Música de Cámara: Fattorello- Kletzel, en Plottier

 

El próximo viernes 29 de junio a las 20 hs. en la escuela de música de Plottier (M. de Justo y Milstein), se realizará el concierto de cámara de piano y cuerdas con los intérpretes neuquinos Barbara Kletzel (piano) y Marco Fattorello (violín /+sorpresa) con obras maestras del romanticismo ruso y alemán de compositores como Tchaicovsky y Schumann.

El concierto formará parte de los festejos por 15° aniversario de la escuela de música de Plottier, (Neuquén, Argentina). La entrada es libre y gratuita.

Los músicos:

Barbara Kletzel inició sus estudios piano con el maestro “Coco” Scarpello a los 7 años y los continuó en el IUPA de General Roca con los maestros Gabriela Guala y Ricardo Zanon. Obtuvo los títulos de Profesora Nacional en Educación Musical y Profesora Nacional de Piano.

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Marco Fatorello comenzó sus estudios de violín a los 11 años en la Escuela Superior de Música de Neuquén, se perfeccionó en nuestro país, en Suiza, Italia y en Alemania.

Actualmente integra la Orquesta Filarmónica de Río Negro, el Sexteto de Tango de la Filarmónica de Río Negro y la sinfónica de Neuquén y realiza conciertos de cámara junto a los pianistas Jonatan Vera y Barbara Kletzel.

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Stephen Sondheim, Move on, de Sunday in the park with George

Sondheim, The birthday concert, “Move on” de “Sunday in the park with george”. Mandy Patinkin y Bernardette Peters

El compositor de musicales Stephen Sondheim  se involucró en la creación de “Sunday in the park with George” gracias a James Lepine. La historia se basa en la vida del pintor francés George Seurat, fundador del neoimpresionismo y en la  creación de su obra maestra “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”.

El argumento del musical fantasea con las vidas de los personajes que aparecen en el cuadro, un grupo de gente trabajadora relajada en el parque en su día de descanso.
Georges_Seurat_-_Un_dimanche_après-midi_à_l'Île_de_la_Grande_Jatte

Es importante destacar que el pintor,innovo el mundo artístico con su técnica denominada “puntillismo”, consistente en pintar a base de una sucesión de puntos y no pinceladas, combinando los colores y la luz para que en la retina del ojo humano, a cierta distancia ofreciese el efecto de la imagen buscada.

El musical con el nombre de “Sunday in the park with George” contó con Mandy Patinkin y Bernadette Peters que dieron vida al pintor y su modelo Dot (punto) que es a la vez amante y madre de su hijo. La primera muestra de la obra se ofreció en Julio de 1983, en un taller de teatro abierto al público, cuando todavía  sólo se representaba el primer acto y se continuaba trabajando con la escritura del segundo, no pudiendo representarse completa más que en las tres últimas, de las veinticinco funciones que se dieron en dicho taller.

El musical muestra la relación de George, el pintor, un trabajador obsesivo que vive solo para su arte con Dot, la modelo que ocupa la figura central con una sombrilla, está posando en su estudio queriendo captar su atención, ya que es su amante y se siente ignorada.

Seurat vive en el mundo de sus colores y su lienzo, encerrado en su estudio del que solo sale para tomar apuntes del natural. Dot le dice que se va a marchar a América con Louie el panadero que la pretende, aunque reconocerá al niño que está esperando como hijo de George si éste se casa con ella. Seurat la deja partir, interesado en la composición de su cuadro, hasta que consigue que tome vida en el final del primer acto, que se cierra con el emotivo tema coral “Sunday”.

El segundo acto ocurre cien años más tarde. George, nieto de la hija de Seurat y Dot  va a presentar una máquina que proyecta luz y color, creada por él en el museo de arte de Nueva York.

El gobierno francés invita a George a llevar su máquina a la isla en la que fue creado el cuadro original. George acude solo, ya que su abuela ha muerto, aunque lleva consigo el libro que ella la regaló. El joven George descubre unas palabras escritas en la última página del libro, que pertenecieron al pintor al enfrentarse al lienzo al principio de la obra: “Blanco, una página vacía o un lienzo en blanco con posibilidades infinitas”.

El estreno en Broadway tuvo lugar el 2 de Mayo de 1984, con Patinkin y Peters de protagonistas y bajo la dirección de James Lapine, recibiendo críticas diversas por parte de la prensa, y que contra todo pronóstico, se mantuvo en cartel durante 604 representaciones.

Ricardo Bugallo: la sutileza y belleza de la viola

 

 

En ocasión de la visita, en mayo de 2018, del Ensamble Estación Buenos Aires a la ciudad de Neuquén y su maravilloso concierto en el cual participó además el excelente pianista Ralph Votapek, tuvimos la agradable posibilidad de charlar con el destacado violista argentino, Ricardo Bugallo.

Como amantes de la viola el encuentro generó gran entusiasmo por lo que desde nuestros sitio nos permitimos destacar -a pesar de lo magnífico del concierto entero- principalmente a la viola, Instrumento por el cual sentimos predilección. Por ello nos dimos el gusto y compartimos esta breve entrevista al intérprete con los amantes de la música y de ése instrumento.

Tanto el tremendo talento de Ralph Votapek como las bellísimas obras interpretadas por el ensamble especialmente “La oración del torero”, de Joaquin Turina conmovieron al público en general. Pero quizás, lo que particularmente más nos tocó, fue la delicada sutileza y a la vez presencia de la voz de la viola, ejecutada por Bugallo. Un intérprete que merece destacarse. Sus maestros de viola fueron Roberto Regio y José Bondar.

Ricardo comenzó de pequeño con el violín y luego pasó a la viola: “Mi casa era una familia de músicos y acompañé a mi papá a un concierto de violín le dije que me gustaba y la día siguiente tenía un violincito para estudiar. Luego de adolescente a los 14 cuando decidí que esto me gustaba e iba a dedicarme comencé con la viola”.

En relación a las escuelas de técnica (rusa, francesa o alemana) y a las diferencias o similitudes con el violín  Bugallo refirió: “La técnica es similar a la del violín. La escuela que tengo quizá sea una mezcla de todas ellas. Aunque mis maestros ambos estudiaron en Europa, en particular, no me considero un exponente fiel de alguna escuela técnica definida, sino más bien el resultado de lo que pude asimilar de las enseñanzas de mis grandes maestros que me aportaron cada uno su visión particular sobre la técnica instrumental.”

En el desarrollo del dialogo surgió el porqué del interés por el instrumento y quizás la respuesta, aún inacabada, esté en que ése amor por la viola emana de su autenticidad, de su imperfecta belleza y cercanía a la voz humana …. en todo su esplendor y tragedia.

En la actualidad el interés por el instrumento ha crecido sobre todo en el último siglo y en opinión de Bugallo se debe a que: “En esta época hay un resurgimiento de muchos buenos violistas; antes se la consideraba en relación al violín o al violoncelo como un instrumento secundario pero ha surgido una camada importante de violistas y además hay un repertorio importante  y muy bello de viola que antes no se tocaba y ahora se esta haciendo.”

“Esta época es buena para el instrumento” aseguró Bugallo,  a lo que agregamos: “También para que no nos hagan bulying” (risas)”.

 

 

 

 

Agradecemos a Ricardo Bugallo su tiempo.

Adiós Nonino, por Emilio Peroni y Marco Fattorello

Compartimos la interpretación realizada por los músicos neuquinos  Emilio Peroni y Marco Fattorello,  de la pieza de Astor Piazolla “Adiós Nonino”. La presentación tuvo lugar durante el verano de 2018.

Emilo Peroni, piano

En su carrera artística obtuvo diversos premios y becas en concursos nacionales argentinos e internacionales de piano y de música de cámara. Desde 2002 hasta 2014 fue contratado como acompañante y como docente de piano y música de cámara en la Escuela Superior de Música y Teatro de Rostock. Actualmente desempeña el cargo de Profesor de Piano y Música de Cámara en la Escuela Superior de Música de Neuquén. Peroni ejecuta un repertorio de piano solístico y de música de cámara extremadamente amplio. Realizó recitales enteros con música de Bach, Chopin, Schumann, Liszt, Mendelssohn, Debussy, de música contemporánea y de música nacional argentina. Su experiencia como músico de cámara lo llevó a completar más de 60 programas en diversas formaciones. Además sus improvisaciones de música popular argentina hicieron emocionar a los oyentes. Lo comprueban su interpretación solística en el piano y la trayectoria y creación del ensamble “Peroni Cuarteto Tango”. En Alemania integró el quinteto “Cantango Berlín” con el que difundió los clásicos temas de la música ciudadana argentina. Realiza conciertos en salas de Argentina, Filipinas, Kuwait y Europa. Además se presenta con orquestas como la Sinfónica Nacional Argentina, Sinfónica de Neuquén, de Rosario, de San Juan, de Berlín, Filarmónica de Rostock, entre otras. Realizó varias grabaciones de discos solísticos y camarísticos de las obras maestras más sobresalientes.

http://www.emilioperoni.com/

 

Marco Fattorello, Violín

Nacido en 1980 en Neuquén, comenzó sus estudios en la “Escuela Superior de Música de Neuquén”. Luego se perfeccionó con los profesores Esteban Prentky, Rafael Gintoli, Janos Morel, José Bondar y Esteban Raspo (Argentina). Continuó sus estudios en Lugano (Suiza) con el maestro Massimo Quarta en el “Conservatorio della Svizzera Italiana”. También realizó un master de violín barroco con el maestro Richard Gwilt en la “Hochschule für Musik und Tanz Köln” (Alemania). Se ha desempeñado como solista junto a la Camerata de la Universidad Nacional de Lanús, Camerata de Bahía Blanca, Sinfónica Juvenil de Hurlingham, Sinfónica de Neuquén y Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca. Ha integrado el Cuarteto UCA (Universidad Católica Argentina),  y la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca (concertino suplente). También ha integrado Duisburger Philharmoniker y la orquesta historicista “l’arte del mondo” (Alemania). Actualmente es miembro de la Orquesta Filarmónica de Río Negro, el Sexteto de Tango de dicha orquesta; es profesor de la cátedra de práctica orquestal en la Escuela Superior de Música de Neuquén y también forma parte de la Orquesta Sinfónica de Neuquén .

https://www.facebook.com/marcofattorelloviolinista

 

 

Jonatan Vera actuará en Gral. Roca

El destacado pianista neuquino Jonatan Vera se presentará el próximo o viernes 4 de mayo en el Auditorio del IUPA en General Roca, Rio Negro con entrada libre y gratuita.

Jonatan Vera, piano
Comenzó sus estudios pianísticos en el 2000 en el Alto Valle de Rio Negro y Neuquén con Sara Laserre, Manuel Decara y Ricardo Zanón sucesivamente. Desde 2006 hasta 2014 ha asistido a clases privadas y seminarios con el destacado pianista y pedagogo argentino Aldo Antognazzi. Desde 2011 cursa la Lic. en Piano en la Universidad Nacional de Cuyo donde ha trabajado sucesivamente con los profesores Hugo Cerúsico y Roberto Urbay. Está preparando su Tesina de graduación sobre obras contemporáneas para piano de compositores argentinos vivos. Además ha participado como alumno activo de master class y seminarios dictados por Daniel Rivera, Elena Bugallo, Emilio Peroni, Richard Bishop y Eva Arutunian.

Desde 2003 realiza presentaciones solo, en conjuntos de cámara y con orquesta en diversas ciudades y salas argentinas como: Hall de la Honorable Legislatura del Neuquén, Auditorio del Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén, Auditorio Fundación Cultural Patagonia de General Roca, Auditorio del Centro Atómico Bariloche, Biblioteca Popular de La Paz, Cine-Teatro U.N.Cuyo, Nave Universitaria en Mendoza, Teatro Municipal de Bahía Blanca, Centro Cultural de Necochea, entre otras.
Ha actuado como solista junto a la Orquesta Sinfónica de Neuquén (Haydn y Beethoven), Orquesta Sinfónica de la U.N.Cuyo (Beethoven y Grieg), Orquesta Sinfónica de Rio Negro (Grieg) y junto a los directores Fabrizio Danei, Andrés Tolcachir, Lucía Zicos y Francisco Nuñez Palacios.
En 2006 recibió el Premio Estímulo en el “1er Concurso Jóvenes Músicos Provincia del Neuquén”. En 2009 y 2012 ganó, por concurso, becas del “Fondo de becas del Mozarteum Argentino” para perfeccionarse por un año en Buenos Aires con el maestro Aldo Antognazzi. En 2011 y 2015 fue premiado en la “Selección de Jóvenes Solistas de la U.N.Cuyo”. En 2015 ganó el 2do Premio y el Premio al mejor ex alumno del I.U.P.A en el “1er Concurso de Jóvenes Intérpretes” organizado por Fundación Cultural Patagonia de General Roca.
En 2015 obtuvo una beca de la “Fundación de Arte La Paz” de Entre Rios y Aldo Antognazzi para grabar en Bs.As. los 2 Caprichos Op.34 de Muzio Clementi para el “Proyecto Clementi”.
Desde 2016 es pianista en la Escuela Superior de Música de Neuquén y desde 2017 en el Instituto Universitario Patagónico de Artes de Rio Negro.

Encuentro con el absoluto, Gustavo Santaolalla

En 1967, con 16 años, el músico argentino Gustavo Santaolalla comienza su carrera profesional y funda Arco Iris, una banda de rock y música tradicional. El grupo era parte de una comunidad de yoga guiada por Dana Winnycka y su compañero Ara Tokatlian. Su primer éxito, Blues de Dana, canción ganadora del Festival Beat de la Canción Internacional de Mar del Plata de 1970, estaba dedicado a ella de quien Gustavo estaba enamorado.

Dana, era trece años mayor que él e inspiró varias de sus canciones como ¿Quién es la chica? (1970). Sin embargo, los requisitos estrictos que ella imponía a la comunidad (prohibición de carne, alcohol, drogas, y especialmente el sexo), llevaron a la ruptura de la comunidad y de la banda en 1975.

 

 

Desde 1969, es amigo de León Gieco a quien le produjo el álbum De Ushuaia a La Quiaca y Pensar en nada. También mantiene una relación de amistad con Charly García.

En 1976 formó Soluna, donde tocó con Alejandro Lerner y su novia (por ese entonces) Mónica Campins. Juntos grabaron sólo un álbum (Energía Natural, con Charly García, Mauricio Veber y Rody Ziliani como invitados 1977).

Como consecuencia de la censura y las limitaciones artísticas en Argentina durante la dictadura militar, emigró en 1978 a Los Ángeles, California, ciudad que sería clave en su carrera (y donde reside hasta el día de hoy). Durante sus primeros tiempos en Estados Unidos, adopta un sonido más acorde a la música under de esos años, como el punk y el new wave y formó la banda Wet Picnic con quien sería en adelante su gran compañero de trabajo: el también argentino Aníbal Kerpel (ex Crucis). 

 

Ya en los noventa, Santaolalla se volvió un apellido clave durante la explosión del rock latino de aquel momento, siendo productor musical de importantes bandas y artistas del continente como Caifanes, Maldita Vecindad, Los Prisioneros, Café Tacuba, Divididos, Fobia, Molotov, Bersuit Vergarabat, Julieta Venegas, Juanes, Jorge Drexler, La Vela Puerca, Árbol, Puya, entre otros, cuyos discos producidos por él se han ganado un lugar dentro de los mejores del rock en español. Según cuenta el mismo Gustavo, todos los álbumes que ha producido han sido de músicos que han plasmado su identidad en las canciones y que han empujado los límites de lo convencional, y eso se relaciona con la búsqueda que él mismo ha hecho en la música.

 

 

En esa misma década publicó nuevas producciones en solitario: GAS (1995) y Ronroco (1998). Este último fue un disco instrumental, tocado principalmente con el instrumento andino que le da el título. Curiosamente, no se editó en Argentina. No obstante, Ronroco acabó  siendo  una producción elogiada por la crítica y un material de culto en la actualidad. Este material acercaría profesionalmente a Gustavo al mundo del cine, ya que el director Michael Mann decide incluir un tema de susodicho álbum para la banda sonora del filme The Insider.

A partir de ese momento, Santaoallla se dedicaría de lleno a la producción de bandas sonoras de películas como Amores Perros21 gramos o Diarios de motocicletaBrokeback Mountain por la cual ganó el Óscar en 2006.

 

En 2008, participó en el MTV Unplugged de Julieta Venegas, donde tocó el banjo en la canción «Algún día». Ya antes, en 1995, había participado en el Unplugged de Café Tacuba, como músico invitado en dos canciones.

Creó la banda sonora del videojuego The Last of Us, desarrollado por Naughty Dog de manera exclusiva para PlayStation 3.

El 8 de julio de 2014, dio a conocer su nueva producción: Camino, compuesto de 13 temas instrumentales -entre ellos The journey que ya venía presentando con anterioridad- y que, según palabras de su propio autor, es la continuación del álbum Ronroco. Desde el 2001 integra y es cofundador de Bajofondo.

 

 

 

Programa completo Encuentro en la cúpula con Gustavo Santaollalla:

 

 

 

Información obtenida de Wikipedia.

Videos extraídos de Youtube

Xavier Inchausti: la grandeza de lo real

Xavier Inchausti: la grandeza de lo real

 

Si alguien viera a éste gran hombre, notable artista, caminando por la calle sin conocer su profesión  (como ocurrió con el experimento realizado por el Washington Post con Joshua Bell) quizás no lo asociaría con uno de los instrumentos más difíciles de ejecutar: el violín. Es que Xavier Inchausti con su serena y apacible personalidad  dista mucho de esa arquetípica  imagen de “celebridad” del violín, que existía en épocas pasadas.

Y como pasa con todo lo real en el universo, que siempre nos sorprende, este joven hombre que consagró su vida al violín; con sus 27 años, logró destacarse entre los mejores violinistas de nuestro país, por su excelente nivel técnico y por las magistrales ejecuciones en sus conciertos como solista.

En ocasión del 70º aniversario de la Sinfónica Nacional, de la cual Inchausti es concertino hace tres años y de la visita de esa agrupación a la ciudad de Neuquén (donde los músicos dictaron másterclass), pudimos acceder a una extensa entrevista con el reconocido violinista en la que abordamos diversas cuestiones desde sus inicios, su formación y sus concepciones sobre la técnica y el `talento´; su presente en la Sinfónica Nacional, hasta el significado que tiene la música para el artista.

 

Xavier Inchausti siempre amó el violín y al preguntarle cómo se debe encarar una carrera musical tan compleja sugirió que todo lo que nos toque hacer sea hecho con amor. Tal vez gracias a este precepto tan humano el violinista logró un nivel de excelencia en su carrera que hoy tiene trascendencia internacional, pero seguramente y en mayor medida fueron su gran disciplina y perseverancia las pautas que le dieron el impulso para llegar a su  magnifico nivel  interpretativo.

Desde nuestro sitio le agradecemos profundamente el tiempo que nos prestó para compartir sus experiencias y trasmitirle a quienes lo lean su sabiduría.

 

¿Por qué y a qué edad elegiste tocar el violín? ¿Provenís de una familia de músicos?

El violín me gustaba desde chico, pero empecé con el piano a los 8, estudié un año. Mi papá es jubilado y tocó muchos años como solista de corno de la orquesta de Bahía Blanca y yo iba a ver todos los conciertos con mi mamá. Creo que tenía bastante afinidad con el violín.

Había algunos muchachos jóvenes que yo seguía como Franco Cipriani (Tedy) y su padre, que son amigos míos, los aprecio mucho. Franco creo que éra el más joven de la orquesta y yo  lo tomaba como un referente porque tocaba el violín y jugaba conmigo…. eso era cuando tenia 3, 4 años. Me gustaba el violín pero no tenía instrumento.

A los 9 años ya estaba decidido, escuchaba muchas grabaciones de violín y había visto un documental de Menuhin  que me gustó mucho. Ahí me compraron un violín de ¾ y comencé a estudiar con Sergio Lazaret que era el concertino en Bahía Blanca.

 

¿Cómo continuó tu formación?

Lazaret  estuvo casi cuatro años en Bahía Blanca y esos años estudié con él en forma particular. Luego él se fue a España, siempre estuvimos en contacto pero nos reencontramos diez años después cuando yo fui a estudiar a la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Ana Chumachenko, otra gran profesora que me ha dado muchísimo con quien estudié cuatro años. Luego de Lazaret estudie dos años con Fernando Hassaj quien era el concertino de la Camerata Bariloche y fue un violinista y músico que tuvo una influencia muy grande para todos los violinistas argentinos y latinoamericanos.

Luego estuve un año en Vienna en 2004,  tendría 14 años más o menos. Estudié con un profesor que se llamaba Mihail Fijeslado, él era presidente del concurso Kreisler profesor de la universidad de Vienna. Luego volví y comencé a estudiar con Rafael Gintoli que fue mi maestro durante cinco años muy productivos y también pude conocer a otros violinistas que eran referentes muy importantes.

 

 

Luego de tus viajes y formación en Europa ¿Notaste diferencia en la enseñanza del violín con nuestro país?

En Europa el entorno en general y ciertas concepciones musicales son muy distintas. Pero mi primer profesor me los había transmitido porque vivió más tiempo en  Europa que en Argentina. El vino en la época del uno a uno de Georgia, un país que tiene una gran tradición violinística y muchos grandes instrumentistas. También vivió  mucho tiempo en Italia y en Alemania  por lo que él tenía otra mentalidad. No sé cuanto pude haber asimilado en ese tiempo pero puede ser que por eso no noté tanta diferencia. Hassaj era también una persona muy formada , era un violinista de trayectoria internacional, había tenido una gran formación con Ljerko Spiller, un maestro que también había transitado muchos lugares del mundo y había estado en contacto con grandes músicos, compositores, violinistas, pianistas. En ese sentido creo que me dieron conocimientos y un régimen de estudio con el que no noté grandes diferencias cuando fui a Vienna por ejemplo. Si había algunos conceptos distintos pero creo que me habían dado los elementos como para poder adaptarme. Tal vez donde si note más el cambio fue con Ana Chumachenko. A ella yo la elegí especialmente como profesora y estoy agradecido que me haya aceptado en su cátedra el tiempo que estuve en Madrid. Ella es un profesora de primer nivel y tiene grandes alumnos que hacen carreras muy importantes y bueno creo que con ella sentí realmente un cambio. Me exprimió, si bien los profesores que tuve fueron excelentes y mi formación era buena fui con ella a perfeccionarme y realmente sentí una exigencia muy grande a la que no fue fácil adaptarme, no tanto porque me pidiera una cantidad de horas determinada, yo ya estaba formado en eso pero ella realmente creo que va más allá.

 

¿En qué sentido va más allá?

Todos mi profesores van a coincidir…. ella es una de las más grandes maestras de violín, eso va un poco más allá del lugar donde estés. Yo he tenido la posibilidad de trabajar con grandes maestros con distintas formas de trabajo. Hay algunos que son más concretos en determinadas cosas, pero ella creo que logra hacer un trabajo más profundo y extraer cosas más personales. Su forma apunta a trabajar con los conceptos en las obras, con una gran profundidad y una gran entrega sobre todo. A veces era muy demandante y no me permitía tocar …(sin entrega). Ella notaba si yo realmente estaba, no sé cómo expresarlo ¡Hmm! si yo ponía el 100 por ciento de mi ser en eso ¿No? Por más que esté todo preparado y uno hiciera una versión correcta o buena aún así le molestaba si el compromiso no era del cien por ciento. Pero bueno. Esa era la forma en que ella vivía. Siempre la vi dando clases, estudiando, enseñando. Yo he visto gente con esa entrega tocando pero ella la tenia tocando y enseñando. La verdad es que fue una experiencia muy buena.

 

¿Tuviste otros maestros allá?

Si. También en España tuve la oportunidad de trabajar con otros grandes como Miriam Fried, Eschkenazy, Mauricio Fuks, Shlomo Mintz, Zukerman que son todos grandes maestros y violinistas creo que eso enriquece pero me parece que el trabajo fundamental es el trabajo con un profesor que uno elija y trabajar en profundidad. Yo creo que las masterclass son una cosa muy buena y a uno le abren la cabeza pero son un complemento, una cosa puntual y completan lo que es el  trabajo con el maestro que es el trabajo fundamental. Sí se puede trabajar con un maestro y ver resultados pero no se puede sólo tener masterclass y avanzar.

 

 ¿Dejaste muchas cosas en tu vida por el violín?

Si. Son decisiones personales. Yo sentí que necesitaba el cien por cien de mi tiempo para esto. Era mi sensación y  la seguí pero también depende mucho del carácter de la persona. Hay gente que por ahí si esta el cien por ciento del tiempo dedicada a una cosa no logra su mejor rendimiento y necesita hacer otras actividades. Creo que cada persona logra su mejor rendimiento de distintas formas, hoy en día eso está más abierto. Quizás en épocas pasadas se hacían las cosas de una sola manera  para algunos funcionaba. Hace muchos años, te estoy hablando por ejemplo a principios de 1.900 era distinto ¿No? Me refiero por ejemplo a gente que me ha venido a hablar después de conciertos y  me han dicho que por determinados maestros habían dañado su relación con la música. Y hoy en día se tiene se tiene más en cuenta la pedagogía.

 

 

¿Alguna vez sufriste maltrato con algún maestro?

No, la verdad que no, pero quizás porque como te decía estaba siempre al cien por cien pensando en el violín. Y para mí era importante siempre que lo que me digan me enriqueciera y para mi estaba bien. Y  creo también que si bien hoy en día está la ventaja de saber que cada persona trabaja de distinta manera, hay que darle crédito a los profesores y seguirlos por los menos un tiempo. En esta época se da esto de probar y si no te gusta algo, cambiar enseguida. Las cosas son muy inmediatas y a veces no se llega a hacer un verdadero trabajo con un profesor. Creo que por lo menos, hay que darle un plazo, no quiero poner números en tiempo, pero hay plazos que se tienen que cumplir por lo menos hasta que uno incorpora ciertas cosas y digamos que en un punto hay que seguir  con un profesor por un tiempo.

 

 ¿Cuál es la edad ideal para comenzar a estudiar violín?

Sinceramente no me siento calificado para responder eso. Es sabido que los niños son una esponja y captan las cosas muy fácil, pero creo que una persona grande también puede. Obviamente mediante un trabajo mucho más racional ¿No? Hay que tener en cuenta las desventajas de comenzar siendo más grande, quizás el cuerpo no es tan flexible, pero se puede flexibilizar totalmente.

Por otra parte yo creo que los chicos tienen menos pudor y  menos miedo tal vez a la hora de probar cosas y no se juzgan tanto. La gente grande a la hora de probar cosas gasta mas tiempo pensando ‘que es grande’ y si ‘va a poder tocar’ y en vez de pensar y poner la energía directamente en el trabajo y no cuestionar mucho. Yo creo que los cuestionamientos de si uno es grande o si tiene el talento no ayudan.

 

Y para vos ¿Qué es el talento?

Yo creo que el talento es algo muy amplio. Existen determinadas cosas que le cuestan más a cada persona. Hay gente a la que le cuesta más el tema de ser más fluido corporalmente o hay gente a quien le suena la música en la cabeza pero no lo logra transmitir. Hay otros casos que tienen mucha fluidez pero hay conceptos que los tienen que profundizar más. También hay casos de problemas de atención, o que tienen facilidad pero no pueden mantener la concentración más de determinada cantidad de compases o para estudiar. Digamos que más allá de lo musical hay varias cuestiones. A veces quizás ayuda ser organizado o quizás no serlo tanto. Hay muchas cosas en la música que se incorporan por imitación o de una forma más inconsciente y hay otras cosas que necesitan razonarse un poco más.

De lo que yo he visto en muchos violinistas tanto compañeros como gente que he escuchado incluso más grande yo creo que cada persona tiene cualidades distintas. El temas es la cuestión práctica, el entender qué te funciona y de qué forma. No saturarse estudiando demasiadas horas o tampoco estudiar muy poco.

Las horas de estudio varían, es algo relativo a la persona. En relación a la concentración hay gente que se puede concentrar media hora pero esa media hora les viene muy bien y hay gente que por ahí necesita más tiempo para trabajar de una forma más lenta. Por eso, en cuanto al talento no tengo una respuesta y creo que se suple con trabajo… y trabajo de la forma correcta.

No solamente ponerse a tocar y repetir…. bueno quizás normalmente hay que repetir pero no es cuestión de estar pasando el arco diez horas por día sin dirección.

 

¿Y la técnica como influye ?

Sobre el tema de la técnica yo tengo el concepto que me impartieron mis profesores y que he adoptado y es que es la producción de sonido. Vos tenes un concepto musical y en base a ese concepto musical vas a necesitar lograr determinado sonido determinado fraseo cuestiones concretas del sonido que parten del concepto musical que uno tiene.

 

O sea ¿Sería trasladar el concepto musical de la partitura al sonido?

Claro,  si,  eso varia en lo que son los colores del sonido. También  entra un poco el punto de contacto en el violín el sonido, el vibrato, el fraseo, la articulación, todas esas cosas puestas juntas forman un concepto. Aunque este varía de músico a músico para producirlo uno necesita plasmarlo con las manos en el instrumento. Y bueno yo creo que ahí entra la técnica o sea… los medios que uno utiliza y necesita para expresarse…. pero claro, no se puede dividir la técnica de la música. El concepto también está ligado a lo emocional, a algo que uno  tenga para decir, para comunicar.

 

En la clase hablabas de trabajar la ansiedad que produce el estudio como un proceso ¿Qué papel tiene lo emocional ahí?

No, pero eso es algo distinto. La ansiedad sería una cuestión emocional que yo la dividido de lo que es  la cuestión emocional a la hora de tocar. Porque una cosa es la entrega emocional a la hora de interpretar y otra cosa es la cuestión emocional que te puede frenar en lo que son los procesos a la hora de trabajar. Eso ya es una cuestión emocional pero que no está ligada a la expresión musical, sino que está ligado a saber uno entenderse y no hacer cosas que te jueguen en contra como lo hace la ansiedad. Son cosas que  sirve tenerlas en cuenta para el trabajo pero hay que separar un poco lo que es el trabajo de lo que es la interpretación. Separarlo es parte del artista ¿No? Hay que hacer ese trabajo. Y es necesario controlarse para lograr un resultado pero bueno también está la otra parte emocional que es la parte del artista que necesita expresarse.

 

Si podés elegir ¿Preferís tocar en orquesta o ser solista ?

Depende….. el repertorio orquestal es fantástico y los conciertos solistas también. Tocar violín solo me gusta mucho  y en un momento me dedicaba mucho a eso: existen obras que son muy violinisticas y para el violinista tiene un placer distinto tocar esas obras.

 

 

¿Cómo es tu actividad  musical? ¿En que otras agrupaciones estas? 

Estoy en  la Sinfónica Nacional, y no soy profesor en ningún lado. Tampoco doy clases particulares. Si  doy masterclass o escucho gente que me pide. Tengo un trió que se llama Ginastera con José Araujo en cello y Marcelo Balat en piano, estamos haciendo un trabajo muy intenso viajamos  y siempre estamos trabajando nuevo repertorio-

También tengo conciertos programados como solista que me llevan mucho estudio y preparación. Así que trato de no abarcar más de eso para poder concentrarme. Pero estoy más que nada dedicado a la orquesta

 

¿Te gustaría estar en alguna otra orquesta por ejemplo  en Europa?

No. Por ahora estoy muy comprometido con la Sinfónica Nacional. Para mi ser concertino es una gran responsabilidad y un gran honor y la verdad que la orquesta desde que llegó a la  sede en la sala sinfónica del CCK está muy bien. Creo que es una oportunidad fantástica, es como si a un violinista le dieran un Stradivarius. Y creo que para una orquesta es fundamental tener un lugar donde pueda trabajar de esa forma. Ahora se viene un recambio generacional en la orquesta, se está jubilando mucha gente y se están haciendo concursos que son fundamentales para que otra gente tome la posta. Yo por suerte entré antes de este recambio y pude compartir con colegas que en el pasado han estado cuarenta años en la orquesta y me ha transmitido muchas anécdotas y experiencias y un poco el espíritu de la orquesta que es algo muy importante. Yo estoy hace casi tres años pero igual tenía mucha relación con la orquesta porque hacía diez años que empecé a tocar como solista con la sinfónica y a muchos músicos los conocía de hace tiempo. La verdad que algunos de ellos han hecho muchísimo por la orquesta y para mi es una gran responsabilidad tomar esa posta y lo hago con mucha alegría.

 

 

¿Que implica ser concertino de semejante orquesta?

Es una orquesta que tiene una gran personalidad y toda gente pensante. Obviamente recae cierta responsabilidad artística sobre el concertino y es muy importante tener un diálogo fluido con los directores para hablar de ciertas cuestiones generales o también determinadas opiniones que me transmiten alguno colegas y se pueden charlar con el director. Todos son excelentes músicos, pero sí es importante la comunicación; para mi también es una gran referencia Luis Roggero que es un concertino que está hace mucho años en la orquesta y creo que para todos es una gran referencia. Y creo que es un rol importante,  pero más allá de eso la verdad que para mi estar en la sinfónica es un placer tanto por la calidad humana como por la calidad artística, estoy muy contento.

 

¿El estar en la Sinfónica Nacional es la cima? ¿Ya no es necesario seguir formándose?

El músico ya entra formado pero la mayoría siempre sigue tomando clases o haciendo cursos de perfeccionamiento. O tienen una gran actividad en cuanto a la preparación para lo orquesta porque se hace un repertorio de gran jerarquía que exige mucho tiempo de preparación individual para que los conciertos sean de excelencia.

 

¿Y la dirección de la orquesta?

En este momento no hay director titular. Hasta hace poco el director fue Pedro Ignacio Calderón. Y ahora nos estamos manejando con directores invitados, todavía no se tomó la decisión de elegir un director titular. Pero se está trabajando muy bien con directores principales invitados que vienen algunas veces en el año y hoy vamos a tocar con Günter Neuhold, que es un director que ha hecho bastantes conciertos en el último tiempo con resultados fantásticos. Es un  conductor de una gran trayectoria que hace un trabajo profundo con la orquesta, muy puntilloso.

 

 

Sobre las obras de hoy que me podés decir

Hoy tocamos  la obertura de `La forza del destino´, de Verdi, `Preludios´ de Lizt y la quinta sinfonía de Tchaikovsky. En el caso de la quinta es un obra fantástica yo creo que en el repertorio sinfónico hay que trascender lo que es el violín y tener una concepción más global de lo que es el sonido y de la combinación tímbrica y de los instrumentos; creo que eso hace al sonido orquestal y es muy  importante,  con este director creo que se hace un muy buen trabajo en ese sentido.

 

¿Cómo ves el estudio del violín y de la música clásica  en nuestro país?

Yo creo que ahora es un momento muy lindo porque hay muchos jóvenes que se están interesando hay muchas orquesta juveniles que hacen un trabajo maravilloso con los chicos y creo que habría que darles mucho más apoyo porque el talento está, la voluntad está, lo que faltaría es un apoyo que venga de más arriba para que las cosas funcionen mejor ¿No? Con instrumentos en condiciones, con buenos salarios para los profesores etc. Yo creo que eso es lo mas importante, creo que en un punto es lo más fácil. Porque el talento de los chicos, las ganas y la predisposición en general es lo que más escasea y eso lo tenemos, entonces habría que aprovechar todas esas virtudes humanas que hay. Creo que los chicos que participan de orquestas tienen un gran futuro por delante y creo que es un buen momento.

 

Algún consejo para los profesores de violín del país como para ayudar pedagógicamente a sus alumnos?

Mira la verdad que he visto excelentes profesores. Los alentaría  a que continúen con ese trabajo porque es muy importante realmente hay muy buenos profesores que quizás no tengan tanta fama como otros pero he visto gente  que hace un trabajo fantástico. Así que me guardaría del tema de dar consejos porque realmente hay excelentes pedagogos. Yo tengo también muchos amigos o colegas que se han ido para el interior y que tienen una gran entrega con la enseñanza.

 

El violín es todo para vos en tu vida .. y …¿Qué es la música?

La música es una parte central después obviamente tengo mi familia mis amigos todo pero la música es lo principal.  Todo el tiempo o escucho o toco, para mi es indispensable.

Para mi la música es algo que nos termina trascendiendo y participar de ella es una experiencia espiritual muy importante.

 

Trascendiendo… ¿En qué sentido … Para vos existe algo superior que la inspira?

Si…, si …..yo no me animaría a definirla porque creo que es algo … no se si decir complejo.. …Pero para mi es una experiencia espiritual…. Sobre todo el  hecho de tocar en conciertos.

Y sobre todo es una experiencia social … la música se comparte y es transformadora, creo que tiene un efecto muy profundo sobre la gente…. Sobre las personas. Y es algo con lo que uno puede entrar en contacto en determinados momentos porque a veces no es tan fácil conectar con la música y cuando se logra conectar con ella la verdad que es una experiencia que va más allá de lo que son las palabras… es muy difícil definirla con palabras y creo que eso es lo importante ¿No? Que entra por la parte emocional. Si bien se ha pensado y estudiado mucho al respecto; hay una parte que va más al lado emocional y que trasciende lo que es la psiquis humana y lo que es  el entendimiento de las personas. Porque hay ciertas cosas como por ejemplo la inspiración de ciertos compositores que están un poco fuera de lo que es lo cotidiano.

 

..Un poco fuera del plano humano?

Puede ser… (risas)…. pero tampoco me animo a definirlo… no soy filósofo y tampoco he pensado tanto sobre el tema pero es lo que yo siento. Es una experiencia espiritual que nos enriquece mucho y la puedo compartir.

 

 

Y a los jóvenes y adultos que estudian qué les recomendarías…. Disciplina?

Si esas cosas son importantes…. pero creo que lo más importante es que uno le ponga amor a lo que hace, si realmente les gusta la música que lo disfruten! Después bueno si hay un montón de cosas que son no sólo para la música sino para cualquier cosas que uno haga, como tener disciplina etc. Si uno hace deportes o estudia una carrera digamos que son cosas que se requieren para cualquier oficio y profesión pero me parece que no hay que perder de vista lo que es disfrutar y lo que es escuchar la intuición de uno y la creatividad… creo que no se tiene que perder.