Stephen Sondheim, Move on, de Sunday in the park with George

Sondheim, The birthday concert, “Move on” de “Sunday in the park with george”. Mandy Patinkin y Bernardette Peters

El compositor de musicales Stephen Sondheim  se involucró en la creación de “Sunday in the park with George” gracias a James Lepine. La historia se basa en la vida del pintor francés George Seurat, fundador del neoimpresionismo y en la  creación de su obra maestra “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”.

El argumento del musical fantasea con las vidas de los personajes que aparecen en el cuadro, un grupo de gente trabajadora relajada en el parque en su día de descanso.
Georges_Seurat_-_Un_dimanche_après-midi_à_l'Île_de_la_Grande_Jatte

Es importante destacar que el pintor,innovo el mundo artístico con su técnica denominada “puntillismo”, consistente en pintar a base de una sucesión de puntos y no pinceladas, combinando los colores y la luz para que en la retina del ojo humano, a cierta distancia ofreciese el efecto de la imagen buscada.

El musical con el nombre de “Sunday in the park with George” contó con Mandy Patinkin y Bernadette Peters que dieron vida al pintor y su modelo Dot (punto) que es a la vez amante y madre de su hijo. La primera muestra de la obra se ofreció en Julio de 1983, en un taller de teatro abierto al público, cuando todavía  sólo se representaba el primer acto y se continuaba trabajando con la escritura del segundo, no pudiendo representarse completa más que en las tres últimas, de las veinticinco funciones que se dieron en dicho taller.

El musical muestra la relación de George, el pintor, un trabajador obsesivo que vive solo para su arte con Dot, la modelo que ocupa la figura central con una sombrilla, está posando en su estudio queriendo captar su atención, ya que es su amante y se siente ignorada.

Seurat vive en el mundo de sus colores y su lienzo, encerrado en su estudio del que solo sale para tomar apuntes del natural. Dot le dice que se va a marchar a América con Louie el panadero que la pretende, aunque reconocerá al niño que está esperando como hijo de George si éste se casa con ella. Seurat la deja partir, interesado en la composición de su cuadro, hasta que consigue que tome vida en el final del primer acto, que se cierra con el emotivo tema coral “Sunday”.

El segundo acto ocurre cien años más tarde. George, nieto de la hija de Seurat y Dot  va a presentar una máquina que proyecta luz y color, creada por él en el museo de arte de Nueva York.

El gobierno francés invita a George a llevar su máquina a la isla en la que fue creado el cuadro original. George acude solo, ya que su abuela ha muerto, aunque lleva consigo el libro que ella la regaló. El joven George descubre unas palabras escritas en la última página del libro, que pertenecieron al pintor al enfrentarse al lienzo al principio de la obra: “Blanco, una página vacía o un lienzo en blanco con posibilidades infinitas”.

El estreno en Broadway tuvo lugar el 2 de Mayo de 1984, con Patinkin y Peters de protagonistas y bajo la dirección de James Lapine, recibiendo críticas diversas por parte de la prensa, y que contra todo pronóstico, se mantuvo en cartel durante 604 representaciones.

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An american tail, James Horner

 

Hace tres años, en 2015 fallecía en un accidente de aviación uno de los compositores más extraordinarios de la historia de la música:  James Roy Horner (nacido el 14 de agosto de 1953).

James-horner-07.jpgHorner fue un compositor, director y orquestador estadounidense de bandas de cine, que escribió más de 100 obras. Era conocido por la integración de elementos corales y electrónicos, y por su uso frecuente de motivos asociados a la música celta.

La primera partitura importante de Horner fue en 1979 para “The Lady in Red”, pero no surgió como un eminente compositor cinematográfico hasta su trabajo en la película de 1982 “Star Trek II: The Wrath of Khan”. Su composición para “Titanic” de James Cameron es la banda sonora de películas más vendida de todos los tiempos. También escribió para la película que más recaudó de todos los tiempos, “Avatar” de James Cameron.

Horner colaboró ​​en múltiples proyectos con directores como Don Bluth, James Cameron, Joe Johnston, Walter Hill y Ron Howard.

 

 

También colaboró con productores como George Lucas, David Kirschner, Jon Landau, Brian Grazer y Steven Spielberg; y compositores como Will Jennings, Barry Mann y Cynthia Weil. Ganó dos Premios de la Academia, dos Globos de Oro, tres Premios Satélite y tres Premios Saturn, y fue nominado para tres Premios de la Academia Británica de Cine.

 

Horner, que era un ávido piloto, que falleció a la edad de 61 años al volar su avión de turbo hélice Short Tucano en un accidente de fatalidad única.

 

 

En honor a tan admirado compositor compartimos en este post la banda sonora de “An American Tail” la película animada de Don Bluth ( 1986)  conocida en América Latina como “Faivel, un cuento americano”.

 

 

 

 

Ver pelicula completa “Faivel un cuento americano”:

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http://www.siestrenos.com/fievel-y-el-nuevo-mundo

Julie Andrews, más viva que nunca

 

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En los últimos días un rumor sobre el fallecimiento de la estrella nos acongojó a tod@s, pero esta  noticia por suerte es falsa. Así que, qué mejor ocasión para homenajearla recordando su brillante carrera, en vida.

Va este post con la mayor admiración y cariño para la gran Julie Andrews… más viva que nunca.

Nacida en Surrey, el 1 de octubre de 1935 y fallecida hoy 5 de marzo de 2018. Su nombre completo Era Julia Elizabeth “Julie” Andrews Artista completa y talentosisima: actriz cantante y bailarina  conocida especialmente por sus papeles en películas como Mary Poppins (1964), The Sound of Music (1965) Victor Victoria (1982) y The Diaries Princess  (2001), entre otros.

 

 

Julia Elizabeth Wells, (Julie Andrews) nació en Walton-on-Thames, en el condado de Surrey, sus padres eran un  maestro y una pianista, que luego de un tiempo se divorciaron. Su madre se volvió a casar con un actor, Ted Andrews, y a la pequeña Julie le cambiaron el apellido de Wells a Andrews. Ya desde muy joven, la pequeña Julie dio muestra de su talento y de una gran voz, llegando a tener un rango vocal de entre cuatro y cinco octavas, por lo que sus padres hicieron que recibiera clases de canto para que desarrollara sus habilidades vocales. Su primer contacto con la industria del espectáculo se dio con sus padres en un show de vaudeville.

 

Escena de Victor Victoria (1982)

Sus primeras actuaciones tuvieron lugar durante la Segunda Guerra Mundial, entreteniendo a las tropas británicas por todo el Reino Unido junto a  Petula Clark.

Su primera actuación en teatro fue en 1947, en el London Hippodrome de Londres,  con la obra Starlight roof y su debut en Estados Unidos se produjo en 1954, en la producción de Broadway The Boy friend.

En 1956, los compositores Frederick Loewe y Alan Jay Lerner contratan a Andrews para que protagonizara, junto a Rex Harrison, la obra de teatro My fair lady, basada en la obra Pygmalion de George Bernard Shaw. Esta obra fue un éxito tanto de taquilla como de público, y años después fue llevada al cine, esta vez protagonizada por Audrey Hepburn.

En 1961, los mismos productores vuelven a contratar a Julie Andrews para que protagonizara su nueva obra teatral. Esta vez se trata de una adaptación de la leyenda del Rey Arturo, a la que llaman Camelot. La representación vuelve a ser un éxito y empieza a dar fama a la actriz dentro del mundo artístico.

 

Maty Poppins (1964)

Después de perder el papel en la versión cinematográfica de My fair lady, Julie Andrews consigue el papel protagonista en una la película que sería en un clásico de Disney: Mary Poppins. Con esta película, en la que interpreta a una niñera muy especial cuyo trabajo es educar a los dos hijos de un matrimonio londinense, la actriz ganó el Óscar a la mejor actriz y el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical, y junto a los otros protagonistas de la película, el Grammy al mejor álbum para niños en 1965.

 

 

 

 

 

The sound of music (1965)

Al año siguiente, la actriz volvió a ser candidata al Óscar a la mejor actriz, esta vez por su interpretación de una novicia convertida en institutriz en la película The Sound of Music (conocida en América Latina como La novicia rebelde y en España como Sonrisas y lágrimas).

 

 

 

 

 

Entre otros filmes protagonizó Star! y Darling Lili, y apareció en algunas películas dirigidas por su segundo marido, Blake Edwards, como 10, la mujer perfecta(S.O.B.) Sois honrados bandidos y Victor Victoria (película que fue un gran éxito y le dio un Globo de Oro a la mejor actriz de comedia/musical, y una nueva nominación al Premio Óscar en 1982, y para muchos fue su mejor actuación.

 

Victor Victoria

 

 

 

El 23 de agosto de 1986, Julie Andrews fue invitada por el tenor español Plácido Domingo, a su concierto Plácido y sus amigos en el Amphitheater de los Ángeles, para recaudar fondos por el terremoto de México de 1985, junto a Frank Sinatra, John Denver y el grupo Pandora de México.

 

 

 

En los años ochenta y noventa casi no apareció en películas.

Julie Andrews en 2003.

En una entrevista a la revista Selecciones del Reader’s Digest, la actriz comentó que no volvía a los escenarios para cantar debido a que en 1998 fue operada de una enfermedad en la laringe. En 2000 recibió el título de dama comendadora de la Excelentísima Orden del Imperio Británico de manos de la reina Isabel II del Reino Unido. Además, posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

 

Con el cambio de siglo, la actriz protagonizó junto a Anne Hathaway la película The Princess Diaries (2001) y su secuela.

 

Las películas se convirtieron en grandes éxitos de taquilla y volvieron a lanzar la carrera de Andrews. Así, en 2004 prestó su voz para el personaje de la reina Lillian en la película Shrek 2, secuela del gran éxito comercial de 2001.

 

 

El 16 de diciembre de 2010 falleció su esposo Blake Edwards a los 88 años de edad.

 

 

 

 

 

Fuente: Wikipedia

La damoiselle elue, Debussy

La Damoiselle élue (La dama elegida), es una cantata para dos solistas, coro femenino y orquesta, compuesta por Claude Debussy entre 1887-1889. La obra está basada en un texto de Dante Gabriel Rossetti y su estreno tuvo lugar en París, en 1893.

Claude Debussy estaba interesado en el movimiento simbolista y más tarde se inspiró en un poema de Stéphane Mallarmé para su Prélude à l’après-midi d’un faune (1894). Leyendo una antología de poesía inglesa traducida por Gabriel Sarrazin, “Poètes modernes d’Angleterre” (1883) le dio a Debussy la idea de componer una cantata sobre el poema “La dama elegida” (1850) del poeta y pintor prerrafaelista Dante Gabriel Rossetti .

Debussy probablemente no había visto la pintura de Rossetti del mismo título, sino otras ilustraciones prerrafaelitas con un enfoque en “un nuevo tipo de belleza femenina”. El compositor completó la pieza en 1889.  En una carta a André Poniatowski del 9 de septiembre de 1892, le confió que había querido componer “un pequeño oratorio en una pequeña nota mística pagana”. Debussy envió su partitura a la Académie des Beaux-arts como entrada para el Prix de Rome.  El trabajo está dedicado al compositor Paul Dukas y la partitura para voz y piano se publicó en 1892. La Damoiselle élue pertenece a la misma época de composición que Cinq poèmes de Charles Baudelaire, cuando Debussy fue influenciado por la música de Richard Wagner. El compositor decidió distanciarse de esta influencia musical, permaneciendo fiel a la literatura simbolista, al componer su ópera Pelléas et Mélisande en la década de 1890.

La Damoiselle élue se estrenó en París en la sociedad nacional de música el 8 de abril de 1893º, cantada por Julia y Thérèse Robert, y dirigida por Jean Gabriel-Marie. Fue el primero de los trabajos de Debussy para orquesta que se interpretó.  El estreno fue un éxito, y el crítico musical Pierre Lalo escribió en Le Temps: “Tal es la gracia y la delicadeza de su gusto que todas sus audacias son bienvenidas” (“telles sont la grâce et la délicatesse de son goût que toutes ses audaces sont heureuses “).  Algunos críticos, sin embargo, reprocharon la obra como “muy sensual y decadente” (“très sensuelle et décadente”).  Debussy revisó su orquestación para la pieza en 1902. 

 

La Damoiselle élue s’appuyait sur la barrière d’or du ciel

(La dama elegida (bendecida) se apoyó en la barrera dorada del cielo).

Du haut du paradis, une jeune fille se lamente sur l’absence de son amant. Sur Terre, ce dernier croit sentir sa présence

(Desde las alturas del paraíso, una joven lamenta la ausencia de su amante. En la Tierra, este último cree que siente su presencia).

 

Música y películas: Yentl

Yentl es una hermosa película musical estadounidense dirigida, protagonizada y coproducida por Barbra Streisand, que se estrenó el 18 de noviembre de 1983.

Está basada en la obra teatral homónima de Leah Napolin e Isaac Bashevis Singer, que a su vez se basa en el cuento de Singer Yentl the yeshiva boy (Yentl, el chico de la Yeshivá).

La música y las canciones del musical fueron compuestas por Michel Legrand, debiendo gran parte de su éxito a canciones memorables como “Papa, can you hear me?” y “The way he makes me feel”, ambas interpretadas por Streisand.

 

Las letras de las canciones de la banda sonora fueron escritas por

Alan y Marilyn Bergman. Las canciones son las siguientes:

  • Where is it written? (¿Dónde está escrito?) – interpretada por Yentl
  • Papa, can you hear me? (Papá, ¿puedes oírme?) – Yentl
  • This is one of those moments (Éste es uno de esos momentos) – Yentl
  • No wonder (Sin duda??) – Yentl
  • The way he makes me feel (El modo en que él me hace sentir) – Yentl
  • Tomorrow night (Mañana por la noche) – Yentl
  • Will someone ever look at me that way? (¿Alguna vez alguien me mirará así?) – Yentl y Hadass
  • No matter what happens (No importa lo que pase) – Yentl
  • A piece of sky (Un pedazo de cielo) – Yentl

Yentl es una muchacha judía que vive con su anciano padre, el rabino de un pueblo en la Europa Oriental de principios del siglo XX.​ Yentl está muy interesada en los estudios pero en su época la educación superior está prohibida a las mujeres, aunque su padre le permite estudiar a escondidas.

Cuando su padre muere repentinamente Yentl tiene la ocurrencia de  vestirse como hombre parapoder estudiar en una escuela talmúdica.

 

 

En su camino encuentra a un grupo de estudiantes y uno de ellos Avigdor, se convierte en su amigo y protector. Yentl se siente feliz en el ambiente académico y sobre todo disfruta de las interminables discusiones conAvigdor, de quien empieza a enamorarse. Pero el estar fingiendo , no puede expresarle sus sentimientos. Por su parte Avigdor está enamorado de su prometida, Hadass, pero la tragedia aleja a la pareja cuando la familia de Hadass descubre que el hermano de Avigdor se había suicidado, por lo que cancelan la boda por considerar marcada a la familia de Avigdor.

 

 

Avigdor se siente desolado y le pide a su amigo Anshel (Yentl) que vaya a consolar a su amada Hadass. A sus padres, que están deseosos de casarla inmediatamente, se les ocurre que Anshel es un buen partido, e incluso a Avigdor le parece una buena idea, ya que dice que si no puede ser para él, casándose con su mejor amigo no la perderá del todo.

 

 

A partir de alli los hechos se suceden en una forma que Anshel (Yentl) no puede controlar pero que finalmente permitiran que encuentre su sueño de vivir y estudiar con  libertad.

 

 

 

 

El castillo ambulante

El castillo ambulante

 

Compartimos algunos temas de la banda sonora de Howls moving castle. Una de las más bellas películas animadas de la historia y del mundo. Creación de Estudio Ghibli, del director Hayao Miyazaki y con bellisima música de Joe Hisahishi. Basada en la novela  El castillo ambulante (título original: Howl’s Moving Castle) de la autora británica Diana Wynne Jones.

El castillo ambulante es una novela fantástica publicada por primera vez en 1986. En 1990 se publicó una secuela, titulada Castle in the Air. Una segunda secuela, House of Many Ways apareció en junio de 2008.

The boy who drank stars (cave of mind)

En 2004 se estrenó  la película de animación que adaptaba la novela,  que fue nominada a los Oscar.

Pelicula completa

 

https://ok.ru/video/41319795297

 

Luciano Pavarotti, el amor hecho voz

 

A vucchella – Francesco Paolo Tosti// Gabriele D’Annunzio.

Sì, comm’a nu sciorillo
tu tiene na vucchella
nu poco pocorillo appassuliatella.

Meh, dammillo, dammillo,
– è comm’a na rusella –
dammillo nu vasillo,
dammillo, Cannetella!

Dammillo e pigliatillo,
nu vaso piccerillo
comm’a chesta vucchella,
che pare na rusella
nu poco pocorillo appassuliatella.

Si tu tiene na vucchella
nu poco pocorillo appassuliatella

 

Luciano Pavarotti Venturi hubiera cumplido años ayer (Nació en Módena, el 12 de octubre de 1935) pero por desgracia para nosotros y alegria para el universo  Luciano partió en Modena el 6 de septiembre de 2007.

Pavarotti fue el tenor lírico italiano más reconocido de las últimas decadas y uno de los cantantes contemporáneos más famosos de los últimos siglos, tanto en el mundo de la ópera como en otros  géneros musicales, uno de los mejores de todos los tiempos.

 

Fue muy conocido por sus conciertos televisados y como uno de Los Tres Tenores, junto con Plácido Domingo y José Carreras. Reconocido por su filantropía, reunió dinero para refugiados y para la Cruz Roja, y fue premiado en varias ocasiones por ello.

 

Sus inicios

Nacido el 12 de octubre de 1935 en las afueras de Módena, Luciano era hijo de Fernando Pavarotti (1912-2002), panadero y tenor aficionado, y de Adele Venturi (1915-1999), quien era trabajadora en una fábrica cigarrera. Su padre estimuló a Luciano para que empezara los estudios en el mundo del canto lírico. Aunque Luciano hablaba con cariño de su infancia vivió ciertas penurias ya que su familia tenía escasos recursos económicos.

Según Luciano,su padre tenía una fina voz de tenor, pero rechazó la posibilidad de dedicarse a la carrera de cantante debido a sus nervios. La Segunda Guerra Mundial forzó a la familia a salir de la ciudad en 1943 y al año siguiente tuvieron que alquilar una habitación a un granjero en la campiña cercana, donde el joven Luciano desarrolló interés por la agricultura.

 

Sus primeras influencias musicales provinieron de las grabaciones que poseía su padre, la mayoría de tenores populares de la época como Beniamino Gigli, Giovanni Martinelli, Tito Schipa y Enrico Caruso. Sin embargo, el ídolo de Luciano era el tenor Giuseppe Di Stefano. Cerca de los nueve años comenzó a cantar con su padre en el coro de una pequeña iglesia local. También en su juventud tomó algunas clases de canto con el profesor Dond y su esposa.

Primeras apariciones

Después de una niñez normal con un típico interés por los deportes (en su caso, el fútbol sobre todo), Luciano se graduó en la Scuola Magistrale. Tras ello tuvo dudas en seguir el magisterio, porque también soñaba con ser arquero de fútbol profesional. Su madre lo convenció para que siguiera de maestro. Ejerció entonces en una escuela primaria durante dos años, pero finalmente lo arrastró su interés por la música. No sin reservas, su padre consintió en que desarrollara su nueva vocación: acordaron que recibiría manutención hasta los 30 años y que, si no triunfaba a esa edad, se ganaría el sustento por sus propios medios.

Sus mentores en el arte del bel canto fueron Arrigo Pola y Ettore Campogalliani. Sus primeras apariciones públicas como cantante fueron en el coro del Teatro de la Comuna, en Módena, y más tarde en La Coral de Gioacchino Rossini, donde demostró su talento. Debutó el 29 de abril de 1961 como Rodolfo en La Bohème, de Puccini, en el teatro de ópera de Reggio Emilia.

 

 

Consagración

Pavarotti con Joan Sutherland en 1976.

El papel de Rodolfo le dió grandes satisfacciones; fué su carta de presentación y lo grabó junto a su coterránea Mirella Freni, dirigido por Herbert von Karajan, lo cantó en La Scala, dirigido por el célebre Carlos Kleiber en 1979, y en la primera retransmisión televisiva nacional en 1977 desde ese teatro, acompañado por la soprano italiana Renata Scotto.

La consagración absoluta llegó con Tonio, de la ópera La hija del regimiento, de Gaetano Donizetti, junto a la soprano australiana Joan Sutherland, con su difícil aria de nueve notas do de pecho que le hizo merecedor de la portada del The New York Times. En la celebración del centenario del teatro en 1983 cantó el dúo de Un ballo in maschera con la soprano estadounidense Leontyne Price.

 

 

 

Entre 1968 y el 13 de marzo de 2004, su última aparición en la sala, totalizó 382 funciones metropolitanas.

Con el equipo que formó con Joan Sutherland y la mezzosoprano Marilyn Horne se realizaron las grabaciones que lo muestran en su mejor momento vocal, en especial Lucia di Lammermoor, La fille du régiment, La Traviata, Il Trovatore, Rigoletto, L’elisir d’amore, I Puritani, La sonnambula, Maria Stuarda, Beatrice di Tenda y Turandot (dirigido por Zubin Mehta) donde se le oye por primera vez cantar Nessun dorma, aria que popularizaría inmensamente.

El célebre director austríaco Herbert von Karajan solicitó sus servicios para las grabaciones integrales de La Boheme, Madame Butterfly y un legendario Réquiem de Verdi desde La Scala junto a Fiorenza Cossotto, Leontyne Price y Nicolai Ghiaurov. También trabajó y grabó con el húngaro Georg Solti en el mismo Requiem de Verdi, Un ballo in maschera, el pequeño papel de el tenor italiano en El caballero de la rosa de Strauss y en versión de concierto el rol más temido para un tenor dramático, Otello. Pavarotti, esencialmente un tenor lírico, muy esporádicamente cantó papeles de la cuerda dramática para preservar la flexibilidad y frescura de su voz dotada de gran facilidad para los agudos.

Tampoco fue proclive a añadir nuevos papeles ni a aprender otros del repertorio francés o alemán que se avenían a su magnífico timbre de tenor. No obstante, en 1982 tuvo un gran triunfo en el Metropolitan Opera como Idomeneo de Mozart, papel que había cantado en el famoso Festival de Glyndebourne en 1964.

El 2 de junio de 1988 le nombran Cavaliere di Gran Croce Ordine al Merito della Repubblica Italiana.​

Las actuaciones más comentadas a nivel internacional del gran tenor italiano fueron las que realizó con los españoles Plácido Domingo y José Carreras, con quienes formó el trío Los Tres Tenores (The Three Tenors).

En su acercamiento a la música popular, Pavarotti grabó duetos con Eros Ramazzotti, Sting, Andrea Bocelli, Celine Dion, Liza Minnelli, Elton John, Tracy Chapman, Frank Sinatra (“My Way”), Michael Jackson, Barry White, e inéditamente con el brasileño Caetano Veloso, la argentina Mercedes Sosa y el grupo de rock irlandés U2. Un dueto con Sarah Brightman nunca se pudo concretar, aunque siempre fue deseado por los dos artistas.

 

Durante varios años seguidos a partir de 1991 Pavarotti respondió al llamado de la organización War Child, para recaudar fondos para la construcción de un centro de musicoterapia en Mostar. De esta forma, se organizaron anualmente conciertos en Módena bajo el título Luciano Pavarotti & friends, donde además participaban otras personalidades de la música internacional, como Anastacia, Mónica Naranjo, Bryan Adams, Bon Jovi, Queen, U2, Dolores O’Riordan, Simon Le Bon, Deep Purple, Stevie Wonder, Céline Dion, Natalie Cole o Vanessa Williams entre otros artistas de pop y rock .

En 2001 Universal editó un compilado de grandes éxitos titulado “Amore: The Essential Romantic Collection”.

Pavarotti fue muy solicitado en teatros de todo el mundo hasta su retiro en la Ópera Metropolitana de Nueva York el 13 de marzo de 2004 donde interpretó el papel del pintor Mario Cavaradossi en la ópera Tosca, de Giacomo Puccini, al lado de Carol Vaness.

En mayo de 2004 en vísperas de su cumpleaños número 70 el tenor anunció La gira del adiós compuesto por cuarenta conciertos en todo el mundo, para despedirse de los fieles seguidores de su canto. Pese a este retiro, en febrero de 2006 cantó el aria Nessun dorma de Turandot, de Giacomo Puccini, como cierre a la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2006 en el estadio Olímpico de Turín.

En su vida personal Luciano Pavarotti fue un gran aficionado al fútbol, la pintura y los caballos. Unió su destino, durante treinta y cuatro años, con Adua Verona, con quien tuvo tres niñas: Lorenza, Cristina y Giuliana, pero el 13 de diciembre de 2003 se casó en segundas nupcias con su asistente Nicoletta Mantovani, treinta años menor que él, y con ella tuvo a sus dos hijos menores: Alice y Ricardo, este último fallecido al poco de nacer.

Últimos días

La gira del adiós fue suspendida debido a una intervención en la espalda a principios de 2006, y cuando se preparaba para partir de Nueva York a reanudar su gira mundial de despedida, se le descubrió un tumor maligno en el páncreas. Fue operado en un hospital de Nueva York el 7 de julio de 2006 y todos sus conciertos fueron cancelados debido a su muy delicado estado de salud, causado por una neumonía en el postoperatorio. El 8 de agosto de 2007 fue hospitalizado víctima de un estado febril y de complicaciones respiratorias. Abandonó la clínica el 25 de agosto para continuar la convalecencia en su hogar.

El 6 de septiembre de 2007, falleció en su hogar a causa de cáncer de páncreas.

La ceremonia fúnebre se celebró en su ciudad natal, estando presentes el primer ministro italiano Romano Prodi, el ministro de Cultura Francesco Rutelli, el director de cine italiano Franco Zeffirelli y el ex secretario general de las Naciones Unidas Kofi Annan.

La entrada de la misa estuvo acompañada por la soprano búlgara Raina Kabaivanska, que cantó el Ave María del Otello de Verdi. Durante el ofertorio, el flautista Andrea Griminelli tocó el tema del Orfeo y Eurídice, de Gluck.

El tenor fue sepultado en el cementerio Montale Rangone cerca de su villa, en las afueras de la ciudad, donde están enterrados sus padres y su hijo Ricardo, quien murió poco después de nacer en 2003.

El Gran Aplauso

El 24 de febrero de 1968, en el Palacio de la Ópera de Berlín, Pavarotti logró el que fue, durante mucho tiempo, el aplauso más largo de la historia. Interpretando la obra El elixir de amor, escrita por el compositor Gaetano Donizetti en 1832, el tenor consiguió enamorar al público, que recompensó su talento con un aplauso de 67 minutos, más de una hora a lo largo de la cual el cantante salió 165 veces a escena, acarreando con sus respectivas 165 subidas de telón, para agradecer al público su gran apoyo.

Este aplauso tan solo ha sido superado por Plácido Domingo en una de sus actuaciones en 1991.

 

Fuente: Wikipedia