reeve, Jane Seymour, Christopher Plummer y Teresa Wright.

En la película Christopher Reeve interpreta a Richard Collier un dramaturgo que la noche del estreno de su primera obra conoce a una anciana, quien se acerca a él y le entrega un viejo reloj.

 

 

 

Luego le pide que lo utilize para volver a ella. Collier intrigado por el extraño mensaje y en el medio de una crisis amorosa llega de visita el hotel donde se hospedaba la misteriosa señora y descubre su foto de años atrás. El escritor se empieza a obsesionar con ella y descubre que es una famosa actriz de principios de siglo 20.

Richard Collier (Reeve) investiga cómo hacer una regresión al pasado y decide viajar en el tiempo para encontrarse con  la mujer de la que estuvo enamorado en otra vida.

 

En la banda sonora Barry agregó la variación XVIII: “Andante cantabile”, de la Rapsodia sobre un tema de Paganini, op. 43, del compositor ruso Serguéi Rajmáninov: En la BSO el tema fue dirigido por el propio John Barry e interpretado al piano por Roger Williams.

 

 

Este filme llegó a convertirse en una película de culto, que mezcla drama, romance y fantasía (el viaje en el tiempo) y muy buena música.

 

 

En palabras de Richard Mathesson:

“Pide al tiempo que vuelva es una historia de amor que trasciende el tiempo, Más alla de los sueños (también adaptada en el cine con Robin Williams) es una historia de amor que trasciende la muerte.  Creo que son las mejores novelas que escribí en mi carrera”.

 

 

 

Excelente artículo con más información sobre el filme: http://crisei.blogalia.com/historias/59204

Herido de amor

Compartimos esta belleza de Joan Manuel Serrat,  del album Serrat sinfónico,  sobre un poema
de Federico Garcia Lorca. (Poeta andaluz nacido en Granada 1898-1936)
Amor, amor, que está herido.
Amor, amor, que está herido
herido,
de amor huido.
Herido,
muerto de amor.
Decid a todos que ha sido
Decid a todos que ha sido
el ruiseñor.
Herido,
muerto de amor.
Herido,
muerto de amor.
Bisturí de cuatro filos
Bisturí de cuatro filos,
garganta rota,
y olvido.
Cógeme la mano, amor,
que vengo muy malherido
que vengo muy malherido,
herido,
de amor huido,
herido,
muerto de amor.
Herido,
muerto de amor.
Herido,
muerto de amor.
Herido,
muerto de amor.
 Herido de amor. Intérprete: Joan Manuel Serrat
Álbum: Serrat sinfónico. Año: 2003

Mi madre la oca: de Ravel para los niños

 

Ma Mère l’ Oye (Mi madre la oca) es una pieza escrita en 1908 por el compositor francés Maurice Ravel en la que quiso evocar el mundo de los sueños y los cuentos de la infancia.

La obra compuesta para piano a cuatro manos tuvo a dos jóvenes como principales destinatarios,  Jean y Marie, los hijos de los Godebski, un matrimonio amigo de Ravel.  Fue transcrita para solo de piano por Jacques Charlot, amigo de Ravel, el mismo año en que fue publicada (1910).

Ambas versiones para piano llevan el subtítulo “Cinq pièces enfantines” (Cinco piezas infantiles). Las cinco piezas mencionadas son:

  • I. Pavane de la Belle au bois dormant
Pavana de la Bella Durmiente
Lent
  • II. Petit Poucet
Pulgarcito
Très modéré
  • III. Laideronnette, Impératrice des pagodes
Niñita fea, Emperatriz de las Pagodas
Mouvt de Marche
  • IV. Les entretiens de la Belle et de la Bête
Conversación de la Bella y la Bestia
Mouvt de Valse très modéré
  • V. Le jardin féerique
El Jardín encantado
Lent et grave

En 1911, Ravel orquestó la obra. En 1912 la amplió a un ballet añadiendo nuevos movimientos e interludios: “Prélude” (Preludio) y “Danse du rouet et scène” (Escena y Danza de la rueca).

En varias de las partituras, Ravel incluyó notas para indicar claramente lo que pretendía evocar.

La Bella Durmiente y Pulgarcito se basaron en fábulas de Charles Perrault, mientras que La Niñita fea, Emperatriz de las Pagodas se inspiró en una historia de la “rival” de Perrault, Marie-Catherine, Condesa de Aulnoy. En este movimiento, Ravel aprovecha la escala pentatónica. La Bella y la Bestia está basada en la versión de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. El origen de El Jardín de las Hadas se desconoce. El “Mouvement de Marche” de La Niñita fea usa la armonía de cuartos.

Las partes Preludio y danza de  la rueca agregadas en la versión para Ballet:

 

 

 

 

 

 

Fuente Wikipedia y blog Musica para niños. Videos de Youtube.

 

Igor Stravinsky : El pájaro de fuego

L’Oiseau de feu (El pájaro de fuego, en ruso Жар-птица) es un ballet de 1910 de Ígor Stravinski basado en historias folclóricas rusas sobre el ave mágica de brillo intenso (el Zhar-Ptitsa o Pájaro de fuego) que es tanto una bendición como una maldición para su captor.

La música fue estrenada como un ballet con los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev, la primera de sus producciones con música especialmente compuesta para ellos. Originalmente la música iba a ser escrita por el compositor ruso Anatoli Liádov (1855-1914); pero debido a su demora para comenzar la obra, Diáguilev transfirió la comisión al joven Stravinski de 28 años. El ballet tiene un significado histórico, no sólo como la revelación del compositor (“Fíjate en él”, dijo Diáguilev a Tamara Karsávina, quien danzaba el rol principal: “Es un hombre en vísperas de la celebridad…”), sino también por el inicio de la colaboración entre Diáguilev y Stravinski que también produciríanPetrushka y La consagración de la primavera.

El papel del pájaro fue ofrecido a Anna Pávlova, pero como ella lo rechazó, fue interpretado en su estreno por Tamara Karsávina, quien llevaría a escena la coreografía original de Michel Fokine.

Su argumento, propio de un cuento de niños, es el siguiente: El príncipe Iván, que ha salido a cazar por la noche, se adentra sin saberlo en el jardín encantado del malvado Kaschéi el Inmortal. De repente, se le aparece un pájaro de resplandeciente plumaje que revolotea entre los árboles. Iván lo persigue y consigue capturarlo, pero, conmovido por las súplicas que éste le dirige, le concede la libertad, obteniendo a cambio una de sus plumas. Poco después, el príncipe descubre a un grupo de trece princesas que juegan lanzándose manzanas de oro que arrancan de un árbol del jardín. El joven se les acerca y queda enseguida prendado de la princesa más hermosa, quien, a su vez, le corresponde. Al amanecer, los monstruos servidores de Kaschéi hacen prisionero al joven Iván, al que el brujo quiere convertir en piedra. Cuando está a punto de conseguirlo, el príncipe llama en su ayuda al pájaro de fuego, agitando la pluma que éste le ha dado. El pájaro acude y hechiza al séquito del brujo. Sin embargo, pronto los monstruos se recobran y se lanzan a una danza infernal que los deja exhaustos. El pájaro interviene de nuevo y, tras dormir a Kaschéi con un dulce berceuse, revela al príncipe que el malvado brujo tiene escondida su alma dentro de un huevo. Kaschéi despierta, pero Iván se ha apoderado del huevo y lo estrella contra el suelo. El brujo y todo su séquito desaparecen para siempre. Con el despertar de los caballeros petrificados, el príncipe y la princesa celebran su boda.

Fuente: Wikipedia

La angelical belleza de Mahler

 

La angelical  música de Mahler floreció en manos del Maestro Abbado y la excelente mezzo-soprano Magdalena Kozena en el concierto de Lucerne de 2009.

Para los amantes del compositor y para quienes lo estamos conociendo va este video de infinita belleza que reúne su cuarta sinfonía y los Rückert lieder.

Sobre la 4º sinfonía:

“Su composición llevó bastante tiempo: el cuarto movimiento Das himmlische Leben (la Vida Celestial) se retoma del quinto lied del Des Knaben Wunderhorn escrito en 1892. Este movimiento debía formar parte, en un principio, de la tercera sinfonía (siendo este un séptimo movimiento que luego fue suprimido). Mahler decidió, entonces, hacer de este el final de su cuarta sinfonía y concibió los tres primeros movimientos en función del que ya tenía. Su composición comenzó durante las vacaciones del verano de 1899, tomadas tras dos años de trabajo continuo como director de la ópera de Viena, lo que le había impedido componer hasta entonces. Reemprendió la composición en el verano de 1900, concluyendo la partitura en tres semanas.

El estreno de la obra, bajo la dirección del compositor, tuvo lugar en Múnich el 25 de noviembre de 1901, con la Orquesta Kaim (predecesora de la actual Filarmónica de Múnich) y la soprano Margarete Michalek, con relativamente poco éxito.

En octubre de 1904 la sinfonía se estrenó en Ámsterdam, con la Orquesta del Concertgebouw. Según las memorias de Alma Mahler, esa noche la sinfonía se interpretó dos veces, una dirigida por Mahler y otra por el director del Concertgebouw, Willem Mengelberg. En los dos años siguientes, la sinfonía se interpretó en Estados Unidos y en Gran Bretaña”.

https://theeuterpemusesite.wordpress.com/2015/08/24/ich-bin-der-welt-abhanden-gekommen-he-abandonado-el-mundo/

Fuente: wikipedia, youtube

Entrevista a Atahualpa Yupanqui

 

Sin mucho que agregar compartimos la entrevista realizada en el programa de RTE  “A fondo” en 1977, al gran artista, poeta y músico Don Héctor Roberto Chavero; mejor conocido como Atahualpa Yupanqui  (Pergamino, Argentina, 31 de enero de 1908 – Nîmes, Francia, 23 de mayo de 1992.

Para disfrutar…